Kinematografi [2023]: Hva, hvordan og hvorfor

Å definere filmkunsten

Hva er kinematografi? Vel, i likhet med alt annet i den kreative industrien er kinematografi en kunstform. I ordbokstermer er kinematografi "kunsten å lage levende bilder".

Filmfotografering omfatter flere filmatiske elementer, som scenekomposisjon, innramming, valg av kamera, objektiv og annet kamerautstyr, kamerabevegelser, lyssetting, dybdeskarphet, zoom, kamerafokus, farger, eksponering og eventuelt bruk av spesialeffekter.

Hvis det hørtes ut som litt av en munnfull, så har du rett! Det er mye som ligger i kinematografi. Dine valg av kinematografi vil påvirke hvordan publikum reagerer på det de ser.

Binder Versteegh

Grunnleggende filmteknikk med DOP Ties Versteegh

Interessert i kinematografi? Møt instruktøren Ties Versteegh, som vil gå gjennom hjørnene av kinematografi i denne Masterclass-økten.

Trailer

NFmmsLm33bI

Intro

0

X7zTyeITZGs

Shots & Angles

52

Åpningsbilder

294

Avsluttende bilder

371

Belysning

492

Kamerafokus

718

Kameraplassering

753

Kamerabevegelse

797

Filtre

845

Følelser i film

885

Å skape historier

943

Utstyr

1070

Avslutning

1337

Møt instruktøren din

Wekzb_f2jIM

Hva du vil lære

Hvorfor du aldri bør zoome når kameraet er i bevegelse.

Hvorfor du aldri bør gjøre en fokusdragning i bildene dine.

Hvorfor du aldri bør vise noe som er asymmetrisk.

Hvordan du får til den nederlandske vinkelen eller det amerikanske bildet.

Hvordan du får til åpnings- og avslutningsbilder.

Hvordan du bruker forskjellige lysteknikker for bildene dine.

Hvorfor du alltid bør fortelle historien din i én ramme.

Hvorfor du bør skru ned blenderåpningen når du filmer film.

Men det er mildt sagt misvisende bare å definere filmkunst som en kunstform. Å lage film er ikke bare en spesiell form for kunst. Det er riktignok en del av den, men det er så mye mer enn det.

Akkurat som med språk, tar det mange år å kultivere det. Hvis du noen gang har prøvd å lære deg fransk, vet du at det er vanskelig. En dyktig filmfotograf må kunne kommunisere de ulike teknikkene som brukes for å ta bilder.

Teknisk sett er kinematografi kunsten og vitenskapen å registrere lys enten elektronisk på en bildesensor eller kjemisk på film. Det handler om å ta en serie bilder og forme dem til en sammenhengende fortelling. Filmfotografen komponerer hver enkelt tagning og vurderer hvor alt i bildet krever oppmerksomhet.

Forskjellen mellom fotografi og kinematografi

Begge aktivitetene slutter med "graphy", og jeg vil si at det er der de ligner mest på hverandre.

Fotografering kan være et komplett verk i seg selv, mens filmfotografering handler om å håndtere forholdet mellom bilder og en gruppe bilder.

Fotografering gir også mulighet for mye mer selvstendighet i arbeidet. Filmfotografering er langt mer samarbeidsbasert og er avhengig av en rekke mennesker. Filmfotografen gjør det ikke alene, men jobber sammen med manusansvarlige, regissører, lysfolk, skuespillere og mange andre.

Sagt på en annen måte; fotografering er covid-19-vennlig, filmfotografering ... ikke så mye.

Hvorfor er kinematografi viktig?

Bortsett fra å lage filmen?

Det er den viktige delen! Ingen hemmelige skatter eller skjulte ledetråder.

Filmfotografering handler om å skape og understøtte filmens overordnede utseende og stemning. Det er filmfotografens oppgave å gjøre alle regissørens visjoner til virkelighet. En filmfotograf er som en god fe i filmskaping.

Hva gjør en filmfotograf?

Å velge kamera, kjenne til de ulike objektivtypene og justere lysoppsettet - alt dette er en del av jobben til en filmfotograf. Å være filmfotograf er en mangefasettert jobb som krever like deler kunstner, tekniker og manager - litt som et all-inclusive luksusresort.

Jeg vet at alt dette høres litt hektisk ut og mye å ta på seg for én person - ikke misforstå meg, det er det! Men det finnes et lyspunkt i dette. Jo mer du jobber, og jo mer du øver, desto mer sannsynlig er det at håndverket ditt vil utvikle seg. Med tiden vil du bli lett-breezy gjennom et helt skudd. Har du noen gang hørt uttrykket "øvelse gjør mester"?

Nå som vi har gått gjennom hva en filmfotograf er. La oss ta en titt på elementene i kinematografi er.

Arbeidsoppgaver og ansvarsområder i filmfotografering

Etablere det visuelle uttrykket

Filmfotografering innebærer å velge filmens visuelle uttrykk. Tenk deg at The Blair Witch Project ikke var filmet med et dokumentarisk utseende - ville den blitt en ikonisk sensasjon? Eller tenk deg at La La Land ikke hadde blitt filmet med anamorfisk linse for å gi den romantiske følelsen.

Hvis du vil vite mer om anamorfisk objektiv og hva det kan tilføre filmen din, kan du lese mye mer om hva det er og hvorfor du bør bruke det. Eller hvis du allerede har fått med deg alt det grunnleggende, kan du finne det beste anamorfe objektivet til ditt neste prosjekt - La La Land Vol. 2, kanskje?

Hvordan du tilnærmer deg en film, vil til syvende og sist avgjøre hva slags film publikum får se. Både La La Land og The Blair Witch Project ville ha vært helt andre filmer hvis andre filmteknikker hadde vært i bruk.

Bestem kameraoppsettet

Filmfotografering innebærer også å etablere et kameraoppsett for hver. Enkelt. Shot. En filmfotograf har mange oppgaver og mye ansvar. Å bestemme kameratyper, objektiver, kameravinkler og generelt nødvendige kamerateknikker er en del av dette. Du må vurdere ned til minste detalj hvilke kamerateknikker du skal bruke for å gi liv til scenen.

Husk at en scene kan være best med et prime-objektiv, mens en annen bør bruke et zoomobjektiv. Eller kanskje bør åpningsbildet være i øyehøyde, mens det neste bør være et ekstremt nærbilde. Listen kan fortsette, men du skjønner poenget.

Og hva mer? Du jobber ikke alene. Du jobber sammen med manusansvarlige, regissører og, om nødvendig, location managers. For å finne den ønskede stemningen i hver enkelt scene må du ta hensyn til alle disse ønskene og visjonene, slik at du får den rette visuelle appellen.

Bestem deg for et lysoppsett

Bestem riktig lysoppsett for hver scene. Når du lager film, må du forstå hvor viktig og filmforandrende effekt et riktig lysoppsett kan ha. Du trenger filmbelysningsteknikker for å skape den visuelle stemningen regissøren prøver å oppnå.

En filmfotograf må vite hvordan han eller hun kan forsterke egenskaper som dybde, kontrast og kontur i et bilde - alt du trenger å gjøre for å understøtte historiens atmosfære, gjør du.

Gudfaren-filmene har utvilsomt satt sitt preg på filmverdenen - og en del av dette preget? Lyssettingen. Gordon Willis, som instruerte filmene, endret måten å lyssette stjerner på. For første gang hadde man et lys over karakteren som skapte skygger slik at man ikke kunne se skuespillerens øyne. På en måte var dette en enkel teknikk, men likevel en genistrek. Denne unike lyssettingen skapte stemning og bidro til å bygge Gudfaren-karakteren.

Hva er din genistrek?

Bli kjent med stedet.

Filmfotografering handler om mer enn å finne de riktige opptakene og vinklene. De dyktigste filmfotografene forstår at lokasjonen spiller en viktig rolle. En filmfotograf må utforske stedet for hver scene - hva er stedets potensial?

Sett at vinteren er på vei, og du filmer stedet på en måte som ser mer ut som om et par Margheritaer er på vei, vel. I så fall kan det lett ødelegge måten publikum tolker stemningen på. Vet hvilke teknikker du bør bruke, tekstur, kontrast, farge og så videre.

Bruk øvelsene til din fordel

Som vanlige dødelige kan det være vanskelig å forutse alt. Så bruk skuespillerprøvene til din fordel. Det er mulig at du allerede har i tankene hvordan du ønsker å fange en bestemt scene, og selv om det er fint i teorien, må det også fungere i praksis. Du kan ha gjort alt i henhold til manuset, men hvis skuespillerne ikke blir fanget på en god måte, blir det ikke et bra opptak.

Overvær prøvene for å se hvordan skuespillerne beveger seg i en bestemt scene. Legg merke til om de har noen spesielle gester eller ansiktsuttrykk som du vil fange opp, og juster oppsettet deretter.

Være rådgiver for direktøren.

Filmfotografering betyr å fange opp regissørens visjon og gjøre den til virkelighet. Regissøren er imidlertid like mye et menneske som alle andre. Det kan finnes gode ideer der ute som regissøren ikke har tenkt på. En god filmfotograf må fylle det potensielle gapet med nye ideer og konsepter som kan bidra til å ta filmen til neste nivå.

Teknikker for kinematografi

Nå som du har fått en bedre forståelse av hva filmfotografering er, og hvilke ansvarsområder og oppgaver en filmfotograf har, kan vi gå nærmere inn på filmspesifikt fagspråk.

Belysning

Du leste om det ovenfor, og jeg nevner det igjen. Lyssetting er filmforandrende!

Lysoppsettet spiller en avgjørende rolle for hva publikum ser og opplever. Det vil sette stemningen. Ta komedier, for eksempel. I slike filmer vil man vanligvis bruke høy nøkkelbelysning for å fjerne eventuelle mørke områder eller skygger, med mindre det er snakk om en forskrudd form for humor, men det er en annen historie. Motsatt vil sjangre som thrillere eller noir-filmer typisk bruke lavmælt belysning for å understreke stemningen og mystikken. Tenk deg Sin City med "komiske" høydepunkter - jeg vet, akkurat det er poenget mitt.

I store produksjoner vil du ha et lyscrew. Som filmfotograf må du vite hva som er den beste typen lyssetting.

Før vi går nærmere inn på hva slags lysoppsett du bør bruke, la oss gå tilbake til det grunnleggende.

Lys måles i Kelvin (K), som er et mål på temperaturskalaen. Jo lavere K, desto rødere tone har lyset. En høyere K vil derimot bety mer gult, hvitt og blått lys. For å sette det i perspektiv: En klarblå himmel kan ha 10 000 K... Husk solkremen, barn.

Nå til belysningsoppsettet

Det vanligste belysningsoppsettet er trepunktsbelysningen. Navnet er ganske avslørende her. Det er et belysningsoppsett der du bruker tre lyskilder.

Det første punktet er nøkkellyset, også kalt primærlyskilden, som gir viktig belysning til objektet, personen eller tidsepoken du ønsker å vise. Lyset skinner direkte på et motiv enten forfra høyre eller forfra venstre. Formålet med nøkkellyset er å skape en overordnet stemningsfull atmosfære.

Det andre lyset er fylllyset, som vil fylle motivet med et mykere lys. Hvis du bare bruker ett lite fylllys, vil du få mange skygger og et mørkt og mystisk uttrykk. Hvis hovedlyset er plassert foran til venstre, bør fylllyset plasseres foran til høyre.

Det tredje og siste lyset er motlyset, også kalt kantlys. Dette lyset gir motivet et tredimensjonalt utseende. Som navnet antyder, plasseres det på baksiden av motivet. Motlyset bidrar til å skille motivet fra bakgrunnen.

Du kan legge til flere lys i scenen etter eget ønske og avhengig av hva du ønsker å formidle.

Denne trepunktsbelysningen er bare begynnelsen. Tenk utenfor boksen! Bruk lyset i forskjellige vinkler, slå det av, legg til ti til - hva du enn vil - bryt reglene.

Typer lys

På samme måte som det finnes uendelig mange lysoppsett, finnes det uendelig mange lystyper - for en glede!

For filmproduksjoner er det noen typer lys som er mer vanlige og nyttige enn andre. Så prøv å bli kjent med lys som Tungsten, HMI, Fluorescerende og LED. Og selvfølgelig den lyskilden som moder jord har gitt oss - solen (eksklusiv nyhet: den er gratis å bruke).

Skuddstørrelse og skuddsammensetning

Tenk over hvor mye av bildet publikum skal kunne se. Skal publikum se hele Grand Canyon ved å bruke et ekstremt vidvinkelbilde, eller skal de få en intens stirrekonkurranse med Mr. Gyllenhaal ved å bruke et ekstremt nærbilde?

En av de mest kritiske beslutningene i filmfotografering er bildekomposisjonen. Med komposisjon menes hvordan hvert bilde er innrammet og alle elementene i bildet. Det er et avgjørende aspekt ved filmfotografering, ettersom det kan være med på å avgjøre hva publikum ser, vet og føler.

Her er en oversikt over de forskjellige typene skuddstørrelser og komposisjoner.

Ekstrem vidvinkel. Dette er vanligvis i begynnelsen av en scene. Det hjelper publikum med å identifisere hvor scenen finner sted. Dette bildet bør være et bilde av et sted du vet at publikum vil kjenne igjen umiddelbart. Vis Golden Gate Bridge - ikke den lokale Dehli.

Vidvinkel. Vidvinkelbildet viser karakteren fra topp til tå. Disse bildene viser publikum sammenhengen og rommet i en scene.

Medium- eller midtbilde. Denne bildestørrelsen viser personen fra livet og opp. Denne typen bilder brukes vanligvis til å filme en samtale.

Mellomlangt bilde. Denne typen bilder rammer inn motivet fra kneet og oppover. Ofte betyr dette at publikum fokuserer mer på omgivelsene enn på selve karakteren.

Medium nærbilde. Det viser karakteren fra midten av brystet og oppover. Hensikten er å fremheve karakterens ansiktsuttrykk og kroppsspråk.

Nærbilde. Dette er vanligvis i en følelsesladet scene, der vi ønsker å se alt motivet tenker og føler. Bruk denne bildestørrelsen i dramatiske scener der publikum skal føle følelser for den aktuelle scenen.

To-skudd og tre-skudd. Som navnet antyder, er dette for når to eller tre personer er med i bildet. Forestill deg en samtale mellom to personer; publikum ser både den som snakker og den som "reagerer", noe som gjør det lettere å få med seg betydningen av samtalen. Hvis publikum bare fokuserer på én person av gangen, er det den som snakker som vises. Når denne personen slutter å snakke, kan den andre personens reaksjon vises i et separat bilde.

Skudd over skulderen. Navnet er en spoiler, men dette er den typen opptak du tar over karakterenes skulder. Publikum ser skulderen og den ene siden av den andre personens ansikt og nakke. Målet er å gi publikum et subjektivt synspunkt eller få publikum til å føle at de er en del av handlingen.

Skudd fra synsvinkel. Denne typen opptak ligner veldig på over-skulderen-innstillingen. Publikum får den samme observasjonen som karakteren - uten at skulderen og siden av hodet er synlig. Dette er mer som et førstepersonsbilde, der publikum ser det karakteren ser, og er mer tilbøyelig til å sette seg inn i karakterens situasjon.

Høyvinkelinnstilling. Kameraet ser ned på motivet fra en høyde over personens øyehøyde. Når en regissør ønsker å bruke et høyvinkelbilde, er det vanligvis fordi han/hun vil vise karakteren som svak, sårbar eller underlegen. Det kan også skape en overvåkningslignende følelse eller være nyttig for å gi mer informasjon fra et narrativt perspektiv.

Lav vinkel. I direkte kontrast til høyvinkelen er lavvinkelen en kameravinkel der motivet ses under øyehøyde. De brukes ofte til å signalisere status, overlegenhet eller dominans - og skaper ondskapsfulle skurker eller helter som er større enn livet.

Bilde iøyehøyde. Kameraet er plassert slik at motivet kan se rett inn i objektivet uten å bevege øynene opp eller ned. Det er for å simulere et nøytralt syn. Det er bra å bruke for å fange ansiktsuttrykk og følelser. Hvis du ønsker å trekke publikum inn og få dem til å knytte seg til motivet, er et bilde i øyehøyde et godt valg.

Dollyopptak. En dolly-innspilling er som en tracking-innspilling der motivet følges på en dollyvogn. De brukes til å ta jevne og kontrollerte bilder, nesten som om kameraet svever. Det kan være flott for å rette seerens oppmerksomhet og er fantastisk for å avsløre et sted.

Jeg kunne ærlig talt fortsatt, men det er nok en tid og et sted for det. Poenget er at det finnes så mange alternativer når det gjelder bildestørrelser og vinkler som alle kan bidra til å underbygge historien.

Apropos kameravinkler - lær deg alle de viktigste kameravinklene (psst, og bildestørrelser, komposisjon og mye mer også). Jeg fant visst tid og sted for det ;-)

Kamerafokus

En del av filmfotografering er å bruke kamerafokus for å understreke ulike aspekter av historien. La oss ta et eksempel.

La oss si at du filmer en scene med en eldre kvinne. Hun forteller en historie fra sin ungdom, og mens hun forteller, dukker det opp et flashback. Disse tilbakeblikkene er imidlertid ikke i samme stil; de er uskarpe, mer fremhevet og ser mer romantiske ut. Dette får historien til vår eldre karakter til å virke som et gufs fra fortiden.

Et annet eksempel? Se for deg Mr. Chow på vei hjem fra en vanvittig natt i Las Vegas. For å illustrere at han ikke er edru - Vegas... Bildet går inn og ut av fokus. Nok til at publikum nesten føler seg svimmel.

Det er naturlig å være litt skeptisk til å la bildet gå inn og ut av fokus - når har det noen gang gjort noe godt, ikke sant? Saken er at det er denne leken med fokus som en filmfotograf kan bruke til å fremheve de viktigste elementene i en historie.

Plassering av kamera

En stor del av filmfotografering handler om hvordan kameraet er plassert. Er det nær motivet eller langt unna? Dette påvirker hvordan publikum reagerer på opptaket, og dermed resten av scenen.

Ulike kameraplasseringer kan ha stor innvirkning på hvordan publikum oppfatter en karakters atferd og bidrar til å sette hele stemningen i en scene. Hvor filmfotografen velger å plassere kameraet, vil påvirke den emosjonelle tyngden i scenen.

La oss si at du plasserer kameraet nær to personer som spiser lunsj; da kan du gi publikum en følelse av at "jeg vil ha det samme som henne". Du kan også plassere det langt unna paret, noe som skaper en følelse av overvåkning, at noen følger med på dem.

Kamerabevegelser

Å flytte eller ikke flytte...

Velg om du vil flytte kameraet i takt med at karakterene beveger seg og skape en følelse av perspektiv, eller om du vil holde det statisk. Når karakterene beveger seg, vil publikum få en følelse av atskillelse.

Denne filmteknikken kan også endre hvordan publikum oppfatter en film.

Har du sett Fast & Furious? De har laget rundt 40, så det er ganske imponerende hvis du ikke har det. Poenget er at mens biljakten pågår, beveger kameraet seg i takt med jakten. På den måten intensiveres scenen ettersom publikum nå befinner seg midt i konflikten. Tenk deg et statisk kamera; det ville ikke vært mye spenning, for de ville vært borte på et blunk - definitivt ikke verdt 40 filmer.

I en annen situasjon, for eksempel i et kontordrama, kan et statisk kamera imidlertid bidra til å øke spenningen. Publikum har ingen steder å flykte fra, og blir tvunget til å vente mens dramaet pågår.

Kamerautstyr

Dette er ganske enkelt - for å leke med kamerabevegelser, bildestørrelse, komposisjon og fokus trenger du... et kamera.

Filmfotografering betyr å velge riktig kamera til filmproduksjonen. Og med så mange kameraalternativer der ute, er det ærlig talt lett å gå seg vill.

Du har kanskje et stort budsjett, men det betyr ikke at du bør kjøpe det dyreste kameraet. Eller kanskje du trenger et filmatisk utseende, men et actionkamera som GoPro vil være best egnet. Selv om du kan se på kameraets tekniske egenskaper, bør du ikke bare se på dette.

I stedet bør du fokusere på hvilket kamera som passer best til formålet ditt.

For å hjelpe deg med å finne det beste kameraet til din neste film, kan du lese mer om de beste profesjonelle kinokameraene for filmskaping.

Ekstra utstyr

En stor del av filmfotografering handler om å finne utstyr som kan støtte den visuelle historien. Alt fra kameraer og objektiver til dollies og gimbals er det filmfotografen som har ansvaret for å bestemme. En filmfotograf må vurdere hvilket utstyr som vil bidra til å realisere regissørens visjon.

Noen vil hevde at et objektiv er like viktig, om ikke viktigere, enn selve kameraet, og jeg er kanskje tilbøyelig til å si meg enig. Men det er en annen historie og ikke poenget. Poenget er at kameraobjektiver er en avgjørende faktor. Overordnet sett er det to forskjellige objektiver du kan velge mellom.

Prime-objektivet er sannsynligvis det objektivet som brukes oftest i filmfotografering. Et prime-objektiv er et objektiv med en fast brennvidde, vanligvis mellom 20-120 mm, noe som betyr at du bare kan endre synsvinkelen ved å flytte kameraet fysisk. Grunnen til at så mange bruker det til filmformål, er den overlegne optiske kvaliteten.

Den andre typen objektiv du finner, er zoomobjektivet. I motsetning til prime-objektiver har zoomobjektiver justerbar brennvidde, noe som gjør det mulig å manipulere synsvinkelen i større grad. Selv om zoom gir stor fleksibilitet (noe vi liker), går det på bekostning av bildekvalitet, vekt og blenderåpning. Men hvis du skal lage en film der du trenger å fotografere et bredt spekter av motiver, for eksempel landskap og portretter, er zoomobjektivet perfekt.

Når du har det på plass, kan du prøve å planlegge hvilke andre typer utstyr du trenger. Hvis du vet hva scenen krever, kan du bestemme hva slags utstyr som vil bidra til å understøtte scenens visuelle uttrykk.

Vurder om du bør skaffe deg et stativ. Dette er bra hvis du ønsker å ta et stødig bilde, eller bare en enkel panorering, vipping eller zoom. Hvis du bruker et zoomobjektiv, kan du låse stativet på plass og la objektivet gjøre alt zoomarbeidet. Hvis du derimot planlegger å bruke et prime-objektiv, kan du sette stativet på en dolly som gjør det for deg.

En dolly, spør du?

En dolly er en flat plattform med hjul (vanligvis). Så lar du dollyen fange opp de myke bevegelsene. En dolly brukes ofte til å ta tracking-bilder.

Kranen ligner på dollyen, og jeg sa ligner, ikke det samme. Plasser kameraet på en kran eller en jib for å filme karakterer høyt oppe eller langt unna. Noen dollyer styres digitalt, mens andre styres manuelt av kameramannen. Hvis du ikke har ubegrensede midler til utstyr, er kraner også en utmerket erstatning for droner.

Det finnes mange typer kamerautstyr som kan være relevant for din film. Så sørg for å planlegge, samarbeid med regissøren og finn ut hva du trenger for å gjøre filmen din til den neste "Og Oscaren går til...".

Å komme i gang som filmfotograf

Det tar tid å gå gjennom hele dette innlegget, for det er mye å ta tak i. Og ikke alt er like enkelt i virkeligheten som det er på papiret. Den eneste måten å bli et geni innen filmfotografering er å begynne å skyte.

Ja, det er mitt råd.

Det finnes ting du ikke kan lære av studier, lesestoff og YouTube-videoer.

Hva trenger du å vite for å komme i gang som filmfotograf? Vel, la oss finne ut av det. Lezgo.

Om instruktøren