Cinematografía [2023]: Qué, cómo y por qué

Definir el arte cinematográfico

¿Qué es la cinematografía? Como todo en la industria creativa, la cinematografía es una forma de arte. En términos de diccionario, la cinematografía es "el arte de hacer películas".

La cinematografía implica múltiples elementos cinematográficos, como la composición de la escena, el encuadre, la elección de la cámara, la elección del objetivo junto con otros equipos de cámara, el movimiento de la cámara, la configuración de la iluminación, la profundidad de campo, el zoom, el enfoque de la cámara, el color, la exposición y, potencialmente, la inclusión de efectos especiales.

Si le ha parecido un trabalenguas, ha acertado. La cinematografía tiene mucho que ver. Tus elecciones cinematográficas influirán en la forma en que el público responda a lo que está viendo.

Corbatas Versteegh

Técnicas cinematográficas 101 con el director de fotografía Ties Versteegh

¿Te interesa la cinematografía? Conoce a tu instructor Ties Versteegh, que recorrerá los rincones de la cinematografía en esta sesión de Masterclass.

Trailer

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Introducción

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Tomas y ángulos

52

Primeros planos

294

Planos finales

371

Iluminación

492

Enfoque de cámara

718

Colocación de la cámara

753

Movimiento de cámara

797

Filtros

845

Emociones en el cine

885

Creación de historias

943

Equipo

1070

Finalizar

1337

Conoce a tu instructor

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Lo que aprenderás

Por qué nunca debes hacer zoom cuando la cámara está en movimiento.

Por qué nunca debes hacer un focus pull en tus tomas.

Por qué nunca debes mostrar algo asimétrico.

Cómo conseguir el ángulo holandés o el plano americano.

Cómo hacer bien los planos inicial y final.

Cómo utilizar diferentes técnicas de iluminación en las tomas.

Por qué siempre debes contar tu historia en un solo fotograma.

Por qué hay que bajar el diafragma en las tomas cinematográficas.

Sin embargo, definir simplemente la cinematografía como una forma de arte es ligeramente engañoso. Hacer películas no es sólo un tipo especial de arte. Es cierto que forma parte de él, pero es mucho más.

Al igual que los idiomas, lleva años cultivarlo. Si alguna vez has intentado aprender francés, sabes que la lucha es real. Un director de fotografía experto debe ser capaz de comunicar las distintas técnicas utilizadas para captar las tomas.

Desde el punto de vista técnico, la cinematografía es el arte y la ciencia de grabar la luz, ya sea electrónicamente en un sensor de imagen o químicamente en una película. Es tomar una serie de planos y formarlos en una narración cohesiva. La cinematografía compone cada plano y tiene en cuenta dónde reclama atención todo lo que hay en el encuadre.

Diferencia entre fotografía y cinematografía

Ambas actividades terminan con "graphy", y yo diría que ése es el lugar en el que más se parecen.

La fotografía puede ser una obra completa en sí misma; la cinematografía implica ocuparse de las relaciones entre planos y de un grupo de planos.

La fotografía también permite trabajar con mucha más independencia. La cinematografía es mucho más colaborativa y depende en gran medida de un grupo de personas. El director de fotografía no lo hará solo, sino que trabajará en colaboración con supervisores de guión, directores, equipo de iluminación, actores y muchas otras personas.

Dicho de otro modo: la fotografía es compatible con COVID-19, la cinematografía... no tanto.

¿Por qué es importante la cinematografía?

¿Aparte de hacer la película?

Esa es la parte importante. No hay tesoros secretos ni pistas ocultas.

La cinematografía consiste en establecer y apoyar el aspecto general y el ambiente de la película. La tarea del director de fotografía es hacer realidad todas las visiones del director. El director de fotografía es como el hada madrina del cine.

¿Qué hace un director de fotografía?

Elegir una cámara, conocer los distintos tipos de objetivos y ajustar la iluminación: todo ello forma parte del trabajo de un director de fotografía. Ser director de fotografía es un trabajo polifacético que requiere a partes iguales ser artista, técnico y gestor, algo así como un complejo turístico de lujo con todo incluido.

Sé que todo esto suena un poco ajetreado y demasiado para una sola persona; no me malinterpretes, ¡lo es! Pero hay un lado positivo. Cuanto más trabajes y más practiques, más probable será que tu arte evolucione. Con el tiempo, te resultará fácil hacer una toma entera. ¿Has oído alguna vez la frase "la práctica hace al maestro"?

Ahora que hemos repasado qué es un director de fotografía. Echemos un vistazo a los elementos de la cinematografía es.

Funciones y responsabilidades en cinematografía

Establecer el aspecto visual

La cinematografía implica elegir el aspecto visual de la película. Imaginemos que El proyecto de la bruja de Blair no se hubiera rodado con aspecto de documental: ¿se habría convertido en una sensación icónica? O imagina que La La Land no se hubiera rodado con la lente anamórfica para ayudar a darle ese aire romántico.

Si quieres saber más sobre las lentes anamórficas y lo que pueden aportar a tu película, puedes leer mucho más sobre qué son y por qué deberías usarlas... O si ya tienes todo lo básico cubierto, puedes encontrar la mejor lente anamórfica para tu próximo proyecto: La La Land Vol. 2, ¿quizá?

La forma de enfocar una película determinará en última instancia el tipo de película que verá el público. Tanto La La Land como El proyecto de la bruja de Blair habrían sido películas completamente diferentes si se hubiera utilizado cualquier otra técnica cinematográfica.

Determinar la configuración de la cámara

Cinematografía también implica el establecimiento de una configuración de la cámara para cada. Una. Toma. Un director de fotografía tiene muchas obligaciones y responsabilidades. Decidir los tipos de cámaras, objetivos, ángulos de cámara y, en general, las técnicas de cámara necesarias forma parte de ello. Hay que considerar hasta el más mínimo detalle, qué técnicas cinematográficas utilizar para dar vida a la escena.

Recuerda que una escena puede ser mejor con un objetivo de focal fija y otra con un zoom. O puede que el primer plano sea a la altura de los ojos, pero que el siguiente sea un primer plano extremo. La lista podría continuar, pero ya lo entiendes.

¿Y qué más? No trabaja solo. Trabaja con supervisores de guión, directores y, si es necesario, jefes de localización. Para encontrar el diseño de cada escena y el ambiente deseado, tienes que tener en cuenta todos estos deseos y visiones para ayudar a mantener el atractivo visual adecuado.

Decidir la configuración de la iluminación

Determina la configuración de iluminación correcta para cada escena. En la realización de películas, debes comprender la importancia y el efecto que puede tener una configuración de iluminación adecuada. Necesitas técnicas de iluminación cinematográfica para crear el ambiente visual que el director quiere conseguir.

Un director de fotografía debe saber cómo realzar características como la profundidad, el contraste y el contorno de una imagen: todo lo que haya que hacer para apoyar la atmósfera de la historia, se hace.

No cabe duda de que las películas de El Padrino han dejado huella en el mundo del cine, ¿parte de esa huella? La iluminación. Gordon Willis, que dirigió las películas, cambió la forma de iluminar a las estrellas. Por primera vez, había una luz encima del personaje que hacía sombras para que no se vieran los ojos del actor. En cierto modo, una técnica tan simple y, sin embargo, un golpe de genio. Esta iluminación única creó el ambiente y ayudó a construir el personaje del Padrino.

¿Cuál es tu genialidad?

Conozca el lugar.

La cinematografía implica algo más que encontrar planos y ángulos adecuados. Los directores de fotografía con talento saben que el lugar desempeña un papel importante. Un director de fotografía tiene que explorar el lugar de cada escena: ¿cuál es el potencial de ese lugar?

Supongamos que se acerca el invierno, y usted está filmando la ubicación de una manera que parece más como un par de Margheritas se acerca, bueno. En ese caso, eso puede arruinar fácilmente la forma en que el público interpreta el ambiente. Sepa qué técnicas debe utilizar, textura, contraste, color, etc.

Utiliza los ensayos en tu beneficio

Como simples mortales, puede ser difícil anticiparse a cada cosa. Así que utiliza los ensayos con actores en tu beneficio. Es posible que ya tengas en mente cómo quieres plasmar una escena concreta, y aunque eso está bien en teoría, también es necesario que funcione en la práctica. Puede que lo hayas hecho todo según el guión, pero si los actores no salen bien en ella, no será una gran toma.

Asiste a los ensayos para ver cómo se mueven los actores en una escena concreta. Observa si tienen gestos o expresiones faciales específicas que quieras captar y ajusta tu montaje en consecuencia.

Ser asesor del director.

Cinematografía significa captar la visión del director y hacerla realidad. Sin embargo, el director es tan humano como los demás. Puede haber grandes ideas en las que el director no haya pensado. Un buen director de fotografía debe llenar ese vacío potencial con nuevas ideas y conceptos que ayuden a llevar la película al siguiente nivel.

Técnicas cinematográficas

Ahora que ya entiendes mejor qué es la cinematografía y cuáles son las responsabilidades y obligaciones de un director de fotografía, podemos adentrarnos más en la jerga específica de la cinematografía.

Iluminación

Ya lo has leído más arriba, y vuelvo a mencionarlo. La iluminación altera las películas.

El montaje de la iluminación desempeña un papel fundamental en lo que el público ve y experimenta. Establecerá el ambiente. Por ejemplo, las comedias. Estas suelen utilizar una iluminación de tonos altos para eliminar cualquier zona de oscuridad o sombra, a menos que se trate de un humor retorcido, pero eso es otra historia. Por el contrario, géneros como el thriller o el cine negro prefieren una iluminación de baja intensidad para acentuar el humor y el misterio. Imagina Sin City con toques "cómicos"... Lo sé, es exactamente lo que quiero decir.

En las grandes producciones, tendrás un equipo de iluminación. Como jefe de fotografía, tienes que saber cuál es el mejor tipo de iluminación.

Antes de profundizar en el tipo de configuración de iluminación que debes utilizar, volvamos a lo básico.

La luz se mide en Kelvin (K), que mide la escala de temperatura. Cuanto menor sea el K, más rojiza será la tonalidad de la luz. Por el contrario, un K más alto significará una luz más amarilla, blanca y azul. Para ponerlo en perspectiva: Un cielo azul despejado puede tener 10.000K... Recordad la protección solar, niños.

Ahora la configuración de iluminación

La configuración de iluminación más común es la de tres puntos. El nombre lo dice todo. Es una configuración de iluminación en la que se utilizan tres fuentes de luz.

El primer punto es la luz clave, también la fuente de luz principal, que proporciona la iluminación esencial al objeto, persona o época que quieras mostrar. La luz incide directamente sobre el sujeto desde la parte frontal derecha o izquierda. El propósito de la luz clave es establecer un ambiente atmosférico general.

La segunda luz es la luz de relleno, que llenará el sujeto con una luz más suave. Si sólo utilizas una pequeña luz de relleno, conseguirás muchas sombras y obtendrás un aspecto oscuro y misterioso. Si la luz clave se coloca delante a la izquierda, la luz de relleno debe colocarse delante a la derecha.

La tercera y última luz es la luz de fondo, también llamada luz de borde. Esta luz dará un aspecto tridimensional al sujeto. Como su nombre indica, se coloca en la parte posterior del sujeto. Tener una luz de fondo te ayudará a separar el sujeto del fondo.

Puedes añadir más luces a la escena a tu gusto y en función de lo que quieras transmitir.

Esta iluminación de tres puntos es sólo el principio. Piensa con originalidad. Utiliza la luz en distintos ángulos, apágala, añade diez más... lo que quieras: rompe las reglas.

Tipos de luces

Al igual que existe un sinfín de configuraciones de iluminación, existe un sinfín de tipos de iluminación: ¡qué alegría!

Para las producciones cinematográficas, hay algunos tipos de luces, más comunes y útiles que otras. Así que intenta familiarizarte con luces como las de tungsteno, HMI, fluorescentes y LED. Y, por supuesto, la fuente de iluminación que nos dio la madre tierra: el sol (noticia exclusiva: su uso es gratuito).

Tamaño y composición de la toma

Piensa qué parte del plano debe ver el público. Debería el público ver todo el Gran Cañón utilizando un plano general extremo, o debería tener un intenso concurso de miradas con el Sr. Gyllenhaal utilizando un primer plano extremo?

Una de las decisiones más críticas en cinematografía es la composición de la toma. La composición se refiere al encuadre de cada plano y a todos los elementos que lo componen. Es un aspecto crucial de la cinematografía, ya que puede ayudar a determinar lo que el público ve, sabe y siente.

He aquí un desglose de los diferentes tipos de tamaños y composiciones de las tomas.

Plano amplio extremo. Suelen estar al principio de una escena. Ayuda al público a identificar dónde se desarrolla la escena. Este plano debe ser una foto de un lugar que el público reconozca inmediatamente. Muestra el puente Golden Gate, no la Delhi local.

Plano general. El plano general muestra al personaje de pies a cabeza. Estas tomas muestran al público el contexto y el espacio de una escena.

Plano medio. Este tamaño de plano mostrará al individuo de cintura para arriba. Este tipo de plano suele utilizarse para filmar una conversación.

Plano medio largo. Este tipo de planos encuadran al sujeto desde la rodilla hacia arriba. A menudo, esto significa que el público se centra más en el entorno que en el propio personaje.

Primer plano medio. Muestra al personaje desde la mitad del pecho hacia arriba. El objetivo es resaltar las expresiones faciales y el lenguaje corporal del personaje.

Primer plano. Suele ser una escena emotiva, en la que queremos ver todo lo que piensa y siente el sujeto. Utilice este tamaño de plano para escenas dramáticas en las que el público deba sentir cierta emoción hacia esa escena en particular.

Dos disparos y tres disparos. Como su nombre indica, se utiliza cuando hay dos o tres personas en el plano. Imagina una conversación entre dos personas; el público ve tanto al que habla como al que "reacciona", lo que le ayuda a asimilar el significado de su conversación. Si el público sólo se centra en una persona a la vez, entonces se muestra a la persona que habla. Cuando esta persona deja de hablar, la reacción de la otra persona puede mostrarse en un plano aparte.

Toma por encima del hombro. El nombre es un spoiler, pero es el tipo de plano que se hace por encima del hombro de los personajes. El público ve el hombro y un lado de la cara y el cuello de la otra persona. El objetivo es dar al público un punto de vista subjetivo o hacerle sentir que forma parte de la acción.

Toma desde el punto de vista. Este tipo de plano es muy similar al plano por encima del hombro. El público observa lo mismo que el personaje, sin que se vean el hombro ni el lado de la cabeza. Se trata más bien de un punto de vista en primera persona, en el que el público ve lo mismo que el personaje y es más probable que se ponga en su lugar.

Plano gran angular. La cámara mira al sujeto desde arriba, por encima del nivel de sus ojos. Cuando un director quiere utilizar un plano gran angular, suele ser porque quiere mostrar al personaje como débil, vulnerable o inferior. También puede crear una sensación de vigilancia o ser útil para proporcionar más información desde una perspectiva narrativa.

Plano de ángulo bajo. En contraste directo con el ángulo alto, el ángulo bajo es un ángulo de cámara en el que el sujeto se ve por debajo del nivel de sus ojos. Suelen utilizarse para indicar estatus, superioridad o dominio, creando villanos despiadados o héroes más grandes que la vida.

Toma a la altura de los ojos. La cámara se coloca de modo que el sujeto pueda mirar directamente al objetivo sin mover los ojos hacia arriba o hacia abajo. Se trata de simular un punto de vista neutro. Es buena para captar expresiones faciales y emociones. Si tu objetivo es atraer al público y hacer que conecte con el sujeto, una toma a nivel de los ojos es una buena elección.

Dolly shot. Una dolly shot es como una toma de seguimiento en la que el sujeto es seguido en un carro dolly. Se utilizan para hacer tomas suaves y controladas, casi como si la cámara flotara. Puede ser genial para dirigir la atención del espectador y es fantástico para revelar una localización.

Sinceramente, podría seguir, pero probablemente haya un momento y un lugar para ello. La cuestión es que hay muchas opciones en cuanto a tamaños y ángulos de las tomas que pueden ayudar a sustentar la historia.

Hablando de ángulos de cámara: aprende todos los ángulos de cámara esenciales (psst, y tamaños de plano, composición y mucho más, también). Supongo que he encontrado el momento y el lugar para ello ;-)

Enfoque de la cámara

Parte de la cinematografía consiste en utilizar el enfoque de la cámara para enfatizar distintos aspectos de la historia. Pongamos un ejemplo.

Supongamos que estás filmando una escena de una anciana. Ella está contando una historia de su juventud y, mientras lo hace, aparece un flashback. Sin embargo, estos flashbacks no son del mismo estilo; son borrosos, están más resaltados y tienen un aspecto más romántico. Esto hace que la historia de nuestro personaje anciano parezca una ráfaga del pasado.

¿Otro ejemplo? Imagina al Sr. Chow volviendo de una noche loca en Las Vegas. Para ilustrar que no está sobrio - Vegas ... La toma entra y sale de foco. Lo suficiente como para hacer que el público casi se siente mareado.

Es normal dudar un poco a la hora de enfocar y desenfocar... ¿cuándo ha servido de algo, verdad? La cuestión es que es este juego con el enfoque lo que un director de fotografía puede utilizar para enfatizar los elementos esenciales de una historia.

Colocación de la cámara

Una gran parte de la cinematografía es la colocación de la cámara. ¿Está cerca del sujeto o lejos? Esto afecta a la reacción del público ante el plano y, por tanto, al resto de la escena.

Las distintas posiciones de la cámara pueden influir significativamente en cómo percibe el público el comportamiento de un personaje y ayudan a crear el ambiente de la escena. El lugar que elija el director de fotografía para colocar la cámara influirá en el peso emocional de la escena.

Supongamos que colocas la cámara cerca de dos personas que están almorzando; podrías dejar en el espectador la sensación de "tomaré lo mismo que ella". Podrías colocarla lejos de la pareja, lo que crea una sensación de vigilancia, de que alguien les está observando.

Movimiento de la cámara

Moverse o no moverse...

Mueve la cámara cuando se muevan los personajes y crea una sensación de perspectiva o mantenla estática. Cuando los personajes se muevan, el público tendrá una sensación de separación.

Esta técnica cinematográfica también puede cambiar la forma en que el público percibe una película.

¿Has visto alguna vez Fast & Furious? Han hecho como 40, así que bastante impresionante si no lo has hecho. La cuestión es que, a medida que avanza la persecución, la cámara se mueve con ella. De este modo, la escena se intensifica, ya que el público se encuentra en medio del conflicto. Imagina una cámara estática; no habría mucha emoción, ya que se irían en un abrir y cerrar de ojos; definitivamente, no vale la pena ver 40 películas.

Sin embargo, en otra situación, por ejemplo, en un drama de oficina, una cámara estática podría ayudar a aumentar la tensión. Sin ningún lugar por donde escapar, el espectador se ve obligado a deambular y esperar mientras se desarrolla el drama.

Equipo fotográfico

Para jugar con el movimiento de la cámara, el tamaño de la toma, la composición y el enfoque, necesitas... una cámara.

La cinematografía implica elegir la cámara adecuada para la producción de la película. Y con tantas opciones de cámaras que existen, es francamente fácil perderse.

Puede que tengas un gran presupuesto, pero eso no significa que debas comprar la cámara más cara. O puede que necesites un aspecto cinematográfico, pero una cámara de acción como la GoPro será la más adecuada. Aunque te fijes en las capacidades técnicas de una cámara, no debes fijarte sólo en eso.

En lugar de eso, céntrate en qué cámara se adaptará mejor a tu propósito.

Para ayudarle a encontrar la mejor cámara para su próxima película, lea más sobre las mejores cámaras de cine profesionales para la realización de películas.

Equipamiento adicional

Una gran parte de la cinematografía consiste en encontrar el equipo que pueda apoyar la historia visual. El director de fotografía es responsable de decidir todo, desde cámaras y objetivos hasta plataformas móviles y cardanes. El director de fotografía debe tener en cuenta qué equipo ayudará a materializar la visión del director.

Algunos dirán que el objetivo es igual o más importante que la propia cámara. Pero eso es otra historia y no viene al caso. La cuestión es que los objetivos de las cámaras son un factor decisivo. En general, se puede elegir entre dos objetivos diferentes.

El objetivo de focal fija es probablemente el más utilizado en cinematografía. Es un objetivo con una distancia focal fija, normalmente entre 20 y 120 mm, lo que significa que sólo se puede cambiar el ángulo de visión moviendo físicamente la cámara. La razón por la que muchos lo utilizan en cinematografía es su calidad óptica superior.

El otro tipo de objetivo que encontrarás es el zoom. A diferencia de los objetivos de focal fija, los objetivos zoom tienen distancias focales ajustables, lo que permite una mayor manipulación del ángulo de visión. Aunque el zoom permite mucha flexibilidad (lo que nos gusta), compromete la calidad de imagen, el peso y la apertura. Sin embargo, si estás haciendo una película en la que necesitas fotografiar una amplia gama de sujetos, como paisajes y retratos, el objetivo zoom es perfecto.

Una vez que lo tengas claro, intenta planificar qué otros tipos de equipo necesitas. Si sabes lo que requiere la escena, podrás decidir qué tipo de equipo ayudará a la expresión visual de esa escena.

Plantéate si deberías hacerte con un trípode. Son buenos si quieres conseguir una toma estable, o simplemente un movimiento horizontal, vertical o zoom. Si utilizas un objetivo zoom, puedes fijar el trípode en su sitio y dejar que el objetivo haga todo el trabajo de zoom. Por otro lado, si vas a utilizar un objetivo de focal fija, coloca el trípode sobre una plataforma móvil para que lo haga por ti.

¿Una plataforma móvil?

Una dolly es una plataforma plana con ruedas (normalmente). Entonces dejas que la dolly capture esos movimientos suaves como la mantequilla. Una dolly se utiliza a menudo para capturar tomas de seguimiento.

Similar a la dolly es la grúa, he dicho similar, no igual. Coloca la cámara en una grúa o en un plumín para encuadrar a los personajes desde lo alto o desde lejos. Mientras que algunas dolly se controlan digitalmente, otras las controla manualmente el cámara. En caso de que no dispongas de fondos ilimitados para equipos, las grúas también son un excelente sustituto de los drones.

Hay montones de equipos de cámara que pueden ser relevantes para tu película. Así que asegúrate de planificar, colaborar con el director y averiguar qué necesitas para que tu película sea el próximo "y el Oscar es para...".

Primeros pasos como director de fotografía

Repasar todo este post lleva su tiempo porque, reconozcámoslo, hay muchas cosas. Y no todo es tan fácil en la realidad como sobre el papel. La única forma de convertirse en un genio de la cinematografía es empezar a rodar.

Sí, ese es mi consejo.

Hay cosas que los estudios, el material de lectura y los vídeos de YouTube no pueden enseñarte.

¿Qué hay que saber para empezar a trabajar como director de fotografía? Averigüémoslo. Lezgo.

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