Um kit de conhecimento para cineastas: 31 Técnicas Essenciais para Aprender
Se você deseja entrar no mundo da produção de filmes, precisa se familiarizar com as técnicas cinematográficas mais comuns que os profissionais usam há décadas.
Continue lendo para saber mais sobre técnicas de iluminação de câmera, composições cinematográficas, movimentos de câmera e design de som.
31 Técnicas essenciais de cinema
As 31 técnicas cinematográficas a seguir são essenciais para entender a filmagem de um projeto importante ou para entrar em um estúdio de filmagem em qualquer função.
O artigo está dividido em seções para facilitar a leitura.
Técnicas de iluminação da câmera
A iluminação é um elemento frequentemente negligenciado nas produções amadoras. Não subestime seu impacto, pois ele afeta fortemente a maneira como o público vê a cena.
Ele proporciona uma sensação específica que ajuda os espectadores a navegar pelos tópicos e emoções do recurso.
O posicionamento, a qualidade e a temperatura da luz afetam a cena e devem ser considerados com cuidado. Confira este guia para saber mais sobre iluminação de filmes.
1. Iluminação Cameo
A iluminação de câmera apresenta um único holofote que se concentra em um personagem ou objeto, chamando a atenção total do público. Esse foco da luz do camafeu fica muito acentuado e é frequentemente visto com uma luz angelical.
2. Iluminação por holofotes
Floodlighting ou wash lighting é uma técnica básica de filme que ilumina toda a cena uniformemente com a ajuda de fontes de luz potentes de feixe largo. É tradicionalmente usada para iluminar o palco de um teatro ou o exterior de um edifício.
Ele fornece uma luz uniforme em toda a cena que não afeta as emoções do espectador.
3. Iluminação de fundo
Uma luz de fundo em um filme refere-se a uma fonte de iluminação colocada atrás dos atores em relação à perspectiva da câmera. Essa iluminação define as características dos personagens e faz com que eles se destaquem dramaticamente, especialmente contra um fundo escuro.
4. Iluminação de três pontos
A iluminação de três pontos é uma configuração clássica que apresenta uma luz principal, uma luz de preenchimento e uma luz de fundo. Essas fontes de iluminação são posicionadas ao redor da cena para criar um sistema atraente e lisonjeiro.
Esse método tradicional é padrão para vários tipos de filmes e fotografias. Seu efeito pode variar de acordo com as qualidades de luz utilizadas.
5. Iluminação ambiente
A iluminação ambiente é uma técnica cinematográfica baseada na teoria das cores. Ela se concentra em cenários dramáticos que apresentam paletas de luz quente ou fria perceptíveis. Por exemplo, a luz azul é frequentemente usada para projetar tristeza e outras emoções negativas.
Composição da foto
Como criador, você tem muitas opções para compor suas cenas. Quanto de suas configurações você mostrará? Que impressão você quer deixar nos espectadores?
Considere as seguintes técnicas de filmagem cinematográfica antes de criar sua lista de filmagens para seu próximo projeto.
6. Foto extremamente longa
Uma tomada extremamente longa captura uma área ampla e se concentra nos arredores, e não nos personagens que se movem ao longo dela. É usada para mostrar a escala dos objetos e colocá-los no contexto de seu ambiente, geralmente para tomadas de estabelecimento.
Se você imaginar um grupo de heróis caminhando por um vasto deserto, provavelmente pensará em um ELS.
7. Foto de olho de pássaro
A tomada de vista aérea é uma técnica de filmagem aérea em que a cena é filmada em um ângulo alto. Ela imita como os pássaros veriam uma cidade ou paisagem de cima. É daí que vem seu nome!
Essa composição é frequentemente usada em tomadas de estabelecimento para ajudar o público a saber onde a ação ocorre. Ela pode apresentar o local ou fazer uma panorâmica sobre uma cena de batalha para envolver o público e transmitir muitas informações.
8. Tiro longo
Uma tomada longa é qualquer tomada que inclua todo o objeto, geralmente um ser humano, em sua totalidade, da cabeça aos pés. Ela envolve e descreve os arredores sem aproximar muito os espectadores do personagem.
As cenas com essa composição se concentram nos cenários ou nas ações na tela em vez de nas emoções do personagem.
9. Tiro médio
A tomada média é um dos tipos mais comumente usados. Ela apresenta cerca de metade ou um terço do corpo dos personagens. É uma excelente opção para diálogos, pois transmite informações enquanto a linguagem corporal e as expressões faciais permanecem visíveis.
As tomadas médias são usadas com frequência em entrevistas de documentários e comédias românticas.
10. Foto em close-up
Essa técnica cinematográfica apresenta um objeto ou personagem a uma curta distância. Quando usada para pessoas, geralmente é focada na cabeça e no rosto do ator.
Uma tomada em close-up destaca detalhes específicos ou transmite emoções intensamente. Ela ajuda o público a entender ou ter empatia com as ações na tela.
11. Foto em close-up extremo
Uma tomada de close-up extremo, como o nome sugere, é uma tomada que enquadra parcialmente o rosto de um personagem. Geralmente são os olhos ou os lábios. Usada em cenas dramáticas ou intensas, ela pode ser vista como uma escolha artística.
Essa técnica é fortemente carregada de emoção, muitas vezes evocando uma sensação de desconforto ou pressão nos espectadores.
12. Chute angular holandês
Um ângulo holandês é uma técnica criativa de filmagem em que a câmera é girada, de modo que o horizonte não fica paralelo à parte inferior do quadro.
É usado para transmitir desorientação e desconforto, frequentemente em filmes de terror ou suspense.
13. Chute por cima do ombro
Uma tomada por cima do ombro é usada durante os diálogos. A câmera é posicionada próxima à cabeça de um ou de ambos os personagens. É uma ótima maneira de ajudar o público a mergulhar na conversa e até mesmo a assumir o papel de um personagem.
Isso mostra a conexão entre os interlocutores de uma forma que parece autêntica.
14. Foto do ponto de vista
Uma tomada de ponto de vista ou POV permite que os espectadores vejam através dos olhos de um personagem. Isso faz com que o público se sinta parte da história e, muitas vezes, se identifique com os personagens. As tomadas de POV são feitas montando-se uma câmera em um equipamento na cabeça do ator.
15. Foto aérea
As imagens aéreas são cenas de alto ângulo capturadas com frequência por drones. Semelhantes às fotos aéreas, elas são usadas para estabelecer cenas e mostrar o local e a geografia.
Essa técnica de composição de filme geralmente serve como uma cena de abertura ou de encerramento.
Movimento da câmera
O movimento da câmera é uma técnica cinematográfica usada para direcionar o foco do público e revelar informações originalmente localizadas fora do quadro.
Vários movimentos de câmera tradicionais funcionaram por décadas. Para uma sensação experimental ou ousada, considere uma câmera de mão com um gimbal.
16. Tiro de inclinação
A tomada de inclinação apresenta a câmera movendo-se verticalmente para cima ou para baixo a partir de uma posição fixa. Ela é usada para direcionar o foco do público e pode ser usada para revelações dramáticas ou tomadas introdutórias.
17. Tomada panorâmica
Uma tomada panorâmica envolve girar a câmera em um eixo horizontal enquanto ela permanece parada, como acontece com a inclinação. As panorâmicas são ainda mais comuns na maioria dos tipos de filme e cinema.
Eles mostram o ambiente e permitem que os cineastas transmitam mais informações sem mover a câmera.
A panorâmica e a inclinação devem ser suaves e graduais para parecerem profissionais. As panorâmicas irregulares ou instáveis são usadas somente em fotos de ponto de vista.
18. Foto com zoom
Uma tomada com zoom é uma técnica sem nenhum movimento real da câmera. Ela aproxima ou afasta os elementos visuais da câmera ajustando a lente. As fotos com zoom são feitas com lentes de zoom que permitem alterar a distância focal em movimento.
19. Tiro do guindaste
Uma tomada de guindaste é um tipo de tomada ou movimento em que a câmera é montada em um guindaste ou lança. Durante a cena, ela se move verticalmente para cima ou para baixo, bem devagar.
Uma tomada com grua é usada no final de um filme ou durante cenas de ação que envolvem uma multidão. Elas aumentam o suspense e também funcionam muito bem para revelações dramáticas.
20. Tomada de rastreamento
Uma tomada de rastreamento é uma técnica em que a câmera segue os personagens à medida que eles se movem ao longo do quadro. Se não fosse por esse movimento dinâmico, o objeto sairia do quadro.
As filmagens de rastreamento são geralmente feitas com um dolly, mas podem ser executadas manualmente quando o operador de câmera está equipado com um gimbal ou estabilizador.
Técnicas de edição de filmes
A fase de pós-produção reúne os filmes, onde os criadores garantem que o enredo seja coerente, agradável e com bom ritmo.
A edição de vídeo profissional e habilidosa é intencional e quase imperceptível. Ela não se impõe à história, mas garante que tudo seja fluido.
21. Transversal
O corte transversal ou edição paralela é uma técnica de edição de vídeo em que o espectador assiste ao desenrolar de duas cenas simultaneamente, alternando entre elas.
Geralmente é usado para destacar a relação entre as cenas mencionadas. Podem ser semelhanças, diferenças ou qualquer tipo de conexão.
22. Dissolver
Um dissolve ou lap dissolve é uma transição gradual entre cenas. Durante um dissolve, uma imagem desaparece lentamente enquanto a segunda desaparece gradualmente.
Essa transição de edição une as cenas de uma forma que implica consistência. Ela pode indicar mudanças no tempo ou no local e ligar os eventos de forma lógica.
23. Corte rápido
O corte rápido descreve uma sequência em que várias tomadas consecutivas mudam rapidamente, não permanecendo na mesma tomada por mais de 3 segundos cada. Esse método cria sequências dinâmicas e enérgicas e é frequentemente usado em filmes de ação.
Também é uma ótima opção para diálogos em que as reações não verbais são cruciais para a narrativa.
24. Corte em J
Um J-cut é uma transição de cena em que a sequência é unida por áudio antes de ser visualizada. Na prática, isso significa que o público ouve a próxima cena antes de vê-la de fato.
Os cortes em J fazem transições perfeitas que os espectadores geralmente não notam conscientemente. Eles são fáceis de executar e têm um impacto significativo na fluidez da narrativa.
25. Corte de salto
Um jump cut é um método de edição em que a transição entre as cenas é imediata e, muitas vezes, chocante. Frequentemente, mostra os mesmos elementos com um salto no tempo, como o rosto de um ator que passa a estar na mesma posição, mas um pouco mais velho.
26. Montagem
Uma montagem ou intercorte é uma série de cenas editadas juntas para economizar tempo e transmitir muitas informações ou uma passagem de tempo. As montagens mantêm a cena dinâmica e enérgica e são frequentemente usadas para mostrar mudanças ao longo do tempo.
27. Tiro de sequência
Também conhecida como tomada longa, uma tomada de sequência refere-se a uma sequência narrativa que contém várias cenas. Essas cenas não são unidas na pós-produção, mas são gravadas em uma única tomada repleta de movimentos de câmera habilidosos e criativos.
28. Corte de esmagamento
Um smash cut é usado para justapor duas cenas contrastantes e destacar as diferenças. Eles diferem dos jump cuts porque mostram uma cena semelhante em que um elemento, geralmente o tempo, foi alterado.
Por exemplo, eles poderiam mostrar um exército comemorando a vitória e, de repente, revelar uma família chorando um ente querido em um funeral.
29. Limpe
A limpeza é uma técnica de transição incomum em que uma tacada substitui a outra por meio de um movimento de lado a lado. Quando a tacada anterior desliza para fora, a próxima aparece.
Os filmes modernos não usam regularmente transições de limpeza. Elas são usadas principalmente em desenhos animados e outros filmes infantis.
Técnicas de som
O design de som dá vida a um filme e ajuda o público a mergulhar no mundo do filme ou da série.
Há duas categorias importantes de som em um filme que os cineastas devem entender:
30. Som diegético
O som diegético em um filme refere-se a todo e qualquer som originário do mundo do filme. Isso envolve o diálogo, o som do cascalho sendo esmagado enquanto o personagem caminha e os sons agitados do tráfego do lado de fora da janela.
A fonte do som diegético não precisa estar na tela, mas o público deve entender que o som está vindo diretamente do filme.
31. Som não-diegético
O som não-diegético inclui todos os sons que estão presentes para o público e que os personagens do filme não podem ouvir. Esses sons consistem na trilha sonora, na música de fundo, na narração e nos efeitos de foley.
A seguir: Mais de 50 ângulos e tomadas de câmera
Por fim, você está familiarizado com a terminologia de 31 técnicas profissionais de filmagem.
Quais delas você tentará usar em sua próxima produção?
Veja a seguir: Mais de 50 ângulos de câmera e tomadas que todo cineasta precisa conhecer.
Amplie seus conhecimentos sobre cinema para se tornar o próximo Scorsese ou Spielberg.
Quais são algumas técnicas cinematográficas?
As técnicas cinematográficas incluem tudo, desde composições de tomadas, como um ângulo holandês, até design de som, como sons não-diegéticos.
O que são técnicas de produção em um filme?
As técnicas de produção incluem tudo, desde a pré até a pós-produção de um filme, inclusive a própria filmagem.
Quais são as três técnicas cinematográficas?
As três técnicas cinematográficas comumente mencionadas incluem tomadas de câmera, movimentos e ângulos.
