Kinematographie [2023]: Das Was, Wie & Warum

Die Kunst der Kinematografie definieren

Was ist Kinematografie? Wie alles andere in der Kreativbranche ist auch die Kinematografie eine Kunstform. Nach dem Wörterbuch ist die Kinematografie "die Kunst, bewegte Bilder zu machen".

Die Kinematografie umfasst mehrere filmische Elemente, wie die Komposition der Szene, den Bildausschnitt, die Wahl der Kamera, die Wahl des Objektivs und der anderen Kameraausrüstung, die Kamerabewegung, die Beleuchtung, die Schärfentiefe, den Zoom, die Schärfe, die Farbe, die Belichtung und möglicherweise die Einbeziehung von Spezialeffekten.

Wenn sich das nach einem großen Wortlaut anhört, haben Sie Recht! Kinematografie hat viel zu bieten. Ihre kinematografischen Entscheidungen beeinflussen, wie das Publikum auf das Gesehene reagiert.

Ties Versteegh

Kinematographie-Techniken 101 mit DOP Ties Versteegh

Interessiert an Kinematografie? Lernen Sie Ihren Ausbilder Ties Versteegh kennen, der Ihnen in dieser Masterclass die Grundlagen der Kinematografie näher bringt.

Trailer

NFmmsLm33bI

Einführung

0

X7zTyeITZGs

Aufnahmen & Blickwinkel

52

Eröffnungsshots

294

Schlussbilder

371

Beleuchtung

492

Kamerafokus

718

Kameraplatzierung

753

Kamerabewegung

797

Filter

845

Emotionen im Film

885

Geschichten erfinden

943

Ausrüstung

1070

Beenden

1337

Treffen Sie Ihren Ausbilder

Wekzb_f2jIM

Was Sie lernen werden

Warum Sie nie zoomen sollten, wenn sich die Kamera bewegt.

Warum Sie bei Ihren Aufnahmen nie den Fokus ziehen sollten.

Warum Sie nie etwas zeigen sollten, das asymmetrisch ist.

Wie man den holländischen Winkel oder die amerikanische Einstellung hinbekommt.

Wie man die Eröffnungs- und Schlusseinstellung richtig hinbekommt.

Wie Sie verschiedene Beleuchtungstechniken für Ihre Aufnahmen verwenden.

Warum Sie Ihre Geschichte immer in einem einzigen Bild erzählen sollten.

Warum Sie beim Filmen die Blende verkleinern sollten.

Allerdings ist die Definition der Kinematografie als Kunstform leicht irreführend. Filme zu machen ist nicht nur eine besondere Art von Kunst. Sie ist zwar ein Teil davon, aber es gehört noch viel mehr dazu.

Ähnlich wie bei Sprachen braucht es Jahre, um sie zu kultivieren. Wenn Sie schon einmal versucht haben, Französisch zu lernen, wissen Sie, wie schwer das sein kann. Ein erfahrener Kameramann muss in der Lage sein, die verschiedenen Techniken zu vermitteln, mit denen die Aufnahmen gemacht werden.

Technisch gesehen ist die Kinematografie die Kunst und Wissenschaft, Licht entweder elektronisch auf einen Bildsensor oder chemisch auf einen Film zu bannen. Es geht darum, eine Reihe von Aufnahmen zu einer zusammenhängenden Erzählung zu formen. Die Kinematografie komponiert jede Einstellung und berücksichtigt, wo alles im Bild Aufmerksamkeit erfordert.

Der Unterschied zwischen Fotografie und Kinematografie

Beide Tätigkeiten enden mit "graphy", und ich würde sagen, das ist der Ort, an dem sie sich am ähnlichsten sind.

Die Fotografie kann ein in sich abgeschlossenes Werk sein; bei der Kinematografie geht es um die Beziehungen zwischen Aufnahmen und einer Gruppe von Aufnahmen.

Die Fotografie ermöglicht auch eine viel selbstständigere Arbeit. Die Kinematografie ist eine sehr viel kooperativere Arbeit und hängt von einer Reihe von Menschen ab. Der Kameramann macht seine Arbeit nicht allein, sondern arbeitet mit Drehbuchautoren, Regisseuren, Beleuchtern, Schauspielern und vielen anderen zusammen.

Anders ausgedrückt: Die Fotografie ist COVID-19-freundlich, die Kinematografie... nicht so sehr.

Warum ist die Kinematografie wichtig?

Abgesehen davon, dass sie den Film macht?

Das ist der wichtigste Teil! Keine geheimen Schätze oder versteckten Hinweise.

Bei der Kinematografie geht es darum, den Gesamteindruck und die Stimmung des Films zu gestalten und zu unterstützen. Es ist die Aufgabe des Kameramanns, die Visionen des Regisseurs zu verwirklichen. Ein Kameramann ist so etwas wie die gute Fee des Filmemachens.

Was macht ein Kameramann?

Die Auswahl der Kamera, die Kenntnis der verschiedenen Objektivtypen und die Einstellung der Beleuchtung - all das gehört zu den Aufgaben eines Kameramanns. Der Beruf des Kameramanns ist sehr vielseitig und erfordert zu gleichen Teilen Künstler, Techniker und Manager - sozusagen ein All-inclusive-Luxusresort.

Ich weiß, das klingt alles ein bisschen hektisch und viel zu viel für eine Person - verstehen Sie mich nicht falsch, das ist es auch! Aber es gibt auch einen Silberstreif am Horizont. Je mehr Sie arbeiten und je mehr Sie üben, desto wahrscheinlicher wird sich Ihr Handwerk weiterentwickeln. Mit der Zeit wird Ihnen eine ganze Aufnahme leicht von der Hand gehen. Haben Sie schon einmal den Satz "Übung macht den Meister" gehört?

Jetzt haben wir besprochen, was ein Kameramann ist. Werfen wir einen Blick auf die Elemente der Kinematographie.

Die Aufgaben und Verantwortlichkeiten in der Kinematographie

Festlegung des visuellen Looks

Bei der Kinematografie geht es darum, das visuelle Erscheinungsbild des Films zu bestimmen. Stellen Sie sich vor, The Blair Witch Project wäre nicht im Dokumentarfilm-Look gedreht worden - wäre der Film dann zu einer Sensation geworden? Oder stellen Sie sich vor, La La Land wäre nicht mit einem anamorphotischen Objektiv gedreht worden, um dem Film eine romantische Note zu verleihen.

Wenn Sie mehr über das anamorphotische Objektiv wissen möchten und darüber, was es Ihrem Film geben kann, können Sie mehr darüber lesen, was es ist und warum Sie es verwenden sollten. Und wenn Sie bereits alle Grundlagen kennen, können Sie das beste anamorphotische Objekt iv für Ihr nächstes Projekt finden - vielleicht für La La Land Vol. 2?

Die Art und Weise, wie Sie an einen Film herangehen, entscheidet letztendlich darüber, welche Art von Film das Publikum zu sehen bekommt. Sowohl La La Land als auch The Blair Witch Project wären ganz andere Filme geworden, wenn andere kinematografische Techniken zum Einsatz gekommen wären.

Bestimmen Sie die Kameraeinstellung

Zur Kinematografie gehört auch die Festlegung einer Kameraeinstellung für jede. Single. Aufnahme. Ein Kameramann hat eine Menge Aufgaben und Verantwortlichkeiten. Die Entscheidung über Kameratypen, Objektive, Kamerawinkel und allgemein benötigte Kameratechniken ist ein Teil davon. Sie müssen bis ins kleinste Detail überlegen, welche kinematografischen Techniken eingesetzt werden sollen, um die Szene zum Leben zu erwecken.

Denken Sie daran, dass für eine Szene vielleicht ein Objektiv mit Festbrennweite am besten geeignet ist, während für eine andere ein Zoomobjektiv verwendet werden sollte. Oder vielleicht sollte die erste Einstellung eine Aufnahme in Augenhöhe sein, die nächste aber eine extreme Nahaufnahme. Die Liste ließe sich fortsetzen, aber Sie wissen, worauf es ankommt.

Und was noch wichtiger ist? Sie arbeiten nicht allein. Sie arbeiten mit Drehbuchautoren, Regisseuren und, falls erforderlich, mit den Verantwortlichen für die Drehorte zusammen. Um das Design und die gewünschte Stimmung für jede Szene zu finden, müssen Sie all diese Wünsche und Vorstellungen berücksichtigen, um den richtigen visuellen Reiz zu erhalten.

Entscheiden Sie sich für ein Beleuchtungssetup

Bestimmen Sie die richtige Beleuchtung für jede Szene. Beim Filmemachen müssen Sie verstehen, wie wichtig und filmverändernd die richtige Beleuchtung sein kann. Sie brauchen Filmbeleuchtungstechniken, um die visuelle Stimmung zu erzeugen, die der Regisseur zu erreichen versucht.

Ein Kameramann muss wissen, wie er die Tiefe, den Kontrast und die Konturen eines Bildes verbessern kann - er muss alles tun, um die Atmosphäre der Geschichte zu unterstützen.

Zweifellos haben die Pate-Filme ihre Spuren in der Welt des Kinos hinterlassen - ein Teil dieser Spuren? Die Beleuchtung. Gordon Willis, der die Filme inszenierte, veränderte die Art und Weise, wie man Stars beleuchtet. Zum ersten Mal gab es ein Licht über der Figur, das Schatten warf, so dass man die Augen des Schauspielers nicht sehen konnte. In gewisser Weise eine einfache Technik und doch ein Geniestreich. Diese einzigartige Beleuchtung sorgte für die richtige Stimmung und trug dazu bei, den Charakter des Paten aufzubauen.

Was ist Ihr Geniestreich?

Den Drehort kennen lernen.

Zum Filmemachen gehört mehr als nur die Suche nach geeigneten Einstellungen und Winkeln. Die talentierten Kameramänner und -frauen wissen, dass der Drehort eine wichtige Rolle spielt. Ein Kameramann muss den Ort jeder Szene erkunden - welches Potenzial hat dieser Ort?

Angenommen, der Winter steht vor der Tür, und Sie filmen den Drehort so, dass es eher so aussieht, als kämen ein paar Margheriten, nun ja. In diesem Fall kann das die Stimmung des Publikums leicht verderben. Sie sollten wissen, welche Techniken Sie verwenden sollten, Textur, Kontrast, Farbe und so weiter.

Nutzen Sie die Proben zu Ihrem Vorteil

Als Normalsterbliche kann es schwierig sein, alles vorauszusehen. Nutzen Sie also die Proben der Schauspieler zu Ihrem Vorteil. Es ist möglich, dass Sie bereits eine Vorstellung davon haben, wie Sie eine bestimmte Szene einfangen wollen, und obwohl das in der Theorie schön ist, muss es in der Praxis auch funktionieren. Sie können alles nach dem Drehbuch gemacht haben, aber wenn die Schauspieler darin nicht erfolgreich eingefangen werden, wird es keine gute Aufnahme.

Besuchen Sie die Proben, um zu sehen, wie sich die Schauspieler in einer bestimmten Szene bewegen. Achten Sie darauf, ob sie bestimmte Gesten oder Gesichtsausdrücke haben, die Sie einfangen möchten, und passen Sie Ihr Setup entsprechend an.

Seien Sie ein Berater des Regisseurs.

Bei der Kameraführung geht es darum, die Vision des Regisseurs einzufangen und in die Tat umzusetzen. Der Regisseur ist jedoch genauso ein Mensch wie jeder andere auch. Vielleicht gibt es großartige Ideen, an die der Regisseur noch nicht gedacht hat. Ein guter Kameramann muss diese potenzielle Lücke mit neuen Ideen und Konzepten füllen, um den Film auf die nächste Stufe zu heben.

Techniken der Kinematographie

Nachdem Sie nun besser verstanden haben, was Kinematografie ist und welche Aufgaben und Pflichten ein Kameramann hat, können wir uns nun der kinematografiespezifischen Fachsprache zuwenden.

Beleuchtung

Sie haben es oben gelesen, und ich erwähne es hier noch einmal. Die Beleuchtung ist filmverändernd!

Die Beleuchtung spielt eine grundlegende Rolle für das, was der Zuschauer sieht und erlebt. Sie bestimmt die Stimmung. Nehmen Sie zum Beispiel Komödien. Bei diesen wird in der Regel eine starke Beleuchtung verwendet, um alle dunklen Bereiche oder Schatten zu beseitigen, es sei denn, es handelt sich um einen verdrehten Sinn für Humor, aber das ist eine andere Geschichte. Bei Genres wie Thrillern oder Noir-Filmen wird dagegen in der Regel eine schwache Beleuchtung verwendet, um die Stimmung und das Geheimnisvolle zu betonen. Stellen Sie sich Sin City mit "komödiantischen" Highlights vor - ich weiß, was ich meine.

Bei großen Produktionen haben Sie ein Beleuchtungsteam. Als Kameramann müssen Sie wissen, welche Art von Beleuchtung die beste ist.

Bevor wir uns damit befassen, welche Art von Beleuchtung Sie verwenden sollten, lassen Sie uns zu den Grundlagen zurückkehren.

Licht wird in Kelvin (K) gemessen, was die Temperaturskala angibt. Je niedriger der K-Wert ist, desto röter ist der Farbton des Lichts. Ein höherer Kelvin-Wert bedeutet dagegen eher gelbes, weißes und blaues Licht. Um es in die richtige Perspektive zu rücken: Ein klarer blauer Himmel kann 10.000 K haben... Denkt an die Sonnencreme, Kinder.

Nun zum Beleuchtungsaufbau

Die gebräuchlichste Beleuchtungseinstellung ist die Dreipunkt-Beleuchtungseinstellung. Nun, der Name verrät es schon ziemlich genau. Es handelt sich um eine Beleuchtungseinstellung, bei der Sie drei Lichtquellen verwenden.

Der erste Punkt ist das Hauptlicht, auch die primäre Lichtquelle, die das Objekt, die Person oder die Epoche, die Sie zeigen möchten, optimal beleuchtet. Das Licht strahlt entweder von vorne rechts oder von vorne links direkt auf das Motiv. Der Zweck des Hauptlichts ist es, eine atmosphärische Gesamtstimmung zu erzeugen.

Das zweite Licht ist das Aufhelllicht, das das Motiv mit einem weicheren Licht ausleuchtet. Wenn Sie nur ein kleines Aufhelllicht verwenden, erhalten Sie viele Schatten und einen dunklen und mysteriösen Look. Wenn das Hauptlicht vorne links angebracht ist, sollte das Aufhelllicht vorne rechts angebracht werden.

Das dritte und letzte Licht ist das Gegenlicht, auch Randlicht genannt. Dieses Licht verleiht dem Motiv ein dreidimensionales Aussehen. Wie der Name schon sagt, wird es im Rücken des Motivs platziert. Ein Gegenlicht hilft, das Motiv vom Hintergrund zu trennen.

Sie können nach Belieben weitere Lichter in die Szene einfügen, je nachdem, was Sie vermitteln möchten.

Diese Drei-Punkt-Beleuchtung ist nur der Anfang. Denken Sie über den Tellerrand hinaus! Verwenden Sie das Licht in verschiedenen Winkeln, schalten Sie es aus, fügen Sie zehn weitere hinzu - was immer Sie wollen - brechen Sie die Regeln.

Arten von Licht

So wie es unendlich viele Beleuchtungseinstellungen gibt, so gibt es auch unendlich viele Beleuchtungsarten - was für eine Freude!

Für Filmproduktionen gibt es einige Arten von Licht, die häufiger und nützlicher sind als andere. Versuchen Sie also, sich mit Beleuchtungsarten wie Kunstlicht, HMI, Leuchtstofflampen und LED vertraut zu machen. Und natürlich die Lichtquelle, die uns Mutter Erde geschenkt hat - die Sonne (exklusive Neuigkeit: sie ist kostenlos zu verwenden).

Größe der Aufnahme und Bildkomposition

Überlegen Sie, wie viel von der Aufnahme das Publikum sehen soll. Soll das Publikum den gesamten Grand Canyon in einer extremen Weitwinkelaufnahme sehen, oder soll es in einer extremen Nahaufnahme einen intensiven Blickkampf mit Herrn Gyllenhaal erleben?

Eine der wichtigsten Entscheidungen in der Kinematographie ist die Bildkomposition. Die Komposition bezieht sich auf den Bildausschnitt und alle Elemente innerhalb dieses Bildes. Sie ist ein entscheidender Aspekt der Kinematografie, denn sie kann dazu beitragen, was der Zuschauer sieht, weiß und fühlt.

Im Folgenden finden Sie eine Aufschlüsselung der verschiedenen Arten von Aufnahmegrößen und -kompositionen.

Extrem weite Einstellung. Diese Einstellung steht normalerweise am Anfang einer Szene. Sie hilft dem Publikum zu erkennen, wo sich die Szene abspielt. Diese Aufnahme sollte ein Foto von einem Ort sein, von dem Sie wissen, dass das Publikum ihn sofort wiedererkennen wird. Zeigen Sie die Golden Gate Bridge - nicht das örtliche Delhi.

Weitwinkelaufnahme. Die Weitwinkelaufnahme zeigt die Figur von Kopf bis Fuß. Diese Aufnahmen zeigen dem Publikum den Kontext und den Raum einer Szene.

Mittel- oder Halbnahaufnahme. Bei dieser Einstellung wird die Person von der Taille aufwärts gezeigt. Diese Art von Aufnahmen dient normalerweise dazu, ein Gespräch zu filmen.

Mittlere Totale. Bei dieser Art von Aufnahmen wird die Person ab dem Knie aufwärts aufgenommen. Dies bedeutet oft, dass sich der Zuschauer mehr auf die Umgebung als auf die Person selbst konzentriert.

Mittlere Nahaufnahme. Sie zeigt die Figur von der Mitte der Brust an aufwärts. Der Zweck ist, die Mimik und Körpersprache der Figur zu betonen.

Nahaufnahme. Diese Einstellung wird normalerweise in einer emotionalen Szene verwendet, in der wir alles sehen wollen, was die Person denkt und fühlt. Verwenden Sie diese Aufnahmegröße für dramatische Szenen, bei denen das Publikum eine gewisse Emotion für die jeweilige Szene empfinden soll.

Two-Shot und Three-Shot. Wie der Name schon andeutet, sind hier zwei oder drei Personen im Bild. Stellen Sie sich ein Gespräch zwischen zwei Personen vor; das Publikum sieht sowohl den Sprecher als auch den "Reporter", was ihm hilft, die Bedeutung des Gesprächs zu erfassen. Wenn sich das Publikum jeweils nur auf eine Person konzentriert, wird die sprechende Person gezeigt. Wenn diese Person aufhört zu sprechen, kann die Reaktion der anderen Person in einer separaten Aufnahme gezeigt werden.

Über-die-Schulter-Aufnahme. Der Name ist ein Spoiler, aber dies ist die Art von Aufnahme, die Sie über die Schulter der Figuren machen. Der Zuschauer sieht die Schulter und eine Seite des Gesichts und des Halses der anderen Person. Ziel ist es, dem Publikum einen subjektiven Blickwinkel zu vermitteln oder ihm das Gefühl zu geben, Teil des Geschehens zu sein.

Point-of-View-Aufnahme. Diese Art der Aufnahme ist der Schulterperspektive sehr ähnlich. Der Zuschauer sieht dasselbe wie die Figur - ohne dass die Schulter und die Seite des Kopfes sichtbar sind. Es handelt sich eher um eine Ich-Perspektive, bei der der Zuschauer sieht, was die Figur sieht, und sich eher in die Lage der Figur hineinversetzen kann.

Weitwinkeleinstellung. Die Kamera blickt von oberhalb der Augenhöhe auf die Person herab. Wenn ein Regisseur eine Kamerafahrt aus der Vogelperspektive verwenden möchte, dann in der Regel, weil er/sie die Figur als schwach, verletzlich oder unterlegen darstellen möchte. Sie kann auch ein überwachungsähnliches Gefühl erzeugen oder anderweitig nützlich sein, um mehr Informationen aus einer Erzählperspektive zu liefern.

Niedrigwinklige Aufnahme. Im direkten Gegensatz zur Weitwinkelaufnahme ist die Tiefwinkelaufnahme ein Kamerawinkel, bei dem das Motiv unterhalb seiner Augenhöhe zu sehen ist. Sie wird meist verwendet, um Status, Überlegenheit oder Dominanz zu signalisieren - um bösartige Schurken oder überlebensgroße Helden zu schaffen.

Aufnahme auf Augenhöhe. Die Kamera wird so positioniert, dass die Person direkt in das Objektiv schauen kann, ohne die Augen nach oben oder unten zu bewegen. Sie soll einen neutralen Blick simulieren. Sie ist gut geeignet, um Gesichtsausdrücke und Emotionen einzufangen. Wenn Sie das Publikum einbeziehen und eine Verbindung zum Motiv herstellen möchten, ist eine Aufnahme auf Augenhöhe eine gute Wahl.

Dolly-Aufnahme. Ein Dolly Shot ist eine Art Kamerafahrt, bei der die Person auf einem Dolly-Wagen verfolgt wird. Sie werden verwendet, um ruhige und kontrollierte Aufnahmen zu machen, fast so, als würde die Kamera schweben. Sie können die Aufmerksamkeit des Zuschauers sehr gut lenken und sind fantastisch, um einen Ort zu enthüllen.

Ehrlich gesagt, ich könnte noch mehr sagen, aber dafür gibt es sicher eine Zeit und einen Ort. Der Punkt ist, dass es so viele Möglichkeiten gibt, wenn es um Aufnahmegrößen und -winkel geht, die alle dazu beitragen können, die Geschichte zu unterstützen.

Apropos Kamerawinkel - lernen Sie alle wichtigen Kamerawinkel (psst, und Aufnahmegrößen, Komposition und noch viel mehr). Ich denke, ich habe die Zeit und den Ort dafür gefunden ;-)

Kamerafokus

Ein Teil der Kinematographie besteht darin, den Fokus der Kamera zu nutzen, um verschiedene Aspekte der Geschichte zu betonen. Nehmen wir ein Beispiel.

Nehmen wir an, Sie filmen eine Szene mit einer älteren Person. Sie erzählt eine Geschichte aus ihrer Jugend, und während sie diese erzählt, erscheint eine Rückblende. Diese Rückblenden haben jedoch nicht den gleichen Stil; sie sind verschwommen, stärker hervorgehoben und sehen romantischer aus. Dadurch wirkt die Geschichte unserer älteren Figur wie eine Erinnerung an die Vergangenheit.

Ein anderes Beispiel? Stellen Sie sich Mr. Chow auf dem Rückweg von einer verrückten Nacht in Las Vegas vor. Um zu verdeutlichen, dass er nicht nüchtern ist - Vegas... Die Aufnahme geht in den Fokus und aus dem Fokus. So sehr, dass dem Zuschauer fast schwindlig wird.

Es ist ganz natürlich, dass man etwas zögert, wenn man seine Aufnahme unscharf werden lässt - wann hat das jemals etwas gebracht, oder? Aber genau dieses Spiel mit der Schärfe kann ein Kameramann nutzen, um die wesentlichen Elemente einer Geschichte zu betonen.

Platzierung der Kamera

Ein wichtiger Teil der Kinematografie ist die Platzierung der Kamera. Ist sie nah am Motiv oder weit weg? Dies wirkt sich darauf aus, wie das Publikum auf die Aufnahme und damit auf den Rest der Szene reagiert.

Unterschiedliche Kamerapositionen können sich erheblich darauf auswirken, wie das Publikum das Verhalten einer Figur wahrnimmt, und tragen dazu bei, die gesamte Stimmung der Szene zu bestimmen. Die Wahl des Kameraplatzes hat Einfluss auf die emotionale Bedeutung der Szene.

Angenommen, Sie platzieren die Kamera in der Nähe von zwei Personen, die zu Mittag essen; dann könnte der Zuschauer das Gefühl bekommen: "Ich nehme das, was sie isst."  Sie könnten die Kamera aber auch weit weg von dem Paar platzieren, was das Gefühl der Überwachung hervorruft, dass sie von jemandem beobachtet werden.

Kamerabewegung

Bewegen oder nicht bewegen...

Bewegen Sie die Kamera, wenn sich die Figuren bewegen, um ein Gefühl für die Perspektive zu vermitteln, oder lassen Sie sie statisch. Wenn sich die Figuren bewegen, hat der Zuschauer das Gefühl, dass sie voneinander getrennt sind.

Diese kinematografische Technik kann auch die Art und Weise verändern, wie das Publikum einen Film wahrnimmt.

Haben Sie jemals Fast & Furious gesehen ? Die haben ungefähr 40 Filme gedreht, also ziemlich beeindruckend, wenn du das nicht kennst. Der Punkt ist, dass sich die Kamera während der Verfolgungsjagd mitbewegt. Auf diese Weise wird die Szene intensiver, da der Zuschauer nun mitten im Konflikt steht. Stellen Sie sich eine statische Kamera vor; es gäbe nicht viel Spannung, da sie im Nu wieder verschwunden wäre - definitiv keine 40 Filme wert.

In einer anderen Situation, z. B. in einem Bürodrama, könnte eine statische Kamera jedoch die Spannung erhöhen. Da es keine Fluchtmöglichkeit gibt, ist der Zuschauer gezwungen, zu warten, während das Drama weitergeht.

Kameraausrüstung

Um mit der Kamerabewegung, der Größe der Aufnahme, der Komposition und der Schärfe zu spielen, braucht man... eine Kamera.

Kinematographie bedeutet, die richtige Kamera für die Filmproduktion zu wählen. Und bei der großen Auswahl an Kameras kann man sich leicht verirren.

Sie haben vielleicht ein großes Budget, aber das bedeutet nicht, dass Sie die teuerste Kamera kaufen sollten. Oder Sie brauchen einen filmischen Look, aber eine Action-Kamera wie die GoPro ist am besten geeignet. Auch wenn Sie auf die technischen Möglichkeiten einer Kamera achten, sollten Sie sich nicht nur darauf konzentrieren.

Konzentrieren Sie sich stattdessen darauf, welche Kamera für Ihren Zweck am besten geeignet ist.

Um Ihnen zu helfen, die beste Kamera für Ihren nächsten Film zu finden, lesen Sie mehr über die besten professionellen Kinokameras für das Filmemachen.

Zusätzliche Ausrüstung

Ein großer Teil der Filmarbeit besteht darin, Ausrüstung zu finden, die die visuelle Geschichte unterstützen kann. Alles, von Kameras und Objektiven bis hin zu Dollies und Gimbals, liegt in der Verantwortung eines Kameramanns. Ein Kameramann muss abwägen, mit welcher Ausrüstung er die Vision des Regisseurs umsetzen will.

Manche werden argumentieren, dass ein Objektiv genauso wichtig, wenn nicht sogar wichtiger ist als die eigentliche Kamera, und ich könnte geneigt sein, dem zuzustimmen. Aber das ist eine andere Geschichte und nicht der Punkt. Der Punkt ist, dass Kameraobjektive ein entscheidender Faktor sind. Insgesamt gibt es zwei verschiedene Objektive, aus denen Sie wählen können.

Das Festbrennweiten-Objektiv ist wahrscheinlich das am häufigsten verwendete Objektiv in der Filmbranche. Ein Festbrennweitenobjektiv ist ein Objektiv mit einer festen Brennweite, in der Regel zwischen 20 und 120 mm, was bedeutet, dass Sie den Blickwinkel nur durch eine physische Bewegung der Kamera ändern können. Der Grund, warum so viele Menschen dieses Objektiv für Filmzwecke verwenden, liegt in seiner hervorragenden optischen Qualität.

Eine andere Art von Objektiv ist das Zoomobjektiv. Im Gegensatz zum Festbrennweiten-Objektiv haben Zoom-Objektive eine einstellbare Brennweite, wodurch sich der Bildwinkel besser beeinflussen lässt. Während das Zoomobjektiv eine große Flexibilität ermöglicht (was uns gefällt), geht es zu Lasten der Bildqualität, des Gewichts und der Blende. Wenn Sie jedoch einen Film drehen, bei dem Sie ein breites Spektrum an Motiven aufnehmen müssen, z. B. Landschaften und Porträts, ist das Zoomobjektiv perfekt.

Sobald Sie sich darauf festgelegt haben, sollten Sie überlegen, welche andere Ausrüstung Sie benötigen. Wenn Sie wissen, was die Szene erfordert, können Sie entscheiden, welche Art von Ausrüstung den visuellen Ausdruck der Szene unterstützen wird.

Überlegen Sie, ob Sie sich ein Stativ zulegen sollten. Diese sind gut, wenn Sie eine ruhige Aufnahme machen oder einfach nur schwenken, neigen oder zoomen wollen. Wenn Sie ein Zoomobjektiv verwenden, können Sie das Stativ befestigen und das Objektiv die gesamte Zoomarbeit erledigen lassen. Wenn Sie hingegen ein Festbrennweitenobjektiv verwenden möchten, sollten Sie das Stativ auf einen Dolly stellen, der diese Aufgabe für Sie übernimmt.

Ein Dolly, fragen Sie?

Ein Dolly ist eine flache Plattform mit Rädern (normalerweise). Dann lassen Sie den Dolly diese butterweichen Bewegungen einfangen. Ein Dolly wird häufig für Kamerafahrten verwendet.

Ähnlich wie der Dolly ist der Kran, ich sagte "ähnlich", nicht "gleich". Platzieren Sie Ihre Kamera auf einem Kran oder einem Ausleger, um Figuren von hoch oben oder aus großer Entfernung aufzunehmen. Während einige Dollys digital gesteuert werden, werden andere manuell vom Kameramann bedient. Für den Fall, dass Sie nicht über unbegrenzte Mittel für die Ausrüstung verfügen, sind Kräne auch ein hervorragender Ersatz für Drohnen.

Es gibt eine ganze Reihe von Kameraausrüstungen, die für Ihren Film relevant sein könnten. Planen Sie also gut, arbeiten Sie mit dem Regisseur zusammen und finden Sie heraus, was Sie brauchen, um Ihren Film zum nächsten "and the Oscar goes to..." zu machen.

Erste Schritte als Kameramann

Diesen ganzen Beitrag durchzugehen, braucht Zeit, denn, seien wir ehrlich - es gibt eine Menge. Und nicht alles ist in der Realität so einfach, wie es auf dem Papier aussieht. Die einzige Möglichkeit, ein Genie auf dem Gebiet der Kinematographie zu werden, ist, mit dem Drehen anzufangen.

Ja, das ist mein Rat.

Es gibt Dinge, die man durch Studien, Lesestoff und YouTube-Videos nicht lernen kann.

Was muss man wissen, um als Kameramann anzufangen? Nun, lassen Sie es uns herausfinden. Lezgo.

Beliebte Anzeigen zur Miete