Filmfotografering [2023]: Vad, hur och varför

Att definiera filmkonsten

Vad är kinematografi? Precis som allt annat inom den kreativa industrin är filmfotografering en konstform. I ordbokstermer är kinematografi "konsten att göra rörliga bilder".

Kinematografi omfattar flera filmiska element, såsom scenkomposition, inramning, val av kamera, val av objektiv tillsammans med annan kamerautrustning, kamerarörelse, ljussättning, skärpedjup, zoom, kamerafokus, färg, exponering och eventuellt införande av specialeffekter.

Om det lät som en ordentlig munsbit, så har du rätt! Det finns mycket att göra med filmfotografering. Dina val av filmografi kommer att påverka hur publiken reagerar på det de ser.

Ties Versteegh

Cinematografiska tekniker 101 med DOP Ties Versteegh

Är du intresserad av kinematografi? Möt din instruktör Ties Versteegh, som kommer att gå igenom filmfotografins hörn i denna Masterclass-session.

Trailer

NFmmsLm33bI

Intro

0

X7zTyeITZGs

Skott och vinklar

52

Inledande bilder

294

Avslutande bilder

371

Belysning

492

Kamerans fokus

718

Placering av kameran

753

Kamerans rörelse

797

Filter

845

Känslor på film

885

Skapa berättelser

943

Utrustning

1070

Avslutande

1337

Träffa din instruktör

Wekzb_f2jIM

Vad du kommer att lära dig

Varför du aldrig ska zooma när kameran rör sig.

Varför du aldrig ska göra en fokusdragning i dina bilder.

Varför du aldrig ska visa något som är asymmetriskt.

Hur du lyckas med den holländska vinkeln eller den amerikanska bilden.

Hur man får till de inledande och avslutande bilderna på rätt sätt.

Hur du använder olika ljustekniker för dina bilder.

Varför du alltid ska berätta din historia i en enda bild.

Varför du ska vrida ner bländaren när du fotograferar filmiskt.

Att bara definiera filmfotografin som en konstform är dock milt sagt missvisande. Att göra film är inte bara en speciell konstform. Visst är det en del av den, men det finns så mycket mer än så.

Precis som med språk tar det åratal att odla den. Om du någonsin har försökt lära dig franska vet du att kampen är verklig. En skicklig filmfotograf måste kunna kommunicera olika tekniker som används för att fånga bilderna.

Tekniskt sett är kinematografi konsten och vetenskapen att registrera ljus antingen elektroniskt på en bildsensor eller kemiskt på film. Det är att ta en serie bilder och forma dem till en sammanhängande berättelse. Kinematografin komponerar varje bild och överväger var allt i ramen kräver uppmärksamhet.

Skillnaden mellan fotografering och filmfotografering

Båda verksamheterna slutar på "graphy", och jag skulle säga att det är där, de delar den största likheten.

Fotografering kan vara ett komplett verk i sig självt; kinematografi innebär att man behandlar relationer mellan bilder och en grupp av bilder.

Fotografin tillåter också ett mycket större självständigt arbete. Cinematografi är mycket mer samarbetsinriktad och förlitar sig mycket på ett gäng människor. Cinematografen gör det inte ensam utan arbetar snarare tillsammans med manusledare, regissörer, ljussättare, skådespelare och många andra.

Med andra ord: fotografi är COVID-19-vänligt, filmfotografering... inte så mycket.

Varför är filmfotografin viktig?

Bortsett från att faktiskt göra filmen?

Det är den viktiga delen! Inga hemliga skatter eller dolda ledtrådar.

Kameraföreställning handlar om att skapa och stödja filmens övergripande utseende och stämning. Det är kinematografens uppgift att förverkliga regissörens alla visioner. En filmfotograf är som en gudmor för filmskapande.

Vad gör en filmfotograf?

Att välja en kamera, känna till olika typer av kameralinser och justera ljussättningen - allt detta ingår i filmfotografens arbete. Att vara filmfotograf är ett mångfacetterat jobb som kräver lika delar konstnär, tekniker och chef - ungefär som en lyxresort med all-inclusive-erbjudande.

Jag vet att allt detta låter lite hektiskt och mycket att ta på sig för en person - missförstå mig inte, det är det! Det finns dock en ljusning i detta. Ju mer du arbetar och ju mer du övar, desto mer sannolikt kommer ditt hantverk att utvecklas. Med tiden kommer du att bli lättfotad genom en hel bild. Har du någonsin hört frasen "övning ger färdighet"?

Nu när vi har gått igenom vad en filmfotograf är. Låt oss ta en titt på de element som cinematografi är.

Uppgifter och ansvar inom cinematografi

Fastställa det visuella utseendet.

Cinematografi innebär att välja det visuella utseendet och känslan för filmen. Tänk om The Blair Witch Project inte hade filmats med en dokumentär look - skulle den ha blivit en ikonisk sensation? Eller tänk om La La Land inte hade filmats med anamorfisk lins för att ge den den romantiska känslan.

Om du vill veta mer om den anamorfa linsen och vad den kan ge din film kan du läsa mycket mer om vad det är och varför du bör använda den. Eller om du redan har koll på alla grunder kan du hitta det bästa anamorfiska objektivet för ditt nästa projekt - La La Land Vol. 2, kanske?

Hur du närmar dig en film kommer i slutändan att avgöra vilken typ av film publiken får se. Både La La La Land och The Blair Witch Project skulle ha varit helt andra filmer om någon annan filmteknik hade varit i bruk.

Bestäm kamerauppställningen

Cinematografi innebär också att fastställa en kamerauppställning för varje. Single. Shot. En filmfotograf har många uppgifter och ansvarsområden. Att bestämma typer av kameror, objektiv, kameravinklar och allmänt nödvändiga kameratekniker är en del av det. Du måste överväga, in i minsta detalj, vilka cinematografiska tekniker som ska användas för att ge scenen liv.

Kom ihåg att en scen kanske är bäst med ett prime-objektiv, medan en annan scen bör använda ett zoomobjektiv. Eller kanske bör öppningsbilden vara en bild i ögonhöjd, men nästa bild bör vara en extrem närbild. Listan skulle kunna fortsätta, men du förstår vad jag menar.

Vad är mer? Du arbetar inte ensam. Du samarbetar med manusförfattare, regissörer och, om det behövs, med platschefer. För att hitta varje scens utformning och önskade stämning måste du ta hänsyn till alla dessa önskemål och visioner för att hjälpa till att hålla rätt visuell attraktionskraft.

Bestäm dig för en belysningsuppställning

Bestäm den rätta belysningsuppställningen för varje scen. Inom filmskapande måste du förstå vikten och den filmförändrande effekten som en korrekt belysningsuppställning kan ha. Du behöver filmbelysningstekniker för att skapa den visuella stämning som regissören försöker uppnå.

En filmfotograf måste veta hur han eller hon ska förbättra egenskaper som en bilds djup, kontrast och kontur - allt du behöver göra för att stödja berättelsens atmosfär gör du.

Gudfadern-filmerna har utan tvekan satt sitt avtryck i filmvärlden - en del av det avtrycket? Belysning. Gordon Willis, som instruerade filmerna, ändrade sättet att belysa stjärnor. För första gången hade man ett ljus över karaktären som gjorde skuggor så att man inte kunde se skådespelarens ögon. På sätt och vis en så enkel teknik men ändå ett genidrag. Den unika belysningen satte stämningen och bidrog till att bygga upp karaktären Gudfadern.

Vad är ditt genidrag?

Lär känna platsen.

Filmfotografering innebär mer än att hitta lämpliga bilder och vinklar. De begåvade filmfotograferna förstår att platsen spelar en viktig roll. En filmfotograf måste utforska platsen för varje scen - vilken potential har platsen?

Anta att vintern är på väg, och du filmar platsen på ett sätt som ser mer ut som att ett par Margheritas är på väg, tja. I det fallet kan det lätt förstöra hur publiken tolkar stämningen. Vet vilka tekniker du ska använda, textur, kontrast, färg och så vidare.

Använd repetitionerna till din fördel

Som vanliga dödliga kan det vara svårt att förutse allting. Så använd skådespelarens repetitioner till din fördel. Det är möjligt att du redan har i åtanke hur du vill fånga en viss scen, och även om det är trevligt i teorin måste det också fungera i praktiken. Du kanske har gjort allting enligt manuskriptet, men om skådespelarna inte fångas framgångsrikt i det blir det ingen bra bild.

Delta i repetitioner för att se hur skådespelarna rör sig i en viss scen. Lägg märke till om de har några specifika gester eller ansiktsuttryck som du vill fånga och justera din inställning därefter.

Var en rådgivare till regissören.

Filmfotografering innebär att fånga regissörens vision och göra den till verklighet. Regissören är dock lika mycket människa som alla andra. Det kan finnas fantastiska idéer där ute som regissören inte har tänkt på. En bra filmfotograf måste fylla den potentiella luckan med nya idéer och koncept för att hjälpa till att ta filmen till nästa nivå.

Tekniker för filmfotografering

Nu när du har fått en bättre förståelse för vad filmfotografering är och för en filmfotografs ansvarsområden och uppgifter kan vi gå över till filmfotografspecifik jargong.

Belysning

Du har läst om det ovan och jag nämner det igen. Belysning är filmförändrande!

Ljussättningen spelar en grundläggande roll för vad publiken ser och upplever. Den sätter stämningen. Ta till exempel komedier. I dessa används vanligtvis högintensiv belysning för att ta bort alla områden med mörker eller skuggor, jag menar, om det inte handlar om en skruvad humor, men det är en annan historia. Genrer som thrillers och noirfilmer föredrar däremot lågmäld belysning för att framhäva stämningen och mystiken. Tänk dig Sin City med "komiska" ljuspunkter - jag vet, precis vad jag menar.

I stora produktioner har du ett ljusteam. Som chef för filmfotografin måste du veta vilken typ av belysning som är bäst.

Innan vi gräver i vilken typ av belysningsuppställning du bör använda, låt oss gå tillbaka till grunderna.

Ljus mäts i Kelvin (K), som mäter temperaturskalan. Ju lägre K desto rödare ton har ljuset. En högre K innebär däremot mer av gult, vitt och blått ljus. För att sätta det i perspektiv: En klarblå himmel kan ha 10 000 K... Kom ihåg solskydd, barn.

Nu till ljussättningen

Den vanligaste belysningsuppställningen är trepunktsbelysningen. Namnet är ett ganska stort avslöjande när det gäller den här. Det är en belysningsuppställning där du använder tre ljuskällor.

Den första punkten är huvudljuset, även den primära ljuskällan, som ger viktig belysning till det objekt, den person eller den epok du vill visa. Ljuset lyser direkt på ett motiv från antingen främre höger eller främre vänster. Syftet med huvudljuset är att skapa en övergripande atmosfärisk stämning.

Det andra ljuset är fyllningsljuset, som fyller motivet med ett mjukare ljus. Om du bara använder ett litet fyllningsljus kommer du att få många skuggor och få ett mörkt och mystiskt utseende. Om huvudljuset är placerat framme till vänster ska fyllnadsljuset placeras framme till höger.

Det tredje och sista ljuset är motljuset, även kallat randljus. Detta ljus ger motivet ett tredimensionellt utseende. Precis som namnet antyder placeras det på baksidan av motivet. Att ha ett motljus hjälper till att separera motivet från bakgrunden.

Du kan lägga till fler ljus i scenen när du vill och beroende på vad du försöker förmedla.

Denna trepunktsbelysning är bara början. Tänk utanför lådan! Använd ljuset i olika vinklar, stäng av det, lägg till tio till - vad du än vill - bryt reglerna.

Typer av ljus

Precis som det finns oändliga ljusuppställningar finns det oändliga belysningstyper - vilken glädje!

För filmproduktioner finns det vissa typer av lampor som är vanligare och mer användbara än andra. Försök därför att bekanta dig med lampor som t.ex. volfram, HMI, lysrör och LED. Och naturligtvis den ljuskälla som moder jord gav oss - solen (exklusiv nyhet: den är gratis att använda).

Bildstorlek och bildkomposition

Tänk på hur mycket av bilden som publiken ska kunna se. Ska publiken se hela Grand Canyon genom att använda en extrem vidvinkel, eller ska de få en intensiv stirrkamp med Gyllenhaal genom att använda en extrem närbild?

Ett av de mest kritiska besluten inom filmfotografin är kompositionen av bilden. Med komposition menas hur varje bild är inramad och alla element inom ramen. Det är en viktig aspekt av filmfotografin eftersom den kan bidra till att avgöra vad publiken ser, vet och känner.

Här är en uppdelning av de olika typerna av skottstorlekar och kompositioner.

Extremt bred bild. Dessa är vanligtvis i början av en scen. Det hjälper publiken att identifiera var scenen utspelar sig. Den här bilden bör vara ett foto av en plats som du vet att publiken kommer att känna igen direkt. Visa Golden Gate Bridge - inte den lokala Delhi.

Bredbild. Den breda bilden visar karaktären från topp till tå. Dessa bilder visar publiken sammanhanget och utrymmet i scenen.

Medelsvår eller mellansvår bild. Denna skottstorlek visar personen från midjan och uppåt. Dessa typer av skott är vanligtvis avsedda för att filma ett samtal.

Medellång skottbild. Dessa typer av bilder ramar in motivet från knäet och uppåt. Ofta innebär detta att publiken fokuserar mer på omgivningen än på själva karaktären.

Medelstor närbild. Den visar karaktären från mitten av bröstet och uppåt. Syftet är att betona karaktärens ansiktsuttryck och kroppsspråk.

Närbild. Dessa kommer vanligtvis att vara i en känslomässig scen, där vi vill se allt som motivet tänker och känner. Använd den här skottstorleken för dramatiska scener där publiken ska känna en viss känsla för just den scenen.

Två och tre bilder. Som namnet antyder är detta för när två eller tre personer är med i bilden. Tänk dig ett samtal mellan två personer; publiken ser både den som pratar och den som reagerar, vilket hjälper dem att förstå innebörden av samtalet. Om publiken bara fokuserar på en person i taget visas den person som talar. När denna person slutar prata kan den andra personens reaktion visas i en separat bild.

Över axeln. Namnet är en spoiler, men detta är den typ av bild som du tar över karaktärernas axel. Publiken ser axeln och en sida av den andra personens ansikte och hals. Syftet är att ge publiken en subjektiv synvinkel eller få publiken att känna att de är en del av handlingen.

Bild från en synvinkel (point-of-view shot). Den här typen av bild är mycket lik den som tas över axeln. Publiken får samma observation som karaktären - utan att axeln och sidan av huvudet syns. Detta är mer av en första person-bild, där publiken ser vad karaktären ser och är mer benägen att ta en mil i karaktärens skor.

Högvinklad bild. Kameran tittar ner på motivet från ovanför deras ögonhöjd. När en regissör vill använda en högvinkelbild är det vanligtvis för att han/hon vill visa karaktären som svag, sårbar eller underlägsen. Det kan också skapa en övervakningsliknande känsla eller på annat sätt som användbart för att ge mer information ur ett narrativt perspektiv.

Lågvinkelbild. I direkt kontrast till högvinkelbilden är lågvinkeln en kameravinkel där motivet ses under deras ögonhöjd. De används oftast för att signalera status, överlägsenhet eller dominans - för att skapa elaka skurkar eller hjältar som är större än livet.

Skott i ögonhöjd. Kameran är placerad så att motivet kan titta direkt in i linsen utan att flytta ögonen uppåt eller nedåt. Det är för att simulera en neutral vy. Det är bra att använda för att fånga ansiktsuttryck och känslor. Om du strävar efter att dra in publiken och få dem att knyta an till motivet är en bild i ögonhöjd ett bra val.

Dolly shot. En dolly shot är som en tracking shot där motivet följs på en dollyvagn. De används för att ta jämna och kontrollerade bilder, nästan som om kameran svävar. Det kan vara bra för att rikta betraktarens uppmärksamhet och är fantastiskt för att avslöja en plats.

Ärligt talat skulle jag kunna fortsätta, men det finns förmodligen en tid och plats för det. Poängen är att det finns så många alternativ när det gäller skottstorlekar och vinklar som alla kan bidra till att stödja berättelsen.

På tal om kameravinklar - lär dig alla viktiga kameravinklar (psst, och även skottstorlekar, komposition och mycket annat). Jag antar att jag har hittat tiden och platsen för det ;-)

Kamerafokus

En del av filmfotografin är att använda kamerafokus för att betona olika aspekter av berättelsen. Låt oss ta ett exempel.

Låt oss säga att du filmar en scen med en äldre person. Hon berättar en historia från sin ungdom, medan hon berättar sin historia dyker en flashback upp. Dessa flashbacks har dock inte samma stil, de är suddiga, mer framhävda och ser mer romantiska ut. Detta gör att berättelsen om vår äldre karaktär verkar som en explosion från det förflutna.

Ett annat exempel? Tänk dig Mr Chow på väg tillbaka från en galen natt i Las Vegas. För att illustrera att han inte är nykter - Vegas... Bilden går in och ut ur fokus. Tillräckligt för att publiken nästan ska känna sig yr.

Det är naturligt att man är lite tveksam till att låta sin bild gå in och ut ur fokus - när har det någonsin varit bra, eller hur? Saken är den att det är denna lek med fokus som en filmfotograf kan använda för att framhäva de väsentliga elementen i en berättelse.

Placering av kameran

En stor del av filmfotografin är hur kamerans placering. Är den nära motivet eller långt borta? Detta påverkar hur publiken reagerar på bilden och därmed resten av scenen.

Olika kameraplaceringar kan ha en betydande inverkan på hur publiken uppfattar en karaktärs beteende och bidrar till att skapa hela scenens stämning. Var filmfotografen väljer att placera kameran påverkar scenens känslomässiga tyngd.

Låt oss säga att du placerar kameran nära två personer som äter lunch; du kanske lämnar publiken med en känsla av "Jag vill ha det hon äter".  Du kan placera kameran långt bort från paret, vilket skapar en känsla av övervakning, att någon iakttar dem.

Kamerans rörelse

Att röra sig eller inte röra sig...

Välj att flytta kameran i takt med att karaktärerna rör sig och skapa en känsla av perspektiv eller välj att hålla den statisk. När karaktärerna rör sig får publiken en känsla av separation.

Denna filmteknik kan också förändra hur publiken uppfattar en film.

Har du någonsin sett Fast & Furious? De har gjort 40 filmer, vilket är ganska imponerande om du inte har gjort det. Poängen är att när biljakten pågår rör sig kameran i takt med jakten. På så sätt intensifieras scenen eftersom publiken nu är placerad mitt i konflikten. Tänk dig en statisk kamera; det skulle inte bli särskilt spännande eftersom de skulle vara borta i ett ögonblick - definitivt inte värt 40 filmer.

Men i en annan situation, till exempel i ett kontorsdrama, kan en statisk kamera bidra till att öka spänningen. Utan någonstans att fly är åhörarna tvungna att vänta medan dramat pågår.

Kamerautrustning

Det här är ganska självklart - för att kunna leka med kamerarörelser, bildstorlek, komposition och fokus behöver du... en kamera.

Cinematografi innebär att välja rätt kamera för filmproduktionen. Och med så många kameraalternativ där ute är det uppriktigt sagt lätt att gå vilse.

Du kanske har en stor budget, men det betyder inte att du ska skaffa den dyraste kameran. Eller så kanske du behöver en filmisk look, men då är en actionkamera som GoPro mest lämplig. Även om du kanske tittar på en kameras tekniska kapacitet bör du inte enbart titta på detta.

Fokusera i stället på vilken kamera som passar ditt syfte på bästa möjliga sätt.

För att hjälpa dig att hitta den bästa kameran för din nästa film kan du läsa mer om de bästa professionella biografkamerorna för filmskapande.

Ytterligare utrustning

En stor del av filmfotografin är att hitta utrustning som kan stödja den visuella berättelsen. Allt från kameror och objektiv till dollies och gimbals är vad en filmfotograf ansvarar för att bestämma. En filmfotograf måste överväga vilken utrustning som kommer att hjälpa till att förverkliga regissörens vision.

Vissa kommer att hävda att ett objektiv är lika viktigt, om inte viktigare, än själva kameran, och jag skulle kunna vara benägen att hålla med. Men det är en annan historia och inte poängen. Poängen är att kameralinser är en avgörande faktor. Överlag finns det två olika objektiv du kan välja mellan.

Primalobjektivet är förmodligen det objektiv som oftast används inom filmfotografin. Ett prime-objektiv är ett objektiv med en fast brännvidd, vanligtvis mellan 20-120 mm, vilket innebär att du bara kan ändra bildvinkeln genom att fysiskt flytta kameran. Anledningen till att så många använder det för filmfotografering beror på dess överlägsna optiska kvalitet.

Den andra typen av objektiv som du hittar är zoomobjektivet. Till skillnad från primära objektiv har zoomobjektiven justerbara brännvidder, vilket gör det möjligt att manipulera bildvinkeln i större utsträckning. Även om zoom möjliggör mycket flexibilitet (vilket vi gillar), kompromissar det med bildkvalitet, vikt och bländare. Men om du gör en film där du behöver fotografera ett stort antal motiv, till exempel landskap och porträtt, är zoomobjektivet perfekt.

När du väl har fått det fastslaget försöker du planera vilka andra typer av utrustning du behöver. Om du vet vad scenen kräver kan du bestämma vilken typ av utrustning som kommer att stödja scenens visuella uttryck.

Överväg om du bör skaffa ett stativ. Dessa är bra om du vill uppnå en stadig bild eller bara en enkel panorering, lutning eller zoom. Om du använder ett zoomobjektiv kan du låsa stativet på plats och låta objektivet göra allt zoomarbete. Om du däremot planerar att använda ett primära objektiv kan du ställa stativet på en dolly som gör det åt dig.

En dolly, frågar du?

En dolly är en platt plattform med hjul (vanligtvis). Du låter dollyen fånga de smärtfria rörelserna. En dolly används ofta för att ta spårningsbilder.

Liknande dollyen är kranen, jag sa liknande, inte samma. Placera kameran på en kran eller en jib för att rama in karaktärer från högt upp eller långt borta. Medan vissa dollies är digitalt styrda, styrs andra manuellt av kameramannen. Om du inte har obegränsade utrustningsmedel är kranar också en utmärkt ersättning för drönare.

Det finns massor av kamerautrustning som kan vara relevant för din film. Så se till att planera, samarbeta med regissören och ta reda på vad du behöver för att göra din film till nästa "och Oscarsen går till...".

Att komma igång som filmfotograf

Att gå igenom hela det här inlägget tar tid eftersom, låt oss inse det - det är mycket. Och allt är inte lika enkelt i verkligheten som det är på pappret. Det enda sättet att bli ett geni inom cinematografi är att börja filma.

Japp, det är mitt råd.

Det finns saker som studier, läsning och YouTube-videor inte kan lära dig.

Vad behöver du veta för att komma igång som filmfotograf? Låt oss ta reda på det. Lezgo.