Ett kunskapspaket för filmskapare: 31 viktiga tekniker att lära sig

Om du vill komma in i filmvärlden måste du bekanta dig med de vanligaste filmteknikerna som proffsen har använt i årtionden.

Läs vidare för att lära dig mer om kamerabelysningstekniker, filmiska kompositioner, kamerarörelser och ljuddesign.

31 Viktiga filmtekniker

Följande 31 filmtekniker är viktiga för att förstå att filma ett betydande projekt eller att gå in i en filmstudio i någon roll.

Artikeln är uppdelad i avsnitt för att underlätta din läsning.

Tekniker för kamerabelysning

Belysning är en ofta förbisedd del av amatörproduktioner. Underskatta inte dess inverkan eftersom den starkt påverkar hur publiken ser på scenen.

Den ger en specifik känsla som hjälper tittarna att navigera i inslagets ämnen och känslor.

Ljusets placering, kvalitet och temperatur påverkar alla scenen och bör övervägas noggrant. Kolla in den här guiden för att lära dig mer om filmljus.

1. Cameo-belysning

Kamerabelysning har en enda strålkastare som fokuserar på en karaktär eller ett objekt och ger den publikens fulla uppmärksamhet. Detta fokus i cameobelysningen blir starkt accentuerat och ses ofta i ett änglaljus.

2. Floodlighting

Floodlighting eller wash lighting är en grundläggande filmteknik som belyser hela scenen jämnt med hjälp av kraftfulla ljuskällor med bredstrålande ljuskällor. Den används traditionellt för att belysa en teaterscen eller en byggnads exteriör.

Det ger ett jämnt ljus över hela scenen som inte påverkar tittarens känslor.

3. Bakgrundsbelysning

En bakgrundsbelysning i en film hänvisar till en ljuskälla som är placerad bakom skådespelarna jämfört med kamerans perspektiv. Denna belysning definierar karaktärernas drag och får dem att framträda dramatiskt, särskilt mot en mörk bakgrund.

4. Trepunktsbelysning

Trepunktsbelysning är en klassisk uppställning med ett huvudljus, fyllnadsljus och motljus. Dessa ljuskällor är placerade runt scenen för att skapa ett tilltalande och smickrande system.

Den här traditionella metoden är standard för flera film- och fotograferingstyper. Dess effekt kan variera beroende på vilka ljuskvaliteter som används.

5. Stämningsbelysning

Stämningsbelysning är en filmteknik som bygger på färglära. Den är centrerad kring dramatiska uppställningar som har märkbara varma eller kalla ljuspaletter. Blått ljus används till exempel ofta för att projicera sorg och andra negativa känslor.

Komposition av bilder

Som skapare har du rikliga alternativ när du komponerar dina scener. Hur mycket av dina inställningar kommer du att visa? Vilket intryck vill du lämna hos tittarna?

Tänk på följande tekniker för filmfotografering av bilder innan du skapar din bildlista för ditt nästa projekt.

6. Extremt långskott

En extrem långskott fångar ett stort område och fokuserar på omgivningen snarare än på karaktärerna som rör sig längs den. Den används för att visa skalan på motiv och sätta dem i sitt sammanhang i sin omgivning, ofta för etableringsbilder.

Om du föreställer dig en grupp hjältar som går genom en stor öken kommer du förmodligen att tänka på en ELS.

7. Fågelperspektiv

En bird's eye shot är en teknik för flygfilmning där scenen filmas i en hög vinkel. Det imiterar hur fåglar skulle se en stad eller ett landskap från ovan. Det är därifrån den har fått sitt namn!

Den här kompositionen används ofta för etableringsbilder för att hjälpa publiken att veta var handlingen äger rum. Den kan presentera platsen eller panorera över en stridsscen för att fördjupa publiken och förmedla massor av information.

8. Långskott

En långbild är en bild som omfattar hela motivet, oftast en människa, i sin helhet från topp till tå. Den involverar och beskriver omgivningen utan att föra tittarna för nära karaktären.

Scener med den här kompositionen fokuserar på miljöerna eller handlingarna på skärmen snarare än karaktärens känslor.

9. Medellång skottbild

En medium shot är en av de vanligaste typerna. Den visar ungefär hälften eller en tredjedel av karaktärernas kroppar. Det är ett utmärkt val för dialoger eftersom det förmedlar information samtidigt som kroppsspråk och ansiktsuttryck förblir synliga.

Medium shots används ofta i dokumentära intervjuer och romantiska komedier.

10. Närbild

Denna filmiska teknik visar ett objekt eller en karaktär på kort avstånd. När den används för människor är den ofta fokuserad på skådespelarens huvud och ansikte.

En närbild lyfter fram specifika detaljer eller förmedlar starkt känslor. Den hjälper publiken att förstå eller känna med i handlingarna på skärmen.

11. Extrem närbild

En extrem närbild är, som namnet antyder, en bild som delvis ramar in en karaktärs ansikte. Det är ofta deras ögon eller läppar. Används för dramatiska eller intensiva scener kan det ses som ett konstnärligt val.

Denna teknik är starkt laddad med känslor och framkallar ofta en känsla av obehag eller tryck hos tittarna.

12. Holländsk vinklingsbild

En holländsk vinkel är en kreativ filmteknik där kameran roteras så att horisonten inte är parallell med bildens botten.

Den används för att förmedla desorientering och oro, ofta i skräckfilmer eller thrillers.

13. Skott över axeln

En över-skuldra-inspelning används under dialoger. Kameran är placerad bredvid huvudet på en eller båda karaktärerna. Det är ett utmärkt sätt att hjälpa publiken att fördjupa sig i konversationen och till och med ta på sig rollen som en karaktär.

Det visar upp de talande parternas kontakt på ett sätt som känns autentiskt.

14. Skott ur synvinkel

En point-of-view- eller POV-bild låter tittarna se genom en karaktärs ögon. Det får publiken att känna sig som en del av berättelsen och ofta relatera till karaktärerna. POV-inspelningar görs genom att montera en kamera på utrustning på skådespelarens huvud.

15. Flygbild

Flygbilder är scener med hög vinkel som ofta fångas av drönare. De liknar bilder ur fågelperspektiv och används för att etablera scener och visa upp platsen och geografin.

Denna filmkompositionsteknik fungerar ofta som en öppnings- eller slutscen.

Kamerarörelse

Kamerarörelse är en filmteknik som används för att styra publikens fokus och avslöja information som ursprungligen befann sig utanför ramen.

Flera traditionella kamerarörelser har fungerat i årtionden. Om du vill ha en experimentell eller spetsig känsla kan du överväga en handhållen kamera med gimbal.

16. Tilt shot

I tilt shot rör sig kameran vertikalt uppåt eller nedåt från en fast position. Den används för att styra publikens fokus och kan användas för dramatiska avslöjanden eller inledande bilder.

17. Panorering

En panoreringsshot innebär att kameran vrids runt en horisontell axel medan den förblir stationär som vid tilting. Panoreringar är ännu vanligare i de flesta typer av film och biograf.

De visar upp omgivningen och gör det möjligt för filmskapare att förmedla mer information utan att flytta kameran.

Panorering och lutning måste vara smidiga och gradvisa för att se professionella ut. Hoppiga eller vingliga panoreringar används endast i punktbilder.

18. Zoombild

En zoombild är en teknik utan någon egentlig kamerarörelse. Den för visuella objekt närmare eller längre bort från kameran genom att justera objektivet. Zoombilder görs med zoomobjektiv som gör det möjligt att ändra brännvidden i farten.

19. Kranbild

En kranbild är en typ av bild eller rörelse där kameran är monterad på en kran eller jib. Under scenen rör den sig uppåt eller nedåt vertikalt, ganska långsamt.

En kranbild används i slutet av en film eller under actionscener som involverar en folkmassa. De tillför spänning och fungerar också utmärkt för dramatiska avslöjanden.

20. Spårbild

En tracking shot är en teknik där kameran följer karaktärerna när de rör sig längs ramen. Om det inte vore för denna dynamiska rörelse skulle motivet lämna ramen.

Tracking shots görs vanligen med en dolly, men de kan utföras manuellt där kameramannen är utrustad med en gimbal eller stabilisator.

Redigering av filmtekniker

Postproduktionsfasen drar ihop filmerna där skaparna ser till att handlingen är sammanhängande, rolig och vältajmad.

Professionell och skicklig videoredigering är avsiktlig och nästan omärklig. Den lägger sig inte på historien utan ser snarare till att allt är flytande.

21. Tvärgående

Cross-cutting eller parallell redigering är en videoredigeringsteknik där tittaren ser två scener som utvecklas samtidigt medan man växlar fram och tillbaka.

Det används vanligtvis för att belysa förhållandet mellan de nämnda scenerna. Det kan handla om likheter, skillnader eller någon form av samband.

22. Dissolve

En dissolve eller lap dissolve är en gradvis övergång mellan scener. Under en dissolve försvinner en bild långsamt medan den andra bilden gradvis tonas in.

Denna redigeringsövergång överbryggar scener med varandra på ett sätt som antyder konsekvens. Den kan indikera förändringar i tid eller plats och knyta samman händelser logiskt.

23. Snabb klippning

Snabbklippning beskriver en sekvens där flera på varandra följande bilder växlar snabbt och inte dröjer kvar på samma bild längre än 3 sekunder vardera. Denna metod skapar dynamiska och energiska sekvenser och används ofta i actionfilmer.

Det är också ett utmärkt val för dialoger där ickeverbala reaktioner är avgörande för berättandet.

24. J-cut

En J-cut är en scenövergång där sekvensen knyts ihop med ljud innan den är visuell. I praktiken innebär detta att publiken hör nästa scen innan den faktiskt ses.

J-cuts gör sömlösa övergångar som tittarna ofta inte märker medvetet. De är lätta att genomföra och har en betydande inverkan på hur flytande berättandet är.

25. Hoppklipp

Ett jump cut är en redigeringsmetod där övergången mellan scenerna är omedelbar och ofta skakande. Den visar ofta samma element med ett språng framåt i tiden, till exempel att en skådespelares ansikte klipps till att han eller hon är i samma position men något äldre.

26. Montage

Ett montage eller intercut är en serie scener som redigeras ihop för att spara tid och förmedla massor av information eller en tidsförflyttning. Montage håller scenen dynamisk och energisk och används ofta för att visa förändringar över tid.

27. Sekvensskott

En sekvensbild, även känd som en lång tagning, hänvisar till en berättande sekvens som innehåller flera scener. Dessa scener knyts inte ihop i efterproduktionen utan spelas in i en enda tagning full av skickliga och kreativa kamerarörelser.

28. Smash cut

En smash cut används för att ställa två kontrasterande scener bredvid varandra och framhäva skillnader. De skiljer sig från jump cuts eftersom de visar en liknande scen där ett element, vanligtvis tiden, har ändrats.

De kan till exempel visa en armé som firar sin seger och plötsligt avslöja en familj som sörjer sin älskade på en begravning.

29. Torka av

En wipe är en ovanlig övergångsteknik där en bild ersätter en annan genom en rörelse från sida till sida. När den föregående bilden glider ut dyker nästa bild upp.

Moderna filmer använder inte regelbundet wipe-övergångar. De förekommer mest i tecknade filmer och andra barnfilmer.

Ljudtekniker

Ljuddesign får en film att leva och hjälper publiken att fördjupa sig i filmens eller seriens värld.

Det finns två viktiga kategorier av ljud i en film som filmare måste förstå:

30. Diegetiskt ljud

Diegetiskt ljud i en film avser allt och alla ljud som härrör från filmens värld. Detta inbegriper dialog, ljudet av grus som krossas när karaktären går och de livliga ljuden från trafiken utanför fönstret.

Källan till det diegetiska ljudet behöver inte finnas på skärmen, men publiken måste dela en förståelse för att ljudet kommer direkt från filmen.

31. Icke-diegetiskt ljud

Icke-diegetiskt ljud omfattar alla ljud som finns där för publiken och som filmkaraktärerna inte kan höra. Dessa ljud består av ljudspåret, bakgrundsmusik, berättande och foley-effekter.

Nästa: 50+ kameravinklar och skott

Slutligen är du bekant med terminologin för 31 professionella filmtekniker.

Vilka av dem kommer du att prova i din nästa produktion?

Nästa: 50+ kameravinklar och skott som alla filmare måste känna till.

Utöka dina kunskaper om filmskapande för att bli nästa Scorsese eller Spielberg.