50+ kameravinklar, rörelser, skott och fokus - något som varje filmskapare måste känna till

Börjar du bli överväldigad av alla möjligheter till olika kameravinklar, rörelser, skotttyper och storlekar? Du är inte den enda! Med alla alternativ kan det vara svårt att hålla reda på dem alla.

Därför har vi samlat dem alla här för att hjälpa dig att behärska de grundläggande (och inte så grundläggande) färdigheterna hos en filmskapare.

Kamerabilder

Vad är en kamerainspelning?

En kameraupptagning avser en serie bilder som är sammansatta från det ögonblick då regissören säger "ljus, kamera, action" och fortsätter tills kameran slutar rulla. Att vara medveten om sin kamerainställning är en viktig del av filmskapande.

Med storlek på bilden menas hur stor eller liten ramen är i förhållande till motivet. Fyller motivet ramen, eller finns det knappt där? Finns det flera karaktärer eller bara en? Vill du visa hela landskapet som omger karaktärerna eller ska publiken bara se en specifik detalj i bilden?

Låt oss gå igenom vad de olika bildstorlekarna är och vad de gör med ditt material.

Extrem närbild

Använd extrem närbild för att framhäva vissa egenskaper hos ditt motiv, till exempel ögonen eller munnen. Den extrema närbildsbilden handlar om att få fram alla små föremål och detaljer och låta dem stå i fokus för publikens uppmärksamhet. Tänk på en klassisk westernfilm: två cowboys duellerar i gryningen. För att intensifiera situationen använder du extrem närbild - du visar bara deras ögon.

Närbild

Den här bilden används för att framhäva ditt motivs ansiktsdrag utan att några distraktioner kommer in. Detta gör det utmärkt för att sätta in motivets känslor eller reaktioner. Vanligtvis innebär det att man visar motivets ansikte från pannan till hakan.

Det är den perfekta bilden för de avgörande ögonblicken. Du vet, när vår huvudperson inser att hon har nått en punkt utan återvändo. När det händer ska publiken kunna ta in allt - allt hon känner i just det ögonblicket. Det fina med en närbild är att den är tillräckligt nära för att registrera även små känslor, men inte så nära att vi förlorar synligheten.

Lång bild eller bred bild

Den här bilden gör det möjligt för publiken att se hela motivets kropp i bilden - från topp till tå. Genom att använda en långbild får publiken en känsla av motivets omgivning och får en bättre uppfattning om varför karaktären är där överhuvudtaget. Du kommer ofta att se den här bilden i actionscener, vid tillfällen då det är viktigt att veta hur karaktären rör sig i den specifika miljön. Det fina med att använda en lång eller bred bild är att publiken kan titta på de vackra bakgrundsbilderna - filmar du på Maldiverna? Det vill vi som publik inte missa (det kan vara det närmaste vi kommer en semester i år).

Extrem långbild eller extrem vidbild

Dessa bilder får motivet att framstå som litet i förhållande till omgivningen, eftersom publiken ser platsens hela bredd. De fungerar utmärkt för att skapa ett omfång och en skala av mått och bidrar till att betona en viss ton och stämning.

Tänk på slutet i vilken romantisk Disneyfilm som helst (naturligtvis alla) där prinsessan äntligen får sin prins. De rider iväg mot solnedgången i sin magiska pumpa. Medan de åker iväg blir karaktärerna allt mindre ju längre bort de kommer från kameran. Och vi får alla en föreställning om att de levde lyckliga i alla sina dagar. Det behöver dock inte vara romantiskt; extrema långa tagningar fungerar också utmärkt för att förmedla en känsla av avstånd eller att karaktären är obekant i sin omgivning.

Medium shot eller mid-shot

Medelshotet är ett slags mellanstadiebarn mellan sina syskon i närbild och långbild. Den typiska medelfilmen visar motivet från huvudet och ner till midjan. Det är tillräckligt nära för att man ska kunna se deras ansikten, men det fångar också karaktärernas kroppsspråk samtidigt som det visar motivets omgivning utan att publiken blir förvirrad.

Medelstor närbild

Medelsvår närbild visar vanligtvis motivet från bröstet och uppåt. Det innebär att den gynnar motivets ansikte men ändå lyckas hålla ett visst avstånd.

Enstaka, två skott, tre skott

Om du väljer enkel-, två- eller treskott beror på hur många karaktärer det finns i bilden och hur du vill att publiken ska se dem. Låt oss säga att du använder en treskott; det innebär att du väljer en skottstorlek som lyckas hålla tre personer i den enda ramen.

Skott från synvinkel

POV är den typ av skott du använder när du vill att publiken ska se det som karaktären ser. Du låter publiken gå en mil i deras skor - du placerar dem direkt i karaktärens huvud. Det kan både vara en statisk bild eller en kombination av olika kamerarörelser.

Fullständig bild

Använd den här bilden för att visa hela karaktären och miljön som omger den. Den fullständiga bilden handlar om att behålla karaktären i bilden men att lägga tonvikten på landskapet. Det är utmärkt att visa upp flera karaktärer i en enda bild.

Amerikansk bild eller cowboybild

Om jag ska vara ärlig är detta mer en variation av den medelstora bilden än en ny typ av bild. Den går tillbaka till när westernfilmerna pikade och publiken ville se cowboyen dra ut sin pistol ur hölstret och skjuta - ganska amerikanskt, eller hur? Skottet ramar in motivet från ungefär mitten av låret och uppåt.

Reaktionsbild

Du behöver förmodligen inte någon större introduktion till den här bilden - det är en bild som är inramad för att visa karaktärens reaktion på den specifika handlingen. Det är i stort sett allt - vad mer behöver du, eller hur?

Etablerande bild

En etablerande bild hjälper till att etablera scenen. Den ger en bild av platsen och ger publiken en tidsram. Den följer ofta på en flygbild och används för att visa var allt kommer att hända.

Skott över axeln

Om man filmar bakom en karaktärs axel är det en över-skuldra-bild. Den visar karaktärens axel, nacke och bakhuvud (för den person som vänder sig bort från kameran, alltså).

Medelbred bild eller medellång bild

Inramning av motivet från knäna och uppåt. Denna del "knän och uppåt" är det som skiljer den från en helbild och en medelbild. Publiken får en mer restriktiv bild av miljön men kan fokusera mer intensivt på själva karaktären.

Vilken skottstorlek och hur du väljer att rama in ditt motiv kommer att påverka hur publiken uppfattar handlingen. Du kan alltid växla mellan de olika kamerabilderna när scenen fortskrider.

Kameravinklar

Få mer perspektiv genom att välja en kameravinkel. De kameravinklar du väljer kan avgöra om publiken upplever en känsla av rädsla, empati eller sårbarhet. Det är avgörande för att öppna publiken för specifika detaljer om den värld som karaktärerna lever i.

Så först av allt - vad är en kameravinkel?

Enkelt uttryckt hänvisar kameravinkeln till var kameran är placerad i den specifika bilden. Kamerans position i förhållande till karaktärerna kan på ett avgörande sätt påverka hur publiken uppfattar den aktuella scenen.

Låt oss ta en genomläsning (eller genomskrivning) av de olika kameravinklarna:

Skott i ögonhöjd

En neutral kameravinkel? Det är den här!

När ditt motiv befinner sig i ögonhöjd använder du en ögonhöjdsbild (överraskning). Anta att du vill behålla en känsla av objektivitet, till exempel i en intervju. I så fall använder du den här bilden, eftersom kameran pekar rakt fram på samma nivå som motivets ansikte, ja, tekniskt sett ögonen.  Syftet med att använda denna bild i ögonhöjd är att publiken ska kunna följa vad som händer - utan någon kameramanipulation.

Åh, och en liten anmärkning: det behöver inte vara en fluktuation i figurens ögonnivå. Om du upprätthåller en neutral kameravinkel kan det vara en råtta, för den delen. Det skulle fortfarande vara i ögonhöjd - har du någonsin sett Ratatouille?

Låg vinkel

Att välja en lågvinkelbild innebär också att man väljer att lägga till subjektivitet till scenen. På den här bilden tittar kameran upp på motivet från en låg vinkel. Det används vanligtvis för att betona maktdynamiken mellan karaktärerna. Den överlägsna karaktären kommer att ramas in från lågt håll, vilket gör att den verkar stark eller ha kontroll (eller åtminstone känslan av det). Detta kan naturligtvis variera; är det en mamma som tittar "ner" på sin dotter räcker det kanske med en något låg vinkel - precis tillräckligt för att förmedla en känsla av auktoritet. Eller är det King Kong som strövar omkring på gatorna, då kan en extremt låg vinkel vara bra för att visa gorillans (är det verkligen en gorilla?) överlägsenhet i förhållande till de små människorna.

Hög vinkel

Detta leder mig till nästa kameravinkel: den höga vinkeln. Att fotografera ett motiv uppifrån skapar en känsla av sårbarhet och maktlöshet - du vet, den där du går: "Wow, jag vill inte vara i hans skor just nu".  Även om detta är ganska mycket av en tumregel kan det finnas undantag. Den höga vinklingen kan också visa vägen för vad som väntar. Du kan se denna användning av den höga vinkeln i många film noir-filmer.

Det kreativa uttrycket för den höga vinkeln varierar beroende på sammanhanget.

Holländsk vinkelbild

Att använda en holländsk vinkelbild är ett av de vanligaste sätten att förmedla desorientering. Det är ett utmärkt sätt att förstärka vilket känslomässigt tillstånd eller vilken spänning du vill ge scenen. Tänk Ethan Hunt i Mission Impossible, när han inser att allt är en fälla, byter kameran plötsligt vinkel. När Ethans berättelse går i sidled, gör även kameravinkeln det. För att uppnå en holländsk vinkelbild lutar du kameran åt sidan, så att den inte är i nivå med horisonten. Du kan använda den för att visa upp karaktärens lite till roliga kväll på puben när han snubblar på gatorna. Eller så kan du använda det i skräckfilmer för att ge intrycket av att väggarna sluter sig mot karaktären.

Över axeln

Här är en annan utmärkt bild för att hjälpa till att flytta betraktarens uppfattning av scenen. En bild över axeln är ofta en närbild av en annan karaktärs ansikte från axeln. Det kan förmedla en konflikt eller konfrontation mellan de två karaktärerna. Det behöver inte vara en synvinkel; du kan också visa en karaktär som tittar ut över ett landskap eller som rör sig genom en actionsekvens för att bredda perspektivet lite.

Bild från synvinkel

Låt dig inte luras - vi har gått igenom denna bild ovan, men en synpunktsbild kan både avse skott och inramning - vilket nöje! Precis som i skottstorleken hänvisar point-of-view shot till att låta publiken se världen genom karaktärens ögon. Denna specifika bild kan låta publiken helt och hållet fördjupa sig i den värld som karaktärerna lever i och hjälpa till att få en inblick i vad de upplever.

Skott i höfthöjd

Minns du cowboybilden? Det här är i stort sett samma sak. En skott på höftnivå är en kameravinkel som fokuserar på karaktärerna från midjan och uppåt. Hip level shots kan vara ganska snygga när du har handlingar som sker nära höften. Kanske en klassisk western eller bara en annan scen i Fifty Shades of Grey. En bild på höftnivå är inte heller något dåligt val om en av dina personer sitter medan den andra står.

Skott i knähöjd

En bild i knähöjd uppstår när din kamerahöjd är ungefär lika låg som ditt motivs knän. Använd den när du vill ge en karaktärs skala, men utan att faktiskt visa hela kroppen. Den här kameravinkeln är bra för att betona en karaktärs överlägsenhet - särskilt om den kombineras med en låg vinkel. Visserligen är den inte lika intensiv som en bild på marknivå (ja, jag kommer att ta upp den också), men jag försäkrar dig - den får fram poängen.

Fotografi på marknivå

Hur lågt kan du gå? När det gäller kameravinklar är det här ungefär så lågt som det kan bli. Med en bild i marknivå är kamerans höjd i nivå med motivet. Kameravinkeln på marknivå är till exempel lämplig när du vill visa en karaktär som går utan att avslöja ansiktet. Kommer du ihåg när Kevin i Home Alone springer ifrån den läskiga äldre mannen i snabbköpet (spoiler alert - det visar sig att han är en sötnos)? Du kan använda den för olika ändamål, men i stort sett skjuter den allt på marken.

Skott på axelnivå

När din kamera är ungefär lika hög som ditt motivs axel - använder du en kameravinkel i axelnivå. När kameran är i linje med motivets axel befinner sig karaktärens huvud högst upp i bilden. Det innebär också att de är något över ögonhöjd och ger en liten illusion av en lägre vinkel. Du minns väl låg vinkel? Du har sett den här kameravinkeln användas fler gånger än du kan räkna, eller det beror på - hur är din algebra? Till exempel är skott i axelhöjd när hjälten nonchalant går bort från den stora eldsexplosionen, alltså - i princip alla Die Hard-filmer. Skuldernivåskotten är bra för att öka intima porträtt och få publiken nära karaktärens känslor.

Fågelperspektiv eller översiktsbild.

När kamerorna befinner sig nästan 90 grader ovanför motivet talar man om en overhead shot. Översiktsbilden ger vanligtvis publiken lite mer information om scenens plats och handling och visar orsak och verkan mellan de två. När man till exempel är med i Avengers får man ofta en översiktsbild i fågelperspektiv för att ta med allt som händer i de stora stridsscenerna. Översiktsbilden kan också förmedla hur obetydlig den inblandade karaktären är.

Flygbild eller drönarbild eller helikopterbild

Oavsett om du tar bilden från en riktig helikopter eller en drönare är detta en bild från långt upp i luften. Om du vill visa landskapet, omfattningen av en strid eller bara svepa över en väg - en flygbild är det du ska använda. Om du precis har börjat göra film kan det vara en utmaning för dig att skaffa en helikopter när det gäller budgeten. Det dyker dock upp bättre och mer prisvärda drönare, och de fungerar perfekt för att få din flygbild helt rätt. Ta reda på vilka drönare du bör anlita för att lyckas med din flygbild.

Kamerans rörelser

Din kameras rörelse kan förändra vad som händer på skärmen och är ett kraftfullt verktyg för att ändra förhållandet mellan motivet och kamerans ram. Det finns massor av kamerarörelser som filmskapare använder för att sätta tonen i filmen.

Låt oss gå igenom dem nu. Leggo.

Panorering eller lutning

Om du vill hålla det enkelt är den klassiska panorering och tilt ett sätt för dig. En panorering är när du håller kameran på ett ställe och sedan roterar den från sida till sida. En tilt är samma sak, men du vrider kameran uppåt eller nedåt i stället för att gå från sida till sida. Om du har kameran på ett stativ (alltid ett utmärkt val, men det tar vi upp senare) kan du både panorera och luta stativets huvud. Panorering och lutning är också din chans att leka med hastigheten, om du känner att det behövs - behovet av hastighet. Du kan långsamt panorera kameran från vänster till höger för att visa landskapet, eller så kan du göra en whip pan, där rörelsen sker så snabbt att den blir suddig.

Spårbild, dolly shot eller kranbild.

Om du däremot vill röra dig med motivet för att få publiken att känna sig mer som en del av handlingen kan du använda en tracking shot, dolly shot eller en crane shot. En tracking shot rör sig med motivet, vanligtvis i sidled, och följer ibland bakom eller bredvid det på en dolly, Steadicam eller en gimbal. En dolly shot fästs på en mekanism som kallas dolly (galet, eller hur?). Skottet rör sig antingen framåt eller bakåt. Sedan har vi kranbilden som också görs med hjälp av ett verktyg, den här gången en kran. Den flyttar kameran antingen uppåt eller nedåt.

Zooma in bilden

I stället för att flytta kameran framåt, bakåt, uppåt eller nedåt använder du ett zoomobjektiv för att skapa en känsla av rörelse. Zoombilder sker genom att ändra objektivets brännvidd på zoomobjektivet. En zoom kan ske antingen långsamt och subtilt eller överdrivet för att ge bilden en mer biografisk känsla.

Slumpmässig rörelse

En slumpmässig rörelse kan vara effektiv för att skapa energi och intensitet, särskilt under en actionscen. Slumpmässiga rörelser är just det; de är slumpmässiga. Välj vilken rörelse som helst, inga regler eller grundläggande riktlinjer - studsa runt med kameran, gör det snabbt, gör det långsamt, ta bort motivet ur ramen - gör vad du vill. Effektiv slumpmässig rörelse är dock avgörande; märker du det effektiva? Det betyder att du ska göra det när det är vettigt och inte överdriva det. Du vill inte att publiken ska känna sig som om de just kommit av en berg- och dalbana.

Enstaka tagning

Du kanske har hört det här uttrycket förut? Eftersom du inte är här för att svara mig antar jag att det är ett ja.

Single-take kombinerar flera rörelser skottstorlekar och vinklar till en enda längre tagning. Det betyder att i stället för att klippa från en rörelse till en annan, byta från en långbild till en närbild, kommer kameran att spåra, zooma, panorera och luta mellan en hel rad olika tagningar.

Kamerans fokus

Med hjälp av skottstorlekar, inramning, kamerarörelser och vinklar hjälper fokus till att peka ut vad publiken ska uppmärksamma.

Är det en fluga på väggen?

Visst, jag tittar, men du måste göra mig medveten om att det är det jag ska titta på.

Innan vi går in på de olika typerna av kamerafokus och deras unika berättande egenskaper måste vi prata om skärpedjup. Om du redan är väl bevandrad på det området kan du hoppa över det.

Skärpedjup beskriver storleken på det område i din bild där föremålen framstår som skarpa. Fältets mittpunkt är känd som fokuspunkt. Det imaginära tvådimensionella plan som sträcker sig från den punkten kallas fokusplanet. Alla delar av bilden som ligger direkt på detta plan är officiellt i fokus.

Rack Focus eller Focus pull

Ett rackfokus är en betonad version av ett fokusdrag. Det innebär att det acceptabla fokusområdet flyttas avsiktligt från ett motiv till ett annat. En "normal" rackfokus avser praxis att ändra objektivets fokus under en bild. Oavsett om du gör små eller betydande förändringar av fokus, leker du fortfarande med skärpedjupet. Nu är du säkert glad att du inte hoppade över?

Grunt fokus

Du använder vanligtvis ytligt fokus när du vill betona en detalj - minns du flugan? En bild med ytligt fokus innebär att du har ditt motiv i skarp fokus. Och samtidigt förblir alla andra element i förgrunden och bakgrunden oskarpa. Grunt fokus är en utmärkt filmteknik för att införliva ett litet skärpedjup.

Lär dig mycket mer om alla viktiga tekniker för filmfotografering.

Djupt fokus

Till skillnad från ytlig fokus innebär djup fokus att man använder ett stort skärpedjup. Det betyder att allt och alla nu är i fokus. Du använder vanligtvis detta när du vill att publiken ska få en fin titt på landskapet, genom att till exempel använda en master shot.  Du kan också använda det om du vill att publiken ska se elementen i en viss scen.

Tilt-shift-fokus

Den här typen av fokusering avser en förändring av objektivets position. Ett tilt-shift-objektiv gör att en del av din bild visas i skarpt fokus och andra oskarpt.

Mjukt fokus

Till skillnad från någon av de andra fokusbilderna håller mjukfokus ingenting i kristallklart fokus. Två saker kan orsaka den här typen av fokus; antingen är det ett fel i ditt objektiv (jag hoppas inte det) eller genom speciella filter. Mjukt fokus är idealiskt för att skildra en dröm eller ett minne.

Delad diopter

En delad diopter är ett extra linselement som gör att två brännvidder kan fungera samtidigt. Uppnå både fokus i förgrunden och bakgrunden samtidigt som du håller mellangrunden oskärpt (det är vad jag kallar mind-blowing).

Kamerautrustning som krävs

Nu när du känner till alla viktiga kameravinklar, rörelser, skott och fokuseringstyper måste du känna till utrustningen som hjälper dig att få jobbet gjort.

Stativ

Vissa säger att du kan använda handhållet stativ, men kan du verkligen det? Försök att ta något så enkelt och lätt som en penna, lyft den - kan du hålla den helt stilla? Eller till och med helt rakt?

Förmodligen inte!

Och när det gäller panoreringar och lutningar eller andra kamerarörelser eller vinklar för den delen vill du ha en flytande svepande rörelse, och det är där stativet kommer till nytta.

Slider shot

Med en slider skjuts din kamera på en vertikal eller horisontell axel. Tänk på det som en dolly monterad på ett stativ. Glidaren hjälper dig att flytta kameran från vänster till höger på ett flytande och stabilt sätt.

Steadicam-bild

Antag att du är ganska förtjust i tanken på att använda handhållen kamera men inte vill gå miste om den komfort och stabilitet som en slider eller ett stativ kan ge. I det fallet kan en Steadicam vara det magiska verktyget för dig. Den använder en kamerastabilisator som fästs på kameramannen. Och bom, nu har du smidiga och stabila kamerarörelser.

Gimbal-bild

Gimbals hjälper också till att uppnå stabila och jämna bilder, men är perfekt när du filmar i trånga utrymmen. Den använder sig av motoriserade gyroskop för att minska friktionen, och den är mycket mer kompakt än någon Steadicam.

Kranbild

En kran sveper vanligtvis upp och över en scen. Därför är det ett utmärkt sätt att avsluta, precis innan regissören ger det sista "CUT". Den gör det möjligt att betona räckvidd och skala och kan ta din bild från toppen till botten eller tvärtom - utan problem.

Jib shot

Jib fungerar på samma sätt som en lyftkran. I likhet med kranen sveper den kameran uppåt och över kulissen. Men till skillnad från kranen kan jiben vara något begränsad i räckvidd och rörelse. Å andra sidan är den mer kompakt och använder motvikter.

Drönarbild

Om du vill skapa den där höga och ovanliga bilden kan du koppla kameran till en drönare och skicka upp den i luften - se vad som händer. Jag garanterar att det blir en intressant bild.

Gör dig redo för start med den bästa drönaren för dig och ditt projekt.

Låt dig inspireras. Utforska filmskapande.

Upptäck vad de olika typerna av kameravinklar kan göra med ditt material. Lär dig mer om filmskapande och vikten av att känna till varje process som det innebär.

Vanliga frågor om kameravinklar