Vad är modefotografering? Att bryta ner modefotografins historia

Om du redan har en passion för mode och börjar titta mer på fotografering, varför inte kombinera dessa två intressen?

Modefotografering har följt en elektrifierande historia som lett till att den har blivit vad den är idag.

Fortsätt läsa för att få veta mer om dess förflutna och dess nuvarande jag.

Vad är modefotografi?

Modefotografi är en genre inom fotografi. Den fokuserar på att visa upp fashionabla kläder och föremål, och det är vanligast att den visas på reklamtavlor och modetidningar.

På bilderna syns vanligtvis modeller som bär de uppvisade föremålen. Många modefotografer har redan startat och utvecklat karriärer helt och hållet med modefotografering.

Modefotografins historia

Här är en snabb men grundlig översikt över den här fotografiska genrens historia.

Tidig modefotografering

De tidigaste modefotografierna gjordes på 1850- och 1860-talen.

År 1856 publicerade Adolphe Braun en bok med 288 fotografier av Virginia Oldoini, grevinnan di Castiglione, en toskansk adelsdam vid Napoleon III:s hov. Fotografierna visar henne i sin officiella hovklädsel, vilket gör henne till den första fotomodellen.

Modefotografering som en del av den parisiska kulturen

Ett annat kännetecken för dessa tidiga decennier var att de dokumenterade mode för parisiska modehus.

Bidragen från sådana viktiga parisiska modefotografer, nämligen Maison Reutlinger, Talbot, Felix, Henri Manuel och Boissonnas et Taponnier så tidigt som 1881, präglade den franska modefotografins historia.

De arbetade i studio, men Seeberger Frères tog också charmiga modebilder utomhus på de parisiska boulevarderna och på loppisen under 1900-talets första decennium.

Amerikansk modefotografering

Amerikansk modefotografi började uppmärksammas mellan 1900 och 1930.

Den första inflytelserika amerikanska modefotografen var den europeiskt födde baronen Adolf de Meyer, som hade kommit in i det fashionabla London-samhället genom sitt äktenskap med Donna Olga Alberta Caracciolo.

De Meyer förändrade modefotografin genom att bada sina bilder i en klar atmosfär och ett skimrande ljus, vilket skapade vad Vogue 1914 kallade "konstnärlig" fotografi. Detta tillvägagångssätt förändrade idén om vad ett modefotografi skulle vara.

År 1924 ersatte Edward Steichen mjukfokuseffekterna i de Meyers stil med de rena geometriska linjerna i den fotografiska modernismen. Steichen förde med sig en ny vision till modefotografin och visade en modern kvinna i sportkläder som speglade en ny, frigjord känsla av sig själv och hennes frihet från korsetten.

Många av Steichens viktigaste fotografier visade hans signaturmodell Marion Morehouse, som förkroppsligade den "moderna" kvinnans utseende, flappern.

Modefotograf efter andra världskriget

Modefotografin drabbades hårt när andra världskriget bröt ut 1939 på grund av bristen på material, modeller och säkra platser och på grund av demoraliseringen i attityden till mediet.

Mode sågs som en lättsinnig och onödig form av lyx, modetidningar betonade kvinnors roll i kriget, rationaliserade mode som moraliskt stärkande, publicerade krigsrapporter i stället för societetsrubriker och presenterade skräddarsydda, enkla och ofta trista kläder som var mer lämpliga för en värld som kännetecknades av dagliga rapporter om död och förstörelse.

Studiofotografering med dess komplicerade rekvisita och uppställning eliminerades nästan helt. Fotografer som Lee Miller i Paris och Cecil Beaton i London vände sig till en direkt dokumentär metod. Louise Dahl-Wolfe producerade några av 1940-talets mest inflytelserika amerikanska modefotografier med en tydlig, omisskännlig stil.

I och med krigsslutet ersatte New York Paris som modefotografins mecka. Amerikansk modedesign och konfektionsindustri nådde sina första internationella framgångar under efterkrigstiden.

Modefotografering under 60-talet

Modefotografin under 1960-talet utforskade socialt orienterade och exotiska teman. Detta berodde delvis på att modedesignen började visa inflytande från många olika källor, från bondestilar och "street"-stilar till kvinnornas befrielserörelse, rymdprogrammet och popkonst. Man bröt med konventioner, både när det gällde sociala sedvänjor och själva modet:

• Skandalösa, till synes oanvändbara kläder designades.
• Modellerna återspeglade en ny mångfald av "utseende" och ras.
• Mode omdefinierades till en utmanande marknad som dominerades av ungdomskulturen.

1960-talet var också den tid då vissa modefotografer, däribland Bert Stern och David Bailey, hade en högspänd livsstil, skyhöga arvoden och överdådiga studioinställningar.

Modefotografering på 70-talet

Under detta årtionde tog franska Vogue den kreativa ledningen inom modefotografin och erbjöd sina två ledande fotografer, Helmut Newton och Guy Bourdin, fullständig kreativ autonomi.

Deborah Turbeville producerade verk som speglade psykologisk förskjutning i den moderna världen, delvis genom sina slokande och stiliserade poser. Hon var den första som använde överviktiga och "fula" modeller och var därmed pionjär för en mer varierad modellstandard. Hennes "badhus"-fotografier som publicerades i Vogue (maj 1975) väckte stor uppståndelse genom att de framkallade den gräsliga auran av ett koncentrationsläger.

Modefotografi på 80-talet

Några av de mest kritiska redaktionella och reklammässiga modefotografierna på 1980-talet gjordes av Richard Avedon.

Hans bild av Nastassja Kinski, som visar hennes nakna jag med en gigantisk orm, blev en klassiker. Kvinnors styrka och självständighet betonades, från sportigt och atletiskt till dominerande och brutaliserande.

Ett flertal fotografer, däribland Denis Piel, Bruce Weber och Bert Stern, avbildade kvinnor som hotade män med allt från fickböcker till knivar och kedjor.

Modet i sig självt, särskilt i verk av designers som Jean Paul Gaultier och Azzedine Alaïa, bidrog till att forma utseendet på decenniets fotografier.

Modefotografi på 90-talet

Under århundradets sista decennium fortsatte Herb Ritts, Steven Meisel och Bruce Weber att producera några av de mest spännande och innovativa verken, bland annat Webers roliga hiphopversion av en svart Snövit och de sju dvärgarna och hans tolkning av grunge på mode på 1990-talet (bland annat den första postpunkiga näsringen i ett Vogue-modeuppslag).

Två av de stora modefotograferna, Irving Penn och Helmut Newton, fortsatte att dominera området.

Modellerna blev alltmer rasistiskt diversifierade, och flera svarta modeller, som Iman, Naomi Campbell och Karen Alexander, uppnådde status som kändis superstjärnor.

Modefotografering på 2000-talet

När det gäller de första åren av det tjugoförsta århundradet såg vi framväxten av unga talanger som Christophe Kutner, Glen Luchford, Javier Vallhonrat och Craig McDean.

De flyttade fram gränserna för modefotografering ännu en gång, tillsammans med glittriga och iögonfallande kläder och studios.

Det som är säkert är att modefotografi - oavsett om det publiceras i Vogue, W, Dazed and Confused eller Sleaze Nation - kommer att fortsätta att spegla samhället och den tid då det gjordes.

Lär dig modefotografering med James Nader

Som vi såg ovan var modefotografin, precis som alla andra områden, starkt påverkad av historia och samhällsförändringar.

Att ha fotografierna som ett arkiv över dessa tider är ett verkligt arv.

Om du brinner för mode och vill bli modefotograf kan du lära dig hur man kommer in i modefotografering med James Nader.