Cinematografie [2023]: Het wat, hoe en waarom

De kunst van het cinematograferen

Wat is cinematografie? Cinematografie is, net als al het andere in de creatieve industrie, een kunstvorm. In woordenboektermen is cinematografie "de kunst van het maken van bewegende beelden".

Cinematografie omvat meerdere filmische elementen, zoals scènecompositie, kadrering, camerakeuze, lenskeuze samen met andere camera-apparatuur, camerabeweging, lichtopstelling, scherptediepte, zoom, camerafocus, kleur, belichting, en mogelijk het toevoegen van speciale effecten.

Als dat klinkt als een hele mond vol, dan heb je het goed! Er komt heel wat kijken bij cinematografie. De keuzes die je maakt op het gebied van cinematografie zullen van invloed zijn op hoe het publiek reageert op wat ze zien.

Ties Versteegh

Cinematografie Technieken 101 met DOP Ties Versteegh

Geïnteresseerd in Cinematografie? Maak kennis met je instructeur Ties Versteegh, die in deze Masterclass sessie de hoekjes van de cinematografie doorneemt.

Trailer

NFmmsLm33bI

Intro

0

X7zTyeITZGs

Opnamen & hoeken

52

Openingsshots

294

Slotopnamen

371

Verlichting

492

Camera focus

718

Plaatsing van de camera

753

Camerabeweging

797

Filters

845

Emoties in film

885

Verhalen creëren

943

Uitrusting

1070

Beëindigen

1337

Ontmoet je instructeur

Wekzb_f2jIM

Wat zul je leren

Waarom je nooit moet zoomen als de camera beweegt.

Waarom je nooit een focus pull moet doen in je opnamen.

Waarom je nooit iets moet laten zien dat asymmetrisch is.

Hoe je de Nederlandse hoek of het Amerikaanse shot maakt.

Hoe je de openings- en sluitingsshots goed maakt.

Hoe gebruik je verschillende belichtingstechnieken voor je shots.

Waarom je je verhaal altijd in één frame moet vertellen.

Waarom je je diafragma lager moet zetten als je filmopnamen maakt.

Cinematografie louter definiëren als een kunstvorm is echter lichtelijk misleidend. Films maken is niet alleen een speciale vorm van kunst. Dat is waar, het is er een deel van, maar er komt zoveel meer bij kijken.

Net als talen kost het jaren om het te cultiveren. Als je ooit Frans hebt geprobeerd te leren, weet je dat het een hele strijd is. Een bekwame cinematograaf moet in staat zijn om de verschillende technieken die gebruikt worden om de opnames te maken, over te brengen.

Technisch gesproken is cinematografie de kunst en wetenschap van het vastleggen van licht, hetzij elektronisch op een beeldsensor, hetzij chemisch op film. Het is het nemen van een reeks opnamen en die tot een samenhangend verhaal vormen. Cinematografie stelt elk shot samen en bedenkt waar alles in het frame de aandacht opeist.

Het verschil tussen fotografie en cinematografie

Beide activiteiten eindigen op "graphy," en ik zou zeggen dat dat de plaats is, waar ze de meeste gelijkenis vertonen.

Fotografie kan een volledig werk op zich zijn; cinematografie houdt in dat men zich bezighoudt met relaties tussen opnamen en een groep opnamen.

Fotografie laat ook veel meer zelfstandigheid toe in het werk. Cinematografie is veel meer een samenwerkingsproject en is sterk afhankelijk van een groep mensen. De cinematograaf doet het niet alleen, maar werkt samen met scriptbegeleiders, regisseurs, belichters, acteurs en vele anderen.

Anders gezegd: fotografie is COVID-19-vriendelijk, cinematografie... niet zozeer.

Waarom is cinematografie belangrijk?

Afgezien van het daadwerkelijk maken van de film?

Dat is het belangrijke deel! Geen geheime schatten of verborgen aanwijzingen.

Cinematografie gaat over het bepalen en ondersteunen van de algemene look en sfeer van de film. Het is de taak van de cinematograaf om alle visies van de regisseur uit te laten komen. Een cinematograaf is als een goede fee van het filmmaken.

Wat doet een cinematograaf?

Een camera kiezen, de verschillende soorten cameralenzen kennen en de belichting afstellen - dat maakt allemaal deel uit van het werk van een cinematograaf. Cinematograaf zijn is een baan met vele facetten en vereist een gelijke rol voor artiest, technicus en manager - zoiets als een all-inclusive luxe resort.

Ik weet dat dit allemaal een beetje hectisch klinkt en veel is voor één persoon - begrijp me niet verkeerd, dat is het ook! Maar er is ook een positieve kant. Hoe meer je werkt, en hoe meer je oefent, hoe groter de kans dat je vak zal evolueren. Na verloop van tijd zul je gemakkelijk door een hele opname heen komen. Ooit gehoord van de uitdrukking "oefening baart kunst"?

Nu we hebben doorgenomen wat een cinematograaf is. Laten we eens kijken naar de elementen van cinematografie is.

De taken en verantwoordelijkheden in de cinematografie

De visuele look bepalen

Cinematografie houdt in het kiezen van de visuele look en feel voor de film. Stel je voor dat The Blair Witch Project niet was opgenomen met een documentaire look - zou het dan een iconische sensatie zijn geworden? Of stel je voor dat La La Land niet was gefilmd met de anamorphische lens om het romantische gevoel te geven.

Als je meer wilt weten over de anamorfe lens en wat die aan je film kan geven, kun je veel meer lezen over wat het is en waarom je het zou moeten gebruiken. Of als je alle basisprincipes al onder de knie hebt, kun je op zoek gaan naar de beste anamorphic lens voor je volgende project - La La Land Vol. 2, misschien?

Hoe je een film benadert, zal uiteindelijk bepalen wat voor film het publiek te zien krijgt. Zowel La La Land als The Blair Witch Project zouden totaal andere films zijn geweest als er andere cinematografietechnieken in het spel waren geweest.

Bepaal de cameraopstelling

Cinematografie houdt ook in dat je een cameraopstelling bepaalt voor elke. Enkel. shot. Een cinematograaf heeft een hoop taken en verantwoordelijkheden. Het bepalen van de soorten camera's, lenzen, camerahoeken, en algemeen benodigde cameratechnieken is daar een onderdeel van. Je moet tot in het kleinste detail overwegen welke cinematografietechnieken je moet gebruiken om de scène tot leven te brengen.

Bedenk dat de ene scène misschien het best tot zijn recht komt met een prime lens, terwijl een andere scène het best met een zoomlens kan worden opgenomen. Of misschien moet de openingsshot een shot op ooghoogte zijn, terwijl de volgende een extreme close-up moet zijn. En zo kan ik nog wel even doorgaan, maar je snapt het wel.

En nog meer? U werkt niet alleen. Je werkt samen met scriptbegeleiders, regisseurs en, indien nodig, locatiemanagers. Om het ontwerp en de gewenste sfeer van elke scène te vinden, moet je rekening houden met al deze wensen en visies om de juiste visuele aantrekkingskracht te behouden.

Beslis voor een lichtopstelling

Bepaal de juiste lichtopstelling voor elke scène. Bij het maken van films moet je het belang en het filmveranderende effect begrijpen dat een juiste lichtopstelling kan hebben. Je hebt filmbelichtingstechnieken nodig om de visuele sfeer te creëren die de regisseur probeert te bereiken.

Een cinematograaf moet weten hoe hij kenmerken als diepte, contrast en contouren van een beeld kan versterken - wat je ook moet doen om de sfeer van het verhaal te ondersteunen, je doet het.

Ongetwijfeld hebben de Godfather-films hun stempel gedrukt op de filmwereld - een deel van dat stempel? Verlichting. Gordon Willis, die de films instrueerde, veranderde de manier om sterren te belichten. Voor het eerst had je een licht boven het personage dat schaduwen maakte, zodat je de ogen van de acteur niet kon zien. Eigenlijk zo'n simpele techniek en toch een geniale zet. Deze unieke belichting zette de sfeer en hielp het personage Godfather op te bouwen.

Wat is jouw geniale zet?

Leer de locatie kennen.

Cinematografie houdt meer in dan het vinden van de juiste shots en hoeken. De getalenteerde cinematografen begrijpen dat de locatie een belangrijke rol speelt. Een cinematograaf moet de plaats van elke scène verkennen - wat is het potentieel van die locatie?

Stel dat de winter eraan komt, en je filmt de locatie op een manier die er meer uitziet alsof er een stel margherita's op komst is, nou. In dat geval kan dat de manier waarop het publiek de sfeer interpreteert gemakkelijk verpesten. Weet welke technieken je moet gebruiken, textuur, contrast, kleur, enzovoort.

Gebruik repetities in uw voordeel

Als gewone stervelingen kan het moeilijk zijn om op alles te anticiperen. Gebruik de acteursrepetities dus in je voordeel. Het is mogelijk dat u al in gedachten hebt hoe u een bepaalde scène wilt vastleggen, en hoewel dat in theorie mooi is, moet het in de praktijk ook werken. Je hebt misschien alles volgens het script gedaan, maar als de acteurs er niet goed in gevangen zitten, wordt het geen geweldige opname.

Woon repetities bij om te zien hoe de acteurs zich in een bepaalde scène bewegen. Kijk of ze specifieke gebaren of gezichtsuitdrukkingen hebben die je wilt vastleggen en pas je opstelling daarop aan.

Wees een adviseur voor de regisseur.

Cinematografie is het vastleggen van de visie van de regisseur en die werkelijkheid laten worden. De regisseur is echter net zo goed een mens als ieder ander. Er kunnen geweldige ideeën zijn waar de regisseur niet aan heeft gedacht. Een goede cinematograaf moet dat potentiële gat opvullen met nieuwe ideeën en concepten om de film naar een hoger niveau te tillen.

Cinematografische technieken

Nu je een beter begrip hebt van wat cinematografie is en wat de verantwoordelijkheden en taken van een cinematograaf zijn, kunnen we meer ingaan op cinematografie-specifieke lingo.

Verlichting

Je hebt er hierboven over gelezen, en ik zeg het nog eens. Verlichting is film-veranderend!

De lichtopstelling speelt een fundamentele rol in wat het publiek ziet en ervaart. Het bepaalt de sfeer. Neem bijvoorbeeld komedies. Deze zullen meestal gebruik maken van high-key verlichting om alle gebieden van duisternis of schaduwen te verwijderen, ik bedoel, tenzij het een verdraaide gevoel van humor is, maar dat is een ander verhaal. Omgekeerd zullen genres als thrillers of noirfilms doorgaans de voorkeur geven aan een lage belichting om de sfeer en het mysterie te benadrukken. Stel je Sin City voor met "komische" hoogtepunten - ik weet het, precies mijn punt.

Bij grote producties heb je een belichtingsploeg. Als hoofd cinematografie moet je weten wat het beste type belichting is.

Voordat we ons gaan verdiepen in wat voor soort belichting je moet gebruiken, gaan we even terug naar de basis.

Licht wordt gemeten in Kelvin (K), dat is de temperatuurschaal. Hoe lager de K, hoe roder de tint van het licht. Een hogere K daarentegen betekent meer geel, wit en blauw licht. Om het in perspectief te plaatsen: Een heldere blauwe lucht kan 10.000 K hebben... Denk aan zonnebrandcrème, kinderen.

Nu de lichtopstelling

De meest gebruikelijke lichtopstelling is de driepuntslichtopstelling. Nou, de naam zegt het al. Het is een lichtopstelling waarbij je drie lichtbronnen gebruikt.

Het eerste punt is de hoofdverlichting, ook wel de primaire lichtbron genoemd, die essentiële verlichting geeft aan het voorwerp, de persoon of het tijdperk dat je wilt laten zien. Het licht schijnt rechtstreeks op een onderwerp van rechtsvoor of linksvoor. Het doel van het hoofdlicht is een algemene atmosferische stemming tot stand te brengen.

Het tweede licht is het invullicht, dat het onderwerp zal vullen met een zachter licht. Als u slechts één kleine invullamp gebruikt, krijgt u veel schaduwen en een donkere en mysterieuze uitstraling. Als het hoofdlicht linksvoor is geplaatst, moet het invullicht rechtsvoor worden geplaatst.

Het derde en laatste licht is het tegenlicht, ook wel randlicht genoemd. Dit licht geeft een driedimensionaal uiterlijk aan het onderwerp. Zoals de naam al doet vermoeden, wordt het achteraan het onderwerp geplaatst. Met tegenlicht kun je je onderwerp van de achtergrond scheiden.

U kunt naar believen en afhankelijk van wat u wilt overbrengen meer lampen aan de scène toevoegen.

Deze driepuntsverlichting is nog maar het begin. Denk buiten het kader! Gebruik het licht in verschillende hoeken, zet het uit, voeg er nog tien toe - wat je maar wilt - breek de regels.

Soorten verlichting

Net zoals er een oneindige verlichtingsopstelling is, is er een oneindig verlichtingstype - wat een vreugde!

Voor filmproducties zijn er bepaalde soorten lampen, die vaker voorkomen en nuttiger zijn dan andere. Probeer dus vertrouwd te raken met lampen zoals Tungsten, HMI, Fluorescent, en LED. En natuurlijk, de lichtbron die moeder aarde ons gaf - de zon (exclusief nieuws: die is gratis te gebruiken).

Shotgrootte en shotcompositie

Denk na over hoeveel van de opname het publiek moet kunnen zien. Moet het publiek de hele Grand Canyon zien door een extreem breed shot te gebruiken, of moeten ze een intense staarwedstrijd met Mr Gyllenhaal beleven door een extreem close-up shot te gebruiken?

Een van de meest cruciale beslissingen in de cinematografie is de compositie van het shot. Compositie is de manier waarop elk shot is gekadreerd en alle elementen binnen dat frame. Het is een cruciaal aspect van de cinematografie, omdat het mede kan bepalen wat het publiek ziet, weet en voelt.

Hier volgt een uitsplitsing van de verschillende soorten opnamegroottes en composities.

Extreem breed shot. Deze staan meestal aan het begin van een scène. Het helpt het publiek te bepalen waar de scène zich afspeelt. Deze opname moet een foto zijn van een locatie waarvan je weet dat het publiek die onmiddellijk zal herkennen. Toon de Golden Gate Bridge - niet de plaatselijke Delhi.

Breed shot. De wide shot toont het personage van top tot teen. Deze opnamen tonen het publiek de context en de ruimte van een scène.

Medium- of middenopname. Deze shotgrootte toont het individu vanaf de taille omhoog. Dit soort shots wordt meestal gebruikt voor het filmen van een gesprek.

Medium-lang shot. Dit soort opnamen omkadert het onderwerp vanaf de knie en hoger. Vaak betekent dit dat het publiek zich meer richt op de omgeving dan op het personage zelf.

Medium Close-Up Shot. Dit toont het personage vanaf het midden van zijn borstkas en hoger. Het doel is de gezichtsuitdrukkingen en de lichaamstaal van het personage te benadrukken.

Close-up shot. Dit zal meestal in een emotionele scène zijn, waar we alles willen zien wat het onderwerp denkt en voelt. Gebruik dit shotformaat voor dramatische scènes waarin het publiek enige emotie bij die bepaalde scène moet voelen.

Twee-opnamen en drie-opnamen. Zoals de naam al zegt, is dit bedoeld voor scènes waarin twee of drie mensen in beeld zijn. Stel je een gesprek voor tussen twee mensen; het publiek ziet zowel de prater als de "reaguurder", wat hen helpt de betekenis van hun gesprek in zich op te nemen. Als het publiek zich slechts op één persoon tegelijk concentreert, dan wordt de persoon die spreekt getoond. Wanneer deze persoon stopt met praten, kan de reactie van de andere persoon in een apart shot worden getoond.

Over-de-schouder-shot. De naam is een spoiler, maar dit is het soort shot dat je over de schouder van de personages neemt. Het publiek ziet de schouder en één kant van het gezicht en de nek van de andere persoon. Het doel is om het publiek een subjectief gezichtspunt te geven of het publiek het gevoel te geven dat ze deel uitmaken van de actie.

Point-of-view shot. Dit type shot lijkt erg op het over-de-schouder shot. Het publiek krijgt dezelfde waarneming als het personage - zonder dat de schouder en de zijkant van het hoofd zichtbaar zijn. Dit is meer een eerste-persoon-beeld, waarbij het publiek ziet wat het personage ziet en meer geneigd is om in de schoenen van dat personage te gaan staan.

High-angle shot. De camera kijkt op het onderwerp neer van boven zijn ooghoogte. Wanneer een regisseur een shot vanuit een hoge hoek wil gebruiken, is dat meestal omdat hij/zij het personage als zwak, kwetsbaar of inferieur wil afschilderen. Het kan ook een bewakingsgevoel opwekken of nuttig zijn om meer informatie te geven vanuit een verhalend perspectief.

Low-angle shot. In direct contrast met de hoge hoek, is de lage hoek een camerahoek waarbij het onderwerp wordt gezien onder zijn ooghoogte. Ze worden meestal gebruikt om status, superioriteit of dominantie aan te geven - om gemene schurken of meer dan levensgrote helden te creëren.

Opname op ooghoogte. De camera wordt zo geplaatst dat de geportretteerde recht in de lens kan kijken zonder zijn ogen op of neer te bewegen. Het is bedoeld om een neutrale blik te simuleren. Het is goed te gebruiken voor het vastleggen van gezichtsuitdrukkingen en emoties. Als u het publiek wilt betrekken en hen een band met het onderwerp wilt laten opbouwen, is een opname op ooghoogte een goede keuze.

Dolly-opname. Een dolly-opname is een soort volgshot waarbij het onderwerp wordt gevolgd op een dollykarretje. Ze worden gebruikt om vloeiende en gecontroleerde opnamen te maken, bijna alsof de camera zweeft. Het kan geweldig zijn om de aandacht van de kijker te leiden en het is fantastisch om een locatie te onthullen.

Eerlijk gezegd zou ik door kunnen gaan, maar daar is waarschijnlijk een tijd en plaats voor. Het punt is dat er zo veel opties zijn als het gaat om de grootte en de hoek van een opname, die allemaal kunnen helpen om het verhaal te ondersteunen.

Over camerahoeken gesproken - leer alle essentiële camerahoeken (psst, en shotmaten, compositie en nog veel meer, ook). Ik denk dat ik de tijd en plaats ervoor heb gevonden ;-)

Camerafocus

Onderdeel van cinematografie is het gebruik van camerafocus om verschillende aspecten van het verhaal te benadrukken. Laten we een voorbeeld nemen.

Laten we zeggen dat je een scène filmt van een bejaarde. Ze vertelt een verhaal uit haar jeugd, terwijl ze haar verhaal vertelt, verschijnt er een flashback. Deze flashbacks zijn echter niet in dezelfde stijl; ze zijn wazig, meer uitgelicht, en zien er romantischer uit. Hierdoor lijkt het verhaal van ons bejaarde personage op een explosie uit het verleden.

Een ander voorbeeld? Stel je voor dat Mr. Chow op de terugweg is van een dolle nacht in Las Vegas. Om te illustreren dat hij niet nuchter is - Vegas... Het shot gaat in en uit focus. Genoeg om het publiek bijna duizelig te maken.

Het is normaal dat je een beetje huiverig bent om je shot in en uit focus te laten gaan - wanneer heeft dat ooit iets goeds gedaan, toch? Maar het is dit spel met focus dat een cinematograaf kan gebruiken om de essentiële elementen van een verhaal te benadrukken.

Camera plaatsing

Een belangrijk onderdeel van cinematografie is de plaatsing van de camera. Staat hij dicht bij het onderwerp of juist ver weg? Dit beïnvloedt hoe het publiek reageert op het shot, en dus op de rest van de scène.

Verschillende cameraposities kunnen een aanzienlijke invloed hebben op hoe het publiek het gedrag van een personage waarneemt en helpen de sfeer van de scène te bepalen. Waar de cinematograaf de camera neerzet, beïnvloedt het emotionele gewicht van de scène.

Stel dat je de camera dicht bij twee mensen plaatst die aan het lunchen zijn, dan kun je het publiek het gevoel geven van "Ik neem wat zij ook neemt."  Je kunt de camera ook ver weg van het stel plaatsen, wat een gevoel van bewaking geeft, dat iemand hen in de gaten houdt.

Camera beweging

Bewegen of niet bewegen...

Kies ervoor om de camera te bewegen als de personages bewegen en creëer een gevoel van perspectief of kies ervoor om de camera stil te houden. Als de personages bewegen, krijgt het publiek een gevoel van afscheiding.

Deze cinematografie techniek kan ook veranderen hoe het publiek een film ziet.

Ooit Fast & Furious gezien ? Ze hebben er zo'n 40 gemaakt, dus behoorlijk indrukwekkend als je dat niet hebt. Het punt is, als de auto achtervolging verder gaat, beweegt de camera mee met de achtervolging. Op die manier wordt de scène intenser omdat het publiek nu midden in het conflict zit. Stel je een statische camera voor; er zou niet veel opwinding zijn omdat ze in een oogwenk weg zouden zijn - zeker geen 40 films waard.

Maar in een andere situatie, bijvoorbeeld in een kantoordrama, kan een statische camera de spanning helpen opvoeren. Het publiek kan nergens heen en wordt gedwongen te wachten terwijl het drama zich afspeelt.

Camera-uitrusting

Dit is eigenlijk een open deur - om te spelen met camerabewegingen, shotgrootte, compositie en focus, heb je een camera nodig.

Cinematografie betekent het kiezen van de juiste camera voor de filmproductie. En met zoveel camera opties die er zijn, is het eerlijk gezegd makkelijk om te verdwalen.

Je hebt misschien een groot budget, maar dat betekent niet dat je de duurste camera moet nemen. Of misschien heb je een filmische look nodig, maar is een actiecamera zoals de GoPro het meest geschikt. Hoewel je misschien kijkt naar de technische mogelijkheden van een camera, moet je daar niet alleen naar kijken.

Richt je in plaats daarvan op welke camera het beste bij jouw doel past.

Om u te helpen de beste camera voor uw volgende film te vinden, leest u meer over de beste professionele filmcamera's voor filmmaken.

Extra uitrusting

Een groot deel van cinematografie is het vinden van apparatuur die het visuele verhaal kan ondersteunen. Alles van camera's en lenzen tot dollies en gimbals is waar een cinematograaf verantwoordelijk voor is om te beslissen. Een cinematograaf moet bedenken met welke apparatuur hij de visie van de regisseur kan realiseren.

Sommigen zullen beweren dat een lens even belangrijk, zo niet belangrijker is dan de eigenlijke camera, en ik zou geneigd zijn het daarmee eens te zijn. Maar dat is een ander verhaal en niet het punt. Het punt is dat cameralenzen een deal-breaker zijn. In het algemeen zijn er twee verschillende lenzen waaruit je kunt kiezen.

De prime lens is waarschijnlijk de lens die het meest wordt gebruikt in de cinematografie. Een prime lens is een lens met een vaste brandpuntsafstand, meestal tussen 20-120mm, wat betekent dat je de beeldhoek alleen kunt veranderen door de camera fysiek te bewegen. De reden waarom zovelen deze lens voor cinematografiedoeleinden gebruiken, is de superieure optische kwaliteit.

Het andere type lens dat u zult vinden, is de zoomlens. In tegenstelling tot de prime lens hebben de zoomlenzen instelbare brandpuntsafstanden, waardoor een grotere manipulatie van de beeldhoek mogelijk is. Hoewel zoom veel flexibiliteit mogelijk maakt (wat wij prettig vinden), gaat dit ten koste van de beeldkwaliteit, het gewicht en het diafragma. Als je echter een film maakt waarbij je een breed scala aan onderwerpen moet fotograferen, zoals landschappen en portretten, is een zoomlens perfect.

Als je dat eenmaal hebt vastgelegd, probeer dan te plannen welke andere apparatuur je nodig hebt. Als je weet waar de scène om vraagt, kun je beslissen welke apparatuur de visuele expressie van die scène zal ondersteunen.

Overweeg of je een statief nodig hebt. Deze zijn goed als u een stabiele opname wilt maken of gewoon wilt pannen, kantelen of zoomen. Als u een zoomlens gebruikt, kunt u het statief vastzetten en de lens al het zoomwerk laten doen. Als u daarentegen van plan bent een prime lens te gebruiken, zet het statief dan op een dolly om het werk voor u te doen.

Een dolly, vraagt u?

Een dolly is een plat platform met wieltjes (meestal). Dan laat je de dolly die vloeiende bewegingen vastleggen. Een dolly wordt vaak gebruikt om tracking shots te maken.

Vergelijkbaar met de dolly is de kraan, ik zei vergelijkbaar, niet hetzelfde. Plaats je camera op een kraan of een jib om personages van hoog boven of ver weg in beeld te brengen. Terwijl sommige dolly's digitaal bestuurd worden, worden andere manueel bestuurd door de cameraman. In het geval dat u niet beschikt over onbeperkte apparatuur fondsen, kranen zijn ook een uitstekende vervanging voor drones.

Er zijn tal van camera-apparatuur die relevant kunnen zijn voor uw film. Zorg er dus voor dat u een planning maakt, samenwerkt met de regisseur en uitzoekt wat u nodig hebt om van uw film de volgende "and the Oscar goes to..." te maken.

Aan de slag als cinematograaf

Het doornemen van deze hele post kost tijd omdat, laten we eerlijk zijn - er is veel. En niet alles is in het echt even makkelijk als op papier. De enige manier om een genie te worden op het gebied van cinematografie is te beginnen met filmen.

Ja, dat is mijn advies.

Er zijn dingen die studies, leesvoer en YouTube-video's je niet kunnen leren.

Wat moet je weten om als cinematograaf aan de slag te gaan? Nou, laten we dat eens uitzoeken. Lezgo.