16 der atemberaubendsten Cinematographie-Filme

Sind Sie ein angehender Kameramann? Oder mögen Sie einfach nur schöne Filme?

Egal, ob du ein Experte oder ein absoluter Anfänger in Sachen Kinematografie bist oder dich überhaupt nicht dafür interessierst, hier sind 16 wunderschöne Filme, die du dir unbedingt ansehen solltest.

1 Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2004)

Dies ist eine klassische Liebesgeschichte mit vielen Wendungen - sie verbindet die Realität von Joel (unserem Protagonisten) mit der Erinnerung an eine alte romantische Liebe, Clementine.

Diese Drehungen und Wendungen von Gefühlen und Zeit werden durch Rückblenden, Träume und Albträume vermittelt. Die Kameramannin Ellen Kuras nutzte das ihr zur Verfügung stehende Licht sowie einige lustige und einzigartige Übergänge, um sie in Szene zu setzen.

2 Mad Max: Fury Road (2015)

Obwohl der Film in einem postapokalyptischen Ödland spielt, ist Mad Max: F ury Road wirklich ein wunderschön gedrehter Film. Kameramann John Seale verwendete lange Panoramaaufnahmen und bewegte die Kamera mit dem Tempo der Szene, um ein intensives und fesselndes Erlebnis zu schaffen.

Was Ihnen vielleicht auffällt (abgesehen von der Tatsache, dass Sie vor Spannung zittern), ist die Schärfe der Figuren und Requisiten vor dem Hintergrund der verschwommenen und nebligen Wüsteneinöde. Die strenge Farbpalette aus Orangen, leuchtenden Blautönen und kräftigen Rottönen macht diesen Film zu einem Meilenstein der Actionfilm-Kinematografie.

3. Moonlight (2016)

Moonlight ist eine aufschlussreiche und herzzerreißende Geschichte und Memoiren über die Kämpfe eines Jungen als Teil der LGBTQ+ und schwarzen Gemeinschaft, der Liebe und Gesellschaft an fremden Orten findet.

Der Kameramann James Laxton wurde für seine Arbeit für einen Oscar nominiert, verlor aber nur gegen Linus Sandgrenvon La La Land(ein frecher Hinweis, weiterzulesen!)

Man muss sich nur ein einziges Bild von Moonlight ansehen, um die Themen Einsamkeit und Melancholie in der Welt zu verstehen.

Die kalten Farbtöne und verwaschenen Effekte verleihen dem Film einen Ton der Hoffnungslosigkeit, der einen einfach in die Geschichte hineinzieht. Wenn man gut aufpasst, bemerkt man die allmähliche Erwärmung der Aufnahmen im Laufe des Films, die sowohl Spannung als auch die brennende Hitze Miamis signalisiert.

Wenn Sie sich den Film schon nicht wegen der Bilder ansehen, dann doch wenigstens wegen der Tatsache, dass er bei den Oscars den Preis für den besten Film gewonnen hat. (Er ist wirklich sehenswert.)

4. Schwerkraft (2013)

Emmanuel Lubeski hatte mit Gravity eine große Herausforderung - etwas so Außerirdisches für den Zuschauer wie eine Realität erscheinen zu lassen.

Wenn man an die visuellen Eindrücke von Gravity denkt, fällt einem sofort die 12-minütige Eröffnungsszene mit der Reise ins All ein.

Laut Lubeski hat es wegen der ständig wechselnden Lichtsequenzen "viele Monate gedauert, sie zu entwerfen und Jahre, sie zu drehen".

Das Nebeneinander von ruhigen und stillen Weltraumszenen und Aufnahmen wie Sandra Bullock, die außer Kontrolle gerät, verleiht Gravity sowohl die Action als auch die Spannung, die den Film zu einem Muss machen.

5. Das Dienstmädchen (2016)

The Handmaiden spielt im japanisch besetzten Korea und dreht sich um Reichtum und Manipulation.

Kameramann Park Chan-Wook arbeitet damit, "opernhafte Themen wie Rache und Schicksal mit unerhörten Wendungen und einer üppigen visuellen Sensibilität zu kombinieren [...] Parks Filme waren schon immer schwer in eine bestimmte Genre-Kiste zu stecken." So der A.V. Club.

Die Verwendung von Weitwinkeln, Symmetrie und der berühmten Augenschärfe in Kombination mit schwach beleuchteten Szenen macht The Handmaiden fesselnd und auf seltsame Weise aufdringlich.

6. Zodiac (2007)

Harris Savides' Arbeit an Zodiac war einer der ersten Hollywood-Filme, die mit dem unkomprimierten HD-to-Drive-Digital-Akquisitionssystem gedreht wurden. Das heißt, er wurde auf Film gedreht.

Eine der am häufigsten verwendeten Techniken in Zodiac ist der Einsatz von Schwenks und Zooms, damit der Zuschauer dem Fall nahtlos folgen kann.

Die explizite Verwendung des Herauszooms, um den Zuschauer zu distanzieren, und des Heranzooms, um ihn näher heranzuholen, macht Zodiac zu einem klassischen Thriller mit einem gewissen Etwas.

7. Kill Bill Vol. 1 & 2 (2003 & 2004)

Robert Richardson setzt in Kill Bill eine Vielzahl von Techniken ein, um den Film zu dem zu machen, was er heute noch ist: beliebt und beliebt.

Gleich zu Beginn gibt es Panorama- und Horizontalaufnahmen sowie Aufnahmen aus der Vogelperspektive, so dass der Zuschauer jeden möglichen Winkel des Geschehens miterleben kann.

Einzigartig ist die Verwendung subjektiver Kameraschwenks, so dass wir eine neue Einstellung oder neue Teilnehmer im Film erhalten, wenn sich die Szene bewegt. Diese Technik fängt den Zuschauer ein und vermittelt ihm das Wesentliche der Szene, während sie sich abspielt.

Richardson setzt auch die Charakterverfolgung ein und legt den Schwerpunkt gleichermaßen auf die Figuren und den Ort. Man hat wirklich das Gefühl, ein Teil dieses Action-Thrillers zu sein.

8. Blade Runner 2049 (2017)

In Blade Runner 2049 fügte Deakins dem Sci-Fi-Genre eine künstlerische Note hinzu, indem er die Leinwand mit 50 Schattierungen von Orange und einer fabelhaften Neo-Noir-Beleuchtung beleuchtete.

In diesem Film geht es wirklich um die Gegenüberstellung. In den kargen Szenen der Dystopie in der Wüste kommt die überfüllte Natur der Stadt richtig zur Geltung.

Deakins Einsatz von scharfen Figuren und Silhouetten zusammen mit Panoramaaufnahmen verleiht der Landschaft einen echten Akzent, den der Zuschauer nicht so schnell vergessen wird.

9. Kinder der Menschen (2007)

Dieser spannende dystopische Film, der in einer Welt ohne Kinder spielt, handelt von einem Mann, der ausgewählt wird, eine junge schwangere Frau so schnell wie möglich aus dem Land zu bringen.

Emmanuel Lubezki (schon wieder!) zieht den Zuschauer mit einer wackeligen Kameraführung sofort in das Geschehen hinein, so dass man das Gefühl hat, selbst im Film zu sein.

Lubezki setzt kühle Töne und eine Unschärfe ein, die die zukünftige Welt greifbar, aber auch unnahbar erscheinen lässt. Dies ist ein Film für Cineasten und für alle, die einen guten dystopischen Film mögen.

10. La La Land (2016)

Damien Chazelles zweiter Film war eine völlige Abkehr von Whiplash (2014), aber er hat trotzdem nicht enttäuscht.

Die einsame und herzzerreißende Geschichte eines Pianisten und einer aufstrebenden Schauspielerin vor dem Hintergrund leuchtender Farben und melancholischer Töne macht diesen Film zu einem magischen Erlebnis für jeden Zuschauer.

Linus Sandgren hat für dieses Meisterwerk sogar den Oscar für die beste Kameraführung gewonnen, so dass man sich den Film allein schon deshalb ansehen sollte.

Seine langen Kameraschwenks, die einen konstanten Rhythmus beibehalten, und die Scheinwerfer sorgen dafür, dass der Film so wirkt und sich anfühlt, als würde das Publikum an dem Musical teilnehmen, verleihen ihm aber auch eine sanfte und traumhafte Textur.

Selbst wenn du kein Fan von Musicals bist, garantiere ich dir, dass allein die visuellen Eindrücke von La La Land dich dazu bringen werden, City of Stars immer und immer wieder zu summen.

11. Baum des Lebens (2011)

Der Filmstil von Tree of Life ist für Terence Malick nicht neu, aber in diesem großartigen Film erreicht die Kinematografie neue Höhen.

Er hat seinen Kameramann losgelassen und Emmanuel Lubezki (schon wieder!!) die Möglichkeit gegeben, auf das Licht der Produktion im Moment zu reagieren.

Der Baum des Lebens ist nicht nur visuell atemberaubend, sondern auch ein Film, der Fragen stellt, anstatt sie zu beantworten. Er ist eine überwältigende Erfahrung und verlässt sich auf die emotionale Verfügbarkeit seiner Zuschauer, um seine Weisheit auszusprechen.

Der Film wurde im Format 1,85:1 gedreht und verwendet in seinen Szenen häufig natürliches Licht, was dem Zuschauer ein greifbares Gefühl vermittelt.

Malick verließ sich stark auf die Natur, was das Gefühl der Wärme im Film noch verstärkte.

Brad Pitt meint dazu: "Ein Filmset ist sehr chaotisch. Es gibt Hunderte von Menschen, es gibt Generatoren und Lastwagen. Und das hier war eine ganz andere Erfahrung - wir hatten nichts davon. "Es gab keine [Kamera-]Lichter ... es gab keine Generatoren, und die Kamera wurde nur aus der Hand gehalten, es war also eine sehr freie, unaufdringliche Erfahrung."

Der Baum des Lebens ist ein Muss für alle angehenden Filmemacher und Kameraleute.

12. Die Ermordung von Jesse James durch den Feigling Robert Ford (2007)

Roger Deakins ist wieder am Start! Obwohl Deakins bei No Country For Old Men fantastische Arbeit geleistet hat, sticht The Assassination of Jesse James als sein Meisterstück hervor.

Der Film ist so gedreht, dass er wie ein altes Foto aussieht, rau an den Rändern, aber dennoch lebendig in Ton und Textur.

Die Kamera bewegt sich langsam, um dem Tempo der Erzählung zu entsprechen, und er verwendet Flammen und Negativräume, um dem klassischen Western eine traumhafte Atmosphäre zu verleihen.

13. Schwarzer Schwan (2011)

Black Swan nutzt die Filmtechnik der Dualität, um eine Illusion zwischen dem, was real ist, und dem, was in den Köpfen einer Person vorgetäuscht wird, zu erzeugen.

Die offensichtlichste Technik, die Matthew Libatique verwendete, waren Reflexionen und Spiegel.

So kann der Zuschauer deutlich sehen, dass Ninas Verstand ins Wanken gerät; sie wird ständig verfolgt. Diese Spiegelungen folgen der Erzählung, denn bald passt Ninas Spiegelbild nicht mehr zu ihr und sie verliert den Kontakt zur Welt.

Die Kamera folgt Nina auch auf subtile Weise durch Kopfschüsse, um ihren sich verschlechternden Verstand physisch in den Mittelpunkt zu stellen.

Es ist wirklich beeindruckend, wie viele Spiegel in diesem Film vorkommen, ohne dass man sie sieht. Natürlich wurde manchmal CGI verwendet, aber oft waren es einfach gute Blickwinkel.

14. Mudbound (2017)

Dies ist ein fantastischer Film über die Konflikte und emotionalen Lager einer schwarzen und einer weißen Familie im Mississippi der 1940er Jahre.

Die Filmemacherin Rachel Morrisson hat den Nagel auf den Kopf getroffen, mit Bildern, die die physischen und emotionalen Mühen und die Arbeit, die die Familien durchmachen, unterstreichen.

15. The Grand Budapest Hotel (2014)

Wir alle wissen, dass Wes Anderson für seine perfekten Bilder und ästhetischen Visuals berühmt ist.

Ich würde persönlich jeden seiner Filme auf dieser Liste empfehlen, wenn ich könnte. Aber die Arbeit von Kameramann Robert D. Yeoman in The Grand Budapest hebt sich als einer von Andersons besten Filmen ab.

Die Farbpaletten, die Symmetrie, die Drehorte und die Garderobe sind immer perfekt. In diesem Film werden besonders viele rosa und blaue Farbtöne verwendet, die mit tiefen Rottönen kontrastiert werden.

Niemand kann Kinematographie so gut wie Anderson.

16. Interstellar (2014)

Hoyte Van Hoytemas visuelle Arbeit in Interstellar ist nichts weniger als ein Meisterwerk.

Die kalten und tristen Farbtöne, die verwendet werden, während der Film auf der Erde spielt, sind wunderschön und fesselnd. Wenn wir uns jedoch in den Weltraum begeben, sind die Aufnahmen und Panoramen atemberaubend.

Wenn es eine Szene in diesem Film gibt, die man gesehen haben muss, dann ist es die, in der wir dem Raumschiff auf seiner Reise folgen.

Von Einzelaufnahmen des Raumschiffs vor einer tiefschwarzen Leinwand bis hin zum Panorama des Raumschiffs, das durch den Weltraum rast (was an Inception erinnert) - das ist der Weltraum, wie Sie ihn noch nie gesehen haben.

Die grauen, schwarzen und monochromen Motive in diesem Film geben einem wirklich das Gefühl, klein zu sein in diesem riesigen Universum.

Was kommt als Nächstes? Machen Sie Ihre eigenen Kinematografie-Filme

Nachdem Sie nun (hoffentlich) die Kinematografie der Meister gesehen und studiert haben, warum versuchen Sie es nicht selbst?

Vorher müssen Sie allerdings noch etwas lesen! Auf unserer Seite zur Kinematografie und zum Filmemachen findest du die Grundlagen dazu.

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