Cinematografia [2023]: O quê, como e por quê

Definindo a arte da cinematografia

O que é cinematografia? Bem, assim como tudo o mais no setor criativo, a cinematografia é uma forma de arte. Em termos de dicionário, cinematografia é "a arte de fazer filmes".

A cinematografia envolve vários elementos cinematográficos, como a composição da cena, o enquadramento, a escolha da câmera, as opções de lentes e outros equipamentos de câmera, o movimento da câmera, a configuração da iluminação, a profundidade de campo, o zoom, o foco da câmera, a cor, a exposição e, potencialmente, a inclusão de efeitos especiais.

Se isso soou como um bocado de palavras, você acertou! A cinematografia tem muito a ver com isso. Suas escolhas cinematográficas influenciarão a forma como o público responde ao que está vendo.

Gravatas Versteegh

Técnicas de cinematografia 101 com o DOP Ties Versteegh

Interessado em cinematografia? Conheça seu instrutor Ties Versteegh, que percorrerá os cantos da cinematografia nesta sessão de Masterclass.

Trailer

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Introdução

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Tiros e ângulos

52

Tiros de abertura

294

Imagens de encerramento

371

Iluminação

492

Foco da câmera

718

Posicionamento da câmera

753

Movimento da câmera

797

Filtros

845

Emoções no filme

885

Criando histórias

943

Equipamento

1070

Finalização

1337

Conheça seu instrutor

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O que você aprenderá

Por que nunca se deve aplicar zoom quando a câmera está em movimento.

Por que você nunca deve fazer uma captura de foco em suas fotos.

Por que você nunca deve mostrar algo que seja assimétrico.

Como acertar o ângulo holandês ou a tomada americana.

Como acertar as fotos de abertura e fechamento.

Como usar diferentes técnicas de iluminação para suas fotos.

Por que você deve sempre contar sua história em um único quadro.

Por que você deve diminuir a abertura quando estiver fotografando em estilo cinematográfico.

Entretanto, apenas definir a cinematografia como uma forma de arte é um pouco enganador. Fazer filmes não é apenas um tipo especial de arte. É verdade que faz parte dela, mas é muito mais do que isso.

Assim como os idiomas, leva anos para ser cultivado. Se você já tentou aprender francês, sabe que a dificuldade é real. Um cinegrafista habilidoso precisa ser capaz de comunicar as várias técnicas usadas para capturar as imagens.

Em termos técnicos, a cinematografia é a arte e a ciência de registrar a luz eletronicamente em um sensor de imagem ou quimicamente em um filme. É tirar uma série de fotos e formá-las em uma narrativa coesa. A cinematografia compõe cada tomada e considera onde tudo no quadro exige atenção.

A diferença entre fotografia e cinematografia

Ambas as atividades terminam com "graphy", e eu diria que é nesse ponto que elas têm mais semelhanças.

A fotografia pode ser um trabalho completo em si; a cinematografia envolve lidar com as relações entre tomadas e um grupo de tomadas.

A fotografia também permite muito mais independência no trabalho. A cinematografia é muito mais colaborativa e depende muito de um grupo de pessoas. O cinegrafista não fará isso sozinho, mas trabalhará em conjunto com supervisores de roteiro, diretores, equipe de iluminação, atores e muitos outros.

Em outras palavras, a fotografia é favorável à COVID-19, mas a cinematografia... nem tanto.

Por que a cinematografia é importante?

Além de realmente fazer o filme?

Essa é a parte importante! Não há tesouros secretos ou pistas ocultas.

A cinematografia é a definição e o suporte da aparência e do clima geral do filme. A tarefa do diretor de fotografia é tornar realidade todas as visões do diretor. O diretor de fotografia é como uma fada madrinha do cinema.

O que faz um cinegrafista?

Escolher uma câmera, conhecer os diferentes tipos de lentes de câmera e ajustar a configuração da iluminação - tudo isso faz parte do trabalho de um cinegrafista. Ser cinegrafista é um trabalho multifacetado e requer uma parte igual de artista, técnico e gerente - como um resort de luxo com tudo incluído.

Sei que tudo isso parece um pouco agitado e muito para uma pessoa só - não me entenda mal, é mesmo! No entanto, há um lado positivo nisso. Quanto mais você trabalhar e praticar, maior será a probabilidade de sua arte evoluir. Com o tempo, você terá facilidade para fazer uma foto inteira. Já ouviu a frase "a prática leva à perfeição"?

Agora que já vimos o que é um diretor de fotografia. Vamos dar uma olhada nos elementos da cinematografia.

Os deveres e as responsabilidades da cinematografia

Estabelecer a aparência visual

A cinematografia envolve a escolha do visual e da sensação do filme. Imagine que O Projeto Bruxa de Blair não tivesse sido filmado com um visual de documentário - ele teria se tornado uma sensação icônica? Ou imagine que La La Land não tivesse sido filmado com a lente anamórfica para ajudar a dar aquele toque romântico.

Se quiser saber mais sobre a lente anamórfica e o que ela pode proporcionar ao seu filme, leia mais sobre o que ela é e por que você deve usá-la. Ou, se você já conhece todos os conceitos básicos, pode encontrar a melhor lente anamórfica para seu próximo projeto - La La Land Vol. 2, talvez?

O modo como você aborda um filme determinará, em última análise, o tipo de filme que o público verá. Tanto La La Land quanto The Blair Witch Project teriam sido filmes totalmente diferentes se outras técnicas cinematográficas estivessem em uso.

Determine a configuração da câmera

A cinematografia também envolve o estabelecimento de uma configuração de câmera para cada. Single. tomada. Um diretor de fotografia tem muitos deveres e responsabilidades. Decidir os tipos de câmeras, lentes, ângulos de câmera e técnicas de câmera geralmente necessárias faz parte disso. Você precisa considerar, nos mínimos detalhes, quais técnicas cinematográficas usar para dar vida à cena.

Lembre-se de que uma cena pode ser melhor usando uma lente principal, enquanto outra deve usar uma lente zoom. Ou talvez a foto de abertura deva ser feita no nível dos olhos, mas a próxima deve ser um close-up extremo. A lista poderia continuar, mas você entendeu o ponto.

E mais? Você não está trabalhando sozinho. Você está trabalhando com supervisores de roteiro, diretores e, se necessário, gerentes de locação. Para encontrar o design de cada cena e o clima desejado, você precisa levar em conta todos esses desejos e visões para ajudar a manter o apelo visual correto.

Decidir sobre a configuração da iluminação

Determine a configuração correta da iluminação para cada cena. Na produção de filmes, você deve entender a importância e o efeito de alteração do filme que uma configuração de iluminação adequada pode ter. Você precisa de técnicas de iluminação de filmes para criar o clima visual que o diretor está tentando alcançar.

Um cinegrafista deve saber como aprimorar recursos como a profundidade, o contraste e o contorno de uma imagem - tudo o que você precisar fazer para sustentar a atmosfera da história, você faz.

Sem dúvida, os filmes do Poderoso Chefão deixaram sua marca no mundo cinematográfico - parte dessa marca? A iluminação. Gordon Willis, que instruiu os filmes, mudou a maneira de iluminar as estrelas. Pela primeira vez, você teria uma luz acima do personagem que criaria sombras para que você não pudesse ver os olhos do ator. De certa forma, uma técnica tão simples e, ainda assim, um golpe de gênio. Essa iluminação exclusiva criou o clima e ajudou a construir o personagem do Poderoso Chefão.

Qual é o seu golpe de gênio?

Conheça o local.

A cinematografia envolve mais do que encontrar tomadas e ângulos adequados. Os cinegrafistas talentosos entendem que o local desempenha um papel importante. Um cinegrafista precisa explorar o local de cada cena - qual é o potencial desse local?

Suponha que o inverno esteja chegando e que você esteja filmando o local de uma forma que pareça mais com a chegada de algumas Margheritas. Nesse caso, isso pode facilmente arruinar a maneira como o público interpreta o clima. Saiba quais técnicas você deve usar, textura, contraste, cor e assim por diante.

Use os ensaios em seu benefício

Como meros mortais, pode ser difícil prever tudo. Portanto, use os ensaios de atores a seu favor. É possível que você já tenha em mente como deseja capturar uma cena específica e, embora isso seja bom na teoria, você também precisa que funcione na prática. Você pode ter feito tudo de acordo com o roteiro, mas se os atores não forem capturados com sucesso, a filmagem não será excelente.

Assista aos ensaios para ver como os atores estão se movimentando em uma determinada cena. Observe se eles têm gestos ou expressões faciais específicos que você deseja capturar e ajuste sua configuração de acordo.

Ser um conselheiro do diretor.

Cinematografia significa capturar a visão do diretor e transformá-la em realidade. Entretanto, o diretor é tão humano quanto qualquer outra pessoa. Pode haver grandes ideias por aí que o diretor não tenha pensado. Um bom diretor de fotografia precisa preencher essa lacuna potencial com novas ideias e conceitos para ajudar a levar o filme ao próximo nível.

Técnicas de cinematografia

Agora que você já entendeu melhor o que é cinematografia e as responsabilidades e deveres de um cinegrafista, podemos nos aprofundar no jargão específico da cinematografia.

Iluminação

Você leu sobre isso acima, e estou mencionando-o novamente. A iluminação altera o filme!

A configuração da iluminação desempenha um papel fundamental no que o público vê e experimenta. Ela definirá o clima. Veja as comédias, por exemplo. Essas comédias normalmente usam iluminação de alta intensidade para remover quaisquer áreas de escuridão ou sombras, a menos que se trate de um senso de humor distorcido, mas isso é outra história. Por outro lado, gêneros como thrillers ou filmes noir geralmente favorecem a iluminação discreta para enfatizar o clima e o mistério. Imagine Sin City com destaques "cômicos" - eu sei, exatamente o que quero dizer.

Em grandes produções, você terá uma equipe de iluminação. Como chefe de cinematografia, você precisa saber qual é o melhor tipo de iluminação.

Antes de nos aprofundarmos no tipo de configuração de iluminação que você deve usar, vamos voltar ao básico.

A luz é medida em Kelvin (K), que mede a escala de temperatura. Quanto menor o K, mais avermelhado é o tom da luz. Por outro lado, um K mais alto significa uma luz mais amarela, branca e azul. Para colocar isso em perspectiva: Um céu azul claro pode ter 10.000 K... Lembrem-se do protetor solar, crianças.

Agora, a configuração da iluminação

A configuração de iluminação mais comum é a configuração de iluminação de três pontos. Bem, o nome diz muito sobre essa configuração. É uma configuração de iluminação em que você usa três fontes de luz.

O primeiro ponto é a luz principal, também a fonte de luz primária, que fornece a iluminação essencial para o objeto, a pessoa ou a época que você deseja mostrar. A luz brilha diretamente em um objeto a partir da frente, à direita ou à esquerda. O objetivo da luz principal é estabelecer um clima atmosférico geral.

A segunda luz é a luz de preenchimento, que preencherá o objeto com uma luz mais suave. Se você usar apenas uma pequena luz de preenchimento, obterá muitas sombras e um visual escuro e misterioso. Se a luz principal for colocada na frente à esquerda, a luz de preenchimento deverá ser colocada na frente à direita.

A terceira e última luz é a luz de fundo, também chamada de luz de borda. Essa luz dará uma aparência tridimensional ao objeto. Como o nome sugere, ela é colocada na parte de trás do objeto. Ter uma luz de fundo ajudará a separar o tema do plano de fundo.

Você pode adicionar mais luzes à cena conforme desejar e dependendo do que estiver tentando transmitir.

Essa iluminação de três pontos é apenas o começo. Pense fora da caixa! Use a luz em ângulos diferentes, desligue-a, adicione mais dez, o que você quiser, quebre as regras.

Tipos de luzes

Assim como há uma infinidade de configurações de iluminação, há uma infinidade de tipos de iluminação - que alegria!

Para produções cinematográficas, há alguns tipos de luzes mais comuns e úteis do que outros. Portanto, tente se familiarizar com luzes como tungstênio, HMI, fluorescente e LED. E, é claro, a fonte de iluminação que a mãe Terra nos deu: o sol (notícia exclusiva: esse é de uso gratuito).

Tamanho e composição da foto

Pense em quanto da tomada o público deve conseguir ver. O público deve ver todo o Grand Canyon usando uma tomada extremamente ampla, ou deve ter uma intensa disputa de olhares com o Sr. Gyllenhaal usando uma tomada extremamente próxima?

Uma das decisões mais importantes na cinematografia é a composição da tomada. A composição se refere a como cada tomada é enquadrada e a todos os elementos dentro desse quadro. Esse é um aspecto crucial da cinematografia, pois pode ajudar a determinar o que o público vê, sabe e sente.

Aqui está um detalhamento dos diferentes tipos de tamanhos e composições de fotos.

Tomada ampla extrema. Geralmente, são feitas no início de uma cena. Ela ajuda o público a identificar onde a cena está ocorrendo. Essa tomada deve ser uma foto de um local que você sabe que o público reconhecerá imediatamente. Mostre a ponte Golden Gate - não a Delhi local.

Foto ampla. A tomada ampla mostra o personagem da cabeça aos pés. Essas tomadas mostram ao público o contexto e o espaço de uma cena.

Foto média ou intermediária. Esse tamanho de foto mostrará o indivíduo da cintura para cima. Esses tipos de fotos geralmente são usados para filmar uma conversa.

Foto média longa. Esses tipos de tomadas enquadram o tema do joelho para cima. Muitas vezes, isso significa que o público se concentra mais nos arredores do que no personagem em si.

Foto de close-up médio. Mostra o personagem do meio do peito para cima. O objetivo é enfatizar as expressões faciais e a linguagem corporal do personagem.

Foto em close-up. Geralmente, elas aparecem em uma cena emocional, na qual queremos ver tudo o que o sujeito está pensando e sentindo. Use esse tamanho de foto para cenas dramáticas em que o público deve sentir alguma emoção em relação a essa cena específica.

Dois disparos e três disparos. Como o nome sugere, isso é para quando duas ou três pessoas estão na cena. Imagine uma conversa entre duas pessoas; o público vê tanto quem fala quanto quem "reage", o que o ajuda a entender o significado da conversa. Se o público se concentrar em apenas uma pessoa de cada vez, será mostrada a pessoa que está falando. Quando essa pessoa para de falar, a reação da outra pessoa pode ser exibida em uma tomada separada.

Tomada por cima do ombro. O nome é um spoiler, mas esse é o tipo de tomada que você faz por cima do ombro dos personagens. O público vê o ombro e um lado do rosto e do pescoço da outra pessoa. O objetivo é dar ao público um ponto de vista subjetivo ou fazer com que o público sinta que faz parte da ação.

Foto de ponto de vista. Esse tipo de tomada é muito semelhante à tomada por cima do ombro. O público recebe a mesma observação que o personagem, sem o ombro e a lateral da cabeça visíveis. Essa é mais uma visão em primeira pessoa, em que o público vê o que o personagem está vendo e é mais provável que se coloque no lugar do personagem.

High-angle shot. A câmera olha para baixo, acima do nível dos olhos do sujeito. Quando um diretor quer usar uma tomada de ângulo alto, geralmente é porque deseja mostrar o personagem como fraco, vulnerável ou inferior. Ela também pode criar uma sensação de vigilância ou ser útil para fornecer mais informações de uma perspectiva narrativa.

Tomada de ângulo baixo. Em contraste direto com a tomada de ângulo alto, o ângulo baixo é um ângulo de câmera em que o sujeito é visto abaixo do nível dos olhos. Elas são usadas com mais frequência para significar status, superioridade ou domínio, criando vilões cruéis ou heróis maiores do que a vida.

Foto no nível dos olhos. A câmera é posicionada de modo que o sujeito possa olhar diretamente para a lente sem mover os olhos para cima ou para baixo. É para simular uma visão neutra. É bom usá-la para capturar expressões faciais e emoções. Se o seu objetivo é atrair o público e fazer com que ele se conecte com o tema, uma foto no nível dos olhos é uma boa opção.

Dolly shot. Uma tomada dolly é como uma tomada de rastreamento em que o objeto é seguido em um carrinho dolly. Elas são usadas para tirar fotos suaves e controladas, quase como se a câmera estivesse flutuando. Ela pode ser ótima para direcionar a atenção do espectador e é fantástica para revelar um local.

Sinceramente, eu poderia continuar, mas provavelmente há um momento e um lugar para isso. A questão é que há muitas opções em termos de tamanhos e ângulos de tomadas que podem ajudar a apoiar a história.

Por falar em ângulos de câmera - aprenda todos os ângulos de câmera essenciais (psst, e tamanhos de tomadas, composição e muito mais também). Acho que encontrei a hora e o lugar para isso ;-)

Foco da câmera

Parte da cinematografia é usar o foco da câmera para enfatizar diferentes aspectos da história. Vamos dar um exemplo.

Digamos que você esteja filmando uma cena de um idoso. Ela está contando uma história de sua juventude e, enquanto conta a história, aparece um flashback. No entanto, esses flashbacks não são do mesmo estilo; são borrados, mais destacados e com aparência mais romântica. Isso faz com que a história de nossa personagem idosa pareça uma explosão do passado.

Outro exemplo? Imagine o Sr. Chow voltando de uma noite louca em Las Vegas. Para ilustrar que ele não está sóbrio - Las Vegas... A cena entra e sai de foco. O suficiente para que o público quase fique tonto.

É natural ficar um pouco hesitante em deixar sua filmagem entrar e sair de foco - quando é que isso foi bom, certo? O fato é que é esse jogo com o foco que um cinegrafista pode usar para enfatizar os elementos essenciais de uma história.

Posicionamento da câmera

Uma grande parte da cinematografia é o posicionamento da câmera. Ela está próxima ou distante do objeto? Isso afeta a forma como o público reage à tomada e, portanto, ao restante da cena.

Diferentes posicionamentos de câmera podem afetar significativamente a forma como o público percebe o comportamento de um personagem e ajuda a definir o clima da cena. O local escolhido pelo cinegrafista para posicionar a câmera influenciará o peso emocional da cena.

Digamos que você esteja posicionando a câmera perto de duas pessoas almoçando; você pode deixar o público com a sensação de "Eu quero o mesmo que ela está comendo". Você pode colocá-la longe do casal, o que cria uma sensação de vigilância, de que alguém os está observando.

Movimento da câmera

Mudar ou não mudar...

Escolha mover a câmera conforme os personagens se movem e criar uma sensação de perspectiva ou mantenha-a estática. Quando os personagens se movem, o público terá uma sensação de separação.

Essa técnica cinematográfica também pode mudar a percepção do público sobre um filme.

Você já viu Velozes e Furiosos? Eles fizeram uns 40, o que é impressionante se você não viu. A questão é que, à medida que a perseguição de carros continua, a câmera se move com a perseguição. Dessa forma, a cena se intensifica, pois o público é colocado bem no meio do conflito. Imagine uma câmera estática; não haveria muita empolgação, pois eles desapareceriam em um fluxo - definitivamente, não vale 40 filmes.

Entretanto, em outra situação, por exemplo, em um drama de escritório, uma câmera estática pode ajudar a aumentar a tensão. Sem ter para onde fugir, o público é forçado a esperar enquanto o drama se desenrola.

Equipamento de câmera

Isso é praticamente óbvio - para brincar com o movimento da câmera, o tamanho da foto, a composição e o foco, você precisa... de uma câmera.

Cinematografia significa escolher a câmera certa para a produção do filme. E com tantas opções de câmeras disponíveis, é muito fácil se perder.

Talvez você tenha um grande orçamento, mas isso não significa que deva comprar a câmera mais cara. Ou talvez você precise de um visual cinematográfico, mas uma câmera de ação como a GoPro será a mais adequada. Embora você possa considerar os recursos técnicos de uma câmera, não deve considerar apenas isso.

Em vez disso, concentre-se na câmera que melhor se adapta ao seu objetivo.

Para ajudá-lo a encontrar a melhor câmera para o seu próximo filme, leia mais sobre as melhores câmeras de cinema profissionais para produção de filmes.

Equipamento adicional

Uma grande parte da cinematografia é encontrar equipamentos que possam apoiar a história visual. Tudo, desde câmeras e lentes até dollies e gimbals, é decidido pelo diretor de fotografia. O diretor de fotografia precisa considerar quais equipamentos ajudarão a concretizar a visão do diretor.

Alguns argumentarão que uma lente é tão ou mais importante do que a câmera em si, e eu poderia estar inclinado a concordar. Mas essa é outra história e não é o ponto. A questão é que as lentes da câmera são um fator decisivo. Em geral, há duas lentes diferentes que você pode escolher.

A lente principal é provavelmente a mais usada em cinematografia. Uma lente prime é uma lente com distância focal fixa, geralmente entre 20-120 mm, o que significa que só é possível alterar o ângulo de visão movendo fisicamente a câmera. O motivo pelo qual tantas pessoas a utilizam para fins cinematográficos é a sua qualidade óptica superior.

O outro tipo de lente que você encontrará é a lente de zoom. Diferentemente da lente principal, as lentes de zoom têm distâncias focais ajustáveis, o que permite maior manipulação do ângulo de visão. Embora o zoom permita muita flexibilidade (o que nos agrada), ele compromete a qualidade da imagem, o peso e a abertura. No entanto, se você estiver fazendo um filme em que precise fotografar uma grande variedade de assuntos, como paisagens e retratos, a lente zoom é perfeita.

Depois de definir isso, tente planejar os outros tipos de equipamentos necessários. Se você souber o que a cena exige, poderá decidir que tipo de equipamento ajudará a apoiar a expressão visual da cena.

Pense se você deve adquirir um tripé. Eles são bons se você quiser obter uma foto estável ou apenas uma simples panorâmica, inclinação ou zoom. Se estiver usando uma lente de zoom, você pode travar o tripé no lugar e deixar que a lente faça todo o trabalho de zoom. Por outro lado, se você planeja usar uma lente principal, coloque o tripé em um carrinho para fazer isso por você.

Você está se perguntando se é uma boneca?

Um dolly é uma plataforma plana com rodas (geralmente). Então, você deixa o dolly capturar esses movimentos suaves como manteiga. Um dolly é usado com frequência para capturar tomadas de rastreamento.

Semelhante ao dolly é o guindaste, eu disse semelhante, não igual. Coloque sua câmera em um guindaste ou em um jib para enquadrar os personagens de cima ou de longe. Embora alguns dollies sejam controlados digitalmente, outros são controlados manualmente pelo operador de câmera. Caso não tenha fundos ilimitados para equipamentos, os guindastes também são um excelente substituto para os drones.

Há muitos equipamentos de câmera que podem ser relevantes para o seu filme. Portanto, planeje, colabore com o diretor e descubra o que é necessário para que seu filme seja o próximo "e o Oscar vai para...".

Como começar a trabalhar como cinegrafista

Analisar toda esta postagem leva tempo porque, sejamos francos, há muita coisa. E nem tudo é tão fácil na realidade quanto é no papel. A única maneira de se tornar um gênio no campo da cinematografia é começar a filmar.

Sim, esse é o meu conselho.

Há coisas que estudos, material de leitura e vídeos do YouTube não podem lhe ensinar.

O que você precisa saber para começar a trabalhar como cinegrafista? Bem, vamos descobrir. Lezgo.

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