Un kit de conocimientos para cineastas: 31 técnicas esenciales para aprender
Si quieres adentrarte en el mundo del cine, tienes que familiarizarte con las técnicas cinematográficas más comunes que los profesionales han utilizado durante décadas.
Siga leyendo para aprender técnicas de iluminación de cámara, composiciones cinematográficas, movimientos de cámara y diseño de sonido.
31 Técnicas cinematográficas esenciales
Las siguientes 31 técnicas cinematográficas son esenciales para entender el rodaje de un proyecto importante o para entrar en un estudio de cine en cualquier función.
El artículo está dividido en secciones para facilitar su lectura.
Técnicas de iluminación de cámaras
La iluminación es un elemento que a menudo se pasa por alto en las producciones de aficionados. No subestime su impacto, ya que afecta en gran medida a la visión que el público tiene de la escena.
Proporciona una sensación específica que ayuda a los espectadores a navegar por los temas y emociones del reportaje.
La ubicación, la calidad y la temperatura de la luz afectan a la escena y deben tenerse muy en cuenta. Consulta esta guía para saber más sobre la iluminación en el cine.
1. Iluminación de camafeo
La iluminación de cámara presenta un único foco que se centra en un personaje u objeto, atrayendo toda la atención del público. Este foco de la luz de camafeo se acentúa mucho y con frecuencia se ve bajo una luz angelical.
2. Iluminación
La iluminación de inundación es una técnica cinematográfica básica que ilumina toda la escena de manera uniforme con la ayuda de potentes fuentes de luz de haz ancho. Tradicionalmente se utiliza para iluminar el escenario de un teatro o el exterior de un edificio.
Proporciona una luz uniforme en toda la escena que no afecta a las emociones del espectador.
3. Retroiluminación
El contraluz en una película se refiere a una fuente de iluminación situada detrás de los actores en comparación con la perspectiva de la cámara. Esta iluminación define los rasgos de los personajes y hace que destaquen de forma espectacular, especialmente sobre un fondo oscuro.
4. Iluminación de tres puntos
La iluminación de tres puntos es una configuración clásica que incluye una luz principal, una luz de relleno y una luz de fondo. Estas fuentes de iluminación se colocan alrededor de la escena para crear un sistema atractivo y favorecedor.
Este método tradicional es estándar para varios tipos de película y fotografía. Su efecto puede variar en función de la calidad de la luz utilizada.
5. Iluminación de ambiente
La iluminación ambiental es una técnica cinematográfica basada en la teoría del color. Se centra en montajes dramáticos con paletas de luz cálida o fría. Por ejemplo, la luz azul suele utilizarse para proyectar tristeza y otras emociones negativas.
Composición de la toma
Como creador, tienes abundantes opciones para componer tus escenas. ¿Qué parte del escenario quieres mostrar? ¿Qué impresión quieres dejar en los espectadores?
Ten en cuenta las siguientes técnicas de rodaje cinematográfico antes de crear la lista de tomas para tu próximo proyecto.
6. Tiro largo extremo
Un plano extremadamente largo capta un área amplia y se centra en el entorno más que en los personajes que se mueven por él. Se utiliza para mostrar la escala de los sujetos y situarlos en el contexto de su entorno, a menudo para establecer planos.
Si imagina a un grupo de héroes caminando por un vasto desierto, probablemente pensará en un ELS.
7. Vista de pájaro
Un plano a vista de pájaro es una técnica de filmación aérea en la que la escena se filma desde un ángulo elevado. Imita la forma en que los pájaros ven una ciudad o un paisaje desde arriba. De ahí viene su nombre.
Esta composición se utiliza a menudo para establecer planos que ayuden al público a saber dónde tiene lugar la acción. Puede presentar el lugar o hacer un paneo sobre una escena de batalla para sumergir al público y transmitirle mucha información.
8. Tiro largo
Un plano largo es cualquier plano que incluya a todo el sujeto, casi siempre una persona, en su totalidad, de la cabeza a los pies. Involucra y describe el entorno sin acercar demasiado al espectador al personaje.
Las escenas con esta composición se centran en los escenarios o las acciones en pantalla más que en las emociones del personaje.
9. Tiro medio
El plano medio es uno de los más utilizados. Muestra aproximadamente la mitad o un tercio del cuerpo de los personajes. Es una opción excelente para los diálogos, ya que transmite información mientras el lenguaje corporal y las expresiones faciales permanecen visibles.
Los planos medios se utilizan con frecuencia en entrevistas documentales y comedias románticas.
10. Primer plano
Esta técnica cinematográfica muestra un objeto o personaje a corta distancia. Cuando se utiliza con personas, suele centrarse en la cabeza y la cara del actor.
Un primer plano resalta detalles concretos o transmite emociones con fuerza. Ayuda al espectador a comprender o empatizar con las acciones que aparecen en pantalla.
11. Primer plano extremo
Un primer plano extremo, como su nombre indica, es un plano que encuadra parcialmente la cara de un personaje. Suelen ser los ojos o los labios. Se utiliza en escenas dramáticas o intensas y puede considerarse una elección artística.
Esta técnica está fuertemente cargada de emoción, y a menudo evoca una sensación de incomodidad o presión en los espectadores.
12. Toma angular holandesa
El ángulo holandés es una técnica cinematográfica creativa que consiste en girar la cámara para que el horizonte no quede paralelo a la parte inferior del encuadre.
Se utiliza para transmitir desorientación e inquietud, con frecuencia en películas de terror o thrillers.
13. Tiro por encima del hombro
La toma por encima del hombro se utiliza durante los diálogos. La cámara se sitúa junto a la cabeza de uno o ambos personajes. Es una forma estupenda de ayudar al público a sumergirse en la conversación e incluso a asumir el papel de un personaje.
Muestra la conexión entre los interlocutores de una forma auténtica.
14. Toma en perspectiva
El punto de vista permite al espectador ver a través de los ojos de un personaje. Hace que el público se sienta parte de la historia y a menudo se identifique con los personajes. Las tomas POV se realizan montando una cámara en un equipo situado en la cabeza del actor.
15. Toma aérea
Las tomas aéreas son escenas de gran angular captadas frecuentemente por drones. Similares a las tomas a vista de pájaro, se utilizan para establecer escenas y mostrar la ubicación y la geografía.
Esta técnica de composición cinematográfica suele servir como escena inicial o final.
Movimiento de la cámara
El movimiento de la cámara es una técnica cinematográfica utilizada para dirigir la atención del público y revelar información originalmente situada fuera del encuadre.
Varios movimientos de cámara tradicionales funcionaron durante décadas. Para dar una sensación experimental o atrevida, considera una cámara en mano con un cardán.
16. Tiro inclinado
El plano inclinado consiste en que la cámara se mueve verticalmente hacia arriba o hacia abajo desde una posición fija. Sirve para dirigir el foco de atención del público y puede utilizarse para revelaciones dramáticas o tomas introductorias.
17. Toma panorámica
Un plano panorámico consiste en girar la cámara sobre un eje horizontal mientras permanece inmóvil, como ocurre con el plano inclinado. Las panorámicas son aún más comunes en la mayoría de las películas y el cine.
Muestran el entorno y permiten a los cineastas transmitir más información sin mover la cámara.
Las panorámicas y las inclinaciones deben ser suaves y graduales para que parezcan profesionales. Los desplazamientos bruscos o tambaleantes sólo se utilizan en tomas puntuales.
18. Toma con zoom
Una toma con zoom es una técnica sin movimiento real de la cámara. Acerca o aleja las imágenes de la cámara ajustando el objetivo. Las tomas con zoom se realizan con objetivos zoom que permiten cambiar la distancia focal sobre la marcha.
19. Tiro de grúa
Un plano grúa es un tipo de plano o movimiento en el que la cámara está montada en una grúa o pluma. Durante la escena, se mueve verticalmente hacia arriba o hacia abajo, con bastante lentitud.
Los planos con grúa se utilizan al final de una película o en escenas de acción con multitudes. Aportan suspense y son ideales para revelaciones dramáticas.
20. Toma de seguimiento
El travelling es una técnica en la que la cámara sigue a los personajes mientras se mueven por el encuadre. Si no fuera por este movimiento dinámico, el sujeto saldría del encuadre.
Las tomas de seguimiento suelen realizarse con una dolly, pero pueden ejecutarse manualmente cuando el cámara está equipado con un cardán o estabilizador.
Técnicas de montaje de películas
La fase de postproducción es la que da forma a las películas y en la que los creadores se aseguran de que el argumento sea coherente, agradable y tenga buen ritmo.
El montaje de vídeo, profesional y hábil, es intencionado y casi imperceptible. No se impone a la historia, sino que se asegura de que todo sea fluido.
21. Transversal
El montajecruzado o en paralelo es una técnica de edición de vídeo en la que el espectador ve cómo se desarrollan dos escenas simultáneamente mientras se cambia de una a otra.
Suele utilizarse para destacar la relación entre las escenas mencionadas. Puede tratarse de similitudes, diferencias o cualquier tipo de conexión.
22. Disolver
Una disolución es una transición gradual entre escenas. Durante una disolución, una imagen desaparece lentamente mientras la segunda se desvanece gradualmente.
Esta transición de edición une las escenas de una manera que implica coherencia. Puede indicar cambios de tiempo o lugar y enlazar acontecimientos de forma lógica.
23. Corte rápido
El corte rápido describe una secuencia en la que varios planos consecutivos cambian rápidamente, sin detenerse en el mismo plano más de 3 segundos cada uno. Este método crea secuencias dinámicas y enérgicas y se utiliza a menudo en las películas de acción.
También es una gran elección para diálogos en los que las reacciones no verbales son cruciales para la narración.
24. Corte en J
Un corte en J es una transición de escena en la que la secuencia está unida por el audio antes de estarlo visualmente. En la práctica, esto significa que el público escucha la siguiente escena antes de verla.
Los cortes en J crean transiciones fluidas que los espectadores no suelen percibir conscientemente. Son fáciles de ejecutar y tienen un impacto significativo en la fluidez de la narración.
25. Corte de salto
El jump cut es un método de montaje en el que la transición entre escenas es inmediata y a menudo discordante. A menudo muestra los mismos elementos con un salto adelante en el tiempo, como la cara de un actor en la misma posición pero ligeramente más viejo.
26. Montaje
Un montaje o intercut es una serie de escenas editadas juntas para ahorrar tiempo y transmitir mucha información o un paso del tiempo. Los montajes mantienen el dinamismo y la energía de la escena y suelen utilizarse para mostrar cambios a lo largo del tiempo.
27. Toma de secuencia
También conocido como toma larga, un plano secuencia se refiere a una secuencia narrativa que contiene varias escenas. Estas escenas no se unen en postproducción, sino que se graban en una sola toma llena de movimientos de cámara hábiles y creativos.
28. Corte
Un smash cut se utiliza para yuxtaponer dos escenas contrastadas y resaltar las diferencias. Se diferencian de los jump cuts en que muestran una escena similar en la que un elemento, normalmente el tiempo, ha cambiado.
Por ejemplo, podrían mostrar a un ejército celebrando su victoria y, de repente, revelar a una familia llorando a su ser querido en un funeral.
29. Limpiar
Un barrido es una técnica de transición poco común en la que un tiro sustituye a otro mediante un movimiento de lado a lado. A medida que el disparo anterior se desliza hacia fuera, aparece el siguiente.
Las películas modernas no suelen utilizar transiciones de cortinilla. Aparecen sobre todo en dibujos animados y otras películas infantiles.
Técnicas de sonido
El diseño de sonido hace que una película cobre vida y ayuda al público a sumergirse en el mundo del largometraje o la serie.
Hay dos categorías importantes de sonido en una película que los cineastas deben comprender:
30. Sonido diegético
Elsonido diegético en una película se refiere a todos y cada uno de los sonidos que se originan en el mundo de la película. Esto incluye el diálogo, el sonido de la grava al ser aplastada por el personaje al caminar y el bullicio del tráfico al otro lado de la ventana.
No es necesario que la fuente del sonido diegético esté en la pantalla, pero el público debe comprender que el sonido procede directamente de la película.
31. Sonido no diegético
El sonido no diegético incluye todos los sonidos que están ahí para el público y que los personajes de la película no pueden oír. Estos sonidos son la banda sonora, la música de fondo, la narración y los efectos foley.
A continuación: Más de 50 ángulos de cámara y planos
Por último, conoce la terminología de 31 técnicas cinematográficas profesionales.
¿Cuáles probará en su próxima producción?
A continuación: Más de 50 ángulos de cámara y planos que todo cineasta debe conocer.
Amplíe sus conocimientos cinematográficos para convertirse en el próximo Scorsese o Spielberg.
¿Cuáles son algunas técnicas cinematográficas?
Las técnicas cinematográficas incluyen desde la composición de planos, como el ángulo holandés, hasta el diseño de sonido, como los sonidos no diegéticos.
¿Qué son las técnicas de producción en el cine?
Las técnicas de producción abarcan desde la preproducción hasta la posproducción de una película, pasando por el propio rodaje.
¿Cuáles son las 3 técnicas cinematográficas?
Las tres técnicas cinematográficas más comunes son los planos de cámara, los movimientos y los ángulos.
