Mise en scène | Definisjon, eksempler og viktige elementer

Uttrykket kommer fra fransk, derav det fantasifulle, og betyr "å sette i scene". I filmbransjen refererer det til alt som befinner seg foran kameraet.

Riktig brukt bidrar iscenesettelsen til å løfte filmen fra å være en serie levende bilder til å bli en kunstform. Det er mange ulike elementer som spiller inn for å få dette til å skje, for eksempel kulisser, lyssetting, skuespillere, dekor, sminke og så videre.

Hver film vil bruke iscenesettelse på forskjellige måter.

Iscenesettelse kan være en kompleks idé å sette seg inn i. For å gjøre det litt mer "pakkbart", skal vi bryte ned mise en scène-konseptene i detalj og komme med eksempler underveis.

Og bare så du vet det, det uttales meez-on-senn.

Velg instruktør

Malcolm Modele

Filmskaping 101: Hva er mise-en-scène?

Vil du lære mer om hvordan man lager film? Mise-en-scène er et fransk begrep som betyr "å sette på scenen". Lær mer med Malcolm!

Trailer

z3FmpXm2V30

Intro

0

nwzpzCx2tBY

Hva er mise en scéne

52

Eksempler på mise en scéne

120

60 x 30 x 10 fargematching

162

Wrap up

208

Møt instruktøren din

z3FmpXm2V30

Hva du vil lære

Definisjonen av mise-en-scène.

Hvordan bruke mise-en-scène.

Filmer som bruker mise-en-scène.

Hva er begrepet 60 x 30 x 10.

Elementer fra iscenesettelsen

Enten publikum er klar over det eller ikke, er det mange elementer som bidrar til å styre publikums oppmerksomhet.

Så la oss grave dypere i både de store og de små elementene i iscenesettelsen.

Iscenesettelse og blokkering

Blocking refererer til skuespillerens kroppsposisjoner, gester, bevegelser og samspill med omgivelsene. Blocking er et avgjørende aspekt ved visuell historiefortelling, ettersom det kan endre hele inntrykket av en scene.

Ta Gudfaren, for eksempel, her bruker Coppola blokkering for å vise Gudfarens dominans og undersåttenes underkastelse. En liten advarsel, før vi fortsetter, jeg kommer kanskje til å nevne Gudfaren, ganske mye. Fortsett på egen risiko.

Dette kommer kanskje som en overraskelse, men skuespillerne er vanligvis filmens stjerner. Det er som oftest det publikum legger merke til - avhengig av hvor mye klær Brad Pitt har på seg i den aktuelle scenen. Det er en grunn til at Fight Club ble så populær.

Når man vet at publikums øyne nesten notorisk følger en Brad Pitt i bar overkropp, må man tenke på ting som; Tar han et skritt? Vasker han hendene? Gjør han spensthopp? Tar han en drink? Gjør han det før, mens eller etter at han snakker eller beveger seg? Alle disse elementene kan ha en betydelig innvirkning på dynamikken i scenen.

Fordi blokkering kan ha stor innvirkning på hvordan publikum opplever en scene, har alle regissører forskjellige tilnærminger til dette iscenesettelseselementet.

Det finnes ikke noe rett eller galt. Alt avhenger av hva du prøver å formidle, og hva du vil at publikum skal føle i akkurat det øyeblikket.

Iscenesettelse og plassering

Plasseringen av scenen bidrar til å sette stemningen og understøtte det som skjer på skjermen.

Et godt råd: Ikke undervurder plasseringen av en scene.

Unn meg et øyeblikk. Forestill deg at du ser en romantisk film med det perfekte power-duo paret. Du har fulgt parets romantiske og stormfulle forhold. Etter flere år sammen har den mannlige hovedrollen tatt mot til seg og fridd til sitt livs kjærlighet. Han har forberedt alt ned til minste detalj; hvite duer, en fiolinist i bakgrunnen og Jason Acuna i amor-kostyme. Idet han gjør seg klar til å gå ned på kne, ser publikum ved hjelp av et mesterskudd stedet han har valgt for å stille spørsmålet ... og det er det intet mindre enn magiske Mordor.

Ikke bare ville det vært litt av en vri på handlingen, det ville også vært ganske tilfeldig. Prøv alltid å ha i bakhodet hvilket miljø som passer best til den visuelle historien du prøver å skildre.

Mordor eller Roue de Paris i måneskinnet?

Iscenesettelse og utforskning av farger

Fargegradering spiller en viktig rolle når det gjelder å skape en bestemt stemning eller effekt. Fargegradering er et kraftfullt verktøy og et viktig virkemiddel i det kunstneriske uttrykket.

Filmen Inception, for eksempel, er utmerket på alle måter, og den klarer å benytte seg av noen fascinerende filmteknikker. Heriblant bruken av fargegradering.

Husker du da Ariadne oppdager Cobb tilkoblet maskinen mens han sover? Scenen er fargelagt med en rekke lyseblå og lysegrå farger. Ettersom grått symboliserer stabilitet og ro, og blått representerer sannhet og frihet, etterlater det publikum med en falsk følelse av fred, til tross for at de vet at noe er veldig galt.

Ved å legge til de riktige fargene kan man endre hvordan publikum opplever scenen, enten de vet det eller ikke.

Men husk at med stor makt følger også et stort ansvar. Vær for eksempel forsiktig så du ikke går amok med å fargelegge scenen i helt gule toner fordi du vil vise at solen står opp.

Iscenesettelse og etablering av kulisser

Å iscenesette betyr å forberede alt publikum ser i en bestemt scene. Det er avgjørende for iscenesettelsen å være bevisst på omgivelsene. Det vil bidra til å etablere verden og forankre karakterene, og til og med gi historien mer kontekst.

En scene som utspiller seg på en karakters hybelrom med bøker og notatbøker, indikerer for eksempel en studiehungrig jomfru. Et hybelrom fylt med tomme ølflasker og pizzabokser viser derimot en lat sportsidiot. Jeg tuller selvfølgelig (på en måte), men i fullt alvor bidrar en aktiv iscenesettelse til å informere publikum om tiden, stedet og historien filmen foregår i.

Den kan være helt og holdent produsert i et studio, som hos Warner Brothers. Den kan også bli funnet og filmet på stedet.

For å få et bedre bilde av kulissenes betydning, kan du se på Sofia Coppolas Marie Antoinette. Kulissene i Marie Antoinette var fylt med overdådig palassinnredning som fremkaller 1600-tallets Frankrike og etablerer Marie-Antoinettes luksuriøse livsstil. Det spennende er imidlertid hvordan disse ekstravagante dekorasjonene ser ut til å overvelde henne, slik at hun ikke blir fremstilt som en landsleder, men som nok et dekorelement som fyller Versaille.

Iscenesettelse og betydningen av rekvisitter

De finnes i støvete lagerhyller, begravd under loppemarkedsgods, kjøpt på eBay, spesialkonstruert av malere eller funnet i den lokale hittegodsboksen. De er bevisst utvalgt til en bestemt scene for å tjene forestillingen eller handlingen rundt dem.

Rekvisitter (avledet av begrepet "theatrical property") som et element i iscenesettelsen, blir ofte presset sammen med andre elementer, som kulisser og kostymer. Og det er riktignok fornuftig, men det finnes noen virkelig ikoniske rekvisitter der ute, og av den grunn fortjener de en egen seksjon.

På samme måte som kulisser, er en rekvisitt et hvilket som helst objekt i bildet. Enten skuespilleren løfter, kaster, bruker eller bare er der, interagerer publikum med det - både bevisst og ubevisst.

Se for deg Bruce Lee slåss mot skurkene med spisepinner i stedet for med nunchakuer. Eller Corleone som bestiller hodet til en bamse under dynen, i stedet for et hestehode - ikke sikker på at det ville ha sagt forbryterdynasti like mye som å bygge et bjørnerike.

Hva synes du?

Iscenesettelse og forskjellen et kostyme gjør

Hva karakterene har på seg, forteller publikum mye om den verden de lever i. Kostymene kan bidra til å formidle karakterens personlighet eller status og hjelpe publikum til å se forskjell på karakterene.

Men for at kostymene skal være effektive, kan du ikke bare kaste en sekk over hodet på karakteren og håpe at Margot Robbie kan bære resten. En kostymedesigner må vite hvilke farger som vil se bra ut på karakteren, og deretter forene det med produksjonsdesignets fargepalett.

Du leste vel delen om fargegradering?

Ta for eksempel en titt på The Great Gatsby - snakk om en visuell fest. Når det gjelder kostymer, leverer denne filmen. Hodeplagg med fjær? Ja. Lange perlekjeder? Ja. Paljettbesatte kjoler? Sjekket. Hvis du vil se hva kostymer kan gjøre med en film - The Great Gatsby er den du bør se.

Kostymedesigneren Catherine Martin hadde mye å gjøre. Hun måtte forstå og deretter inkorporere klærnes sosiale og kulturelle betydning på 1920-tallet.

La oss ta Myrtle Wilson, Tom Buchanans kjærlighetsinteresse, hun bærer en obskøn utringning, noe som på en måte får poenget frem. Myrtle gjør det kona di ikke vil gjøre, hvis du skjønner hva jeg mener, gamle venn. Daisy Buchanan, derimot, er bundet til et sosialt hierarki. Så hun har på seg en uskyldig kjole i lavendel og blonder.

Effekten hår og sminke har på iscenesettelsen

Hår og sminke er de fysiske grepene som hjelper skuespillerne med å forvandle seg til karakterene sine. Hår- og sminkestilene kan bidra til å etablere en bestemt tidsperiode, avsløre en karakters karaktertrekk og hjelpe publikum til å forstå karakterenes endringer.

En av de beste filmene som viser hva hår og sminke kan gjøre, er Heath Ledgers portrett av "Jokeren" i The Dark Knight-trilogien. Mye av Jokerens karaktertrekk ligger i sminken. Heath Ledger klarte å forvandle den tegneserieaktige Jokeren til en dyster, realistisk antagonist ved hjelp av utmerkede sminkevalg. En flekkete, innsovnet sminke fikk frem Jokerens splittede og ubalanserte psykologi i karakterens sminke.

Iscenesettelse og lyssetting

Selvsagt er lyssetting med her. Det er et viktig aspekt ved filmfotografering og en viktig bidragsyter til en films utseende og følelse. Tror du meg ikke? Spør en hvilken som helst filmfotograf.

Hvis du ikke vet hva en filmfotograf er, la meg gi deg svaret. Lær hva en filmfotograf er, og like viktig, hvilke filmteknikker du trenger å kunne for å bli det.

Intensiteten, regien og kvaliteten på lyset kan endre hvordan publikum oppfatter karakterene, stemningen, atmosfæren og handlingen.

Når det gjelder belysning og lysoppsett, har du uendelig mange valgmuligheter. Det typiske lysoppsettet, spør du?

Trepunktsbelysningen

Dette oppsettet består av en key-, fill- og backlight. Dette oppsettet egner seg godt for fortellende film, ettersom det gir en jevn belysning av scenen. Lyset kommer fra tre forskjellige retninger for å gi motivet en følelse av dybde i bildet.

En utmerket måte å sikre at du ikke får et for lyst eller for mørkt bilde?

Eksponeringskompensasjon: Jeg skal ikke gå i detalj med den. Kort fortalt gjør den det mulig for filmskapere å manuelt overstyre lysstyrkeinnstillingene som kameraet ellers hadde bestemt skulle være ideelle.

High-key-belysning: Denne typen lyssetting brukes ofte i musikaler og romantiske komedier. Den gir en jevn belysning, noe som betyr at scenen fremstår som veldig lys og myk, med svært få skygger i bildet.

Dempet belysning: Denne brukes ofte i skrekkfilmer. Denne form for dunkel belysning skaper en svært mørk og mystisk atmosfære. Den har høykontrastbelysning til mønsteret for å både lyse opp og gjøre deler av bildet mørkere.

Omgivelseslys: Omgivelseslys kan være en plage. Det er lyset som allerede er til stede på stedet der du fotograferer. Du må alltid ta hensyn til omgivelseslyset før du begynner å manipulere belysningen selv. Det kan være fra solen, månen, en lyspære - hva som helst som allerede er på settet. Du kan enten blokkere det eller prøve å bruke det til din fordel.

Utforsk flere teknikker for filmbelysning.

Iscenesettelse og filmmediet

I dag har du (nesten) uendelige muligheter for ulike videofilformater. Ulike typer filmformater og bearbeidingsteknikker vil føre til ulike typer iscenesettelser.

Du må vite hvilket format du trenger for ditt spesifikke prosjekt.

Finn ut hvilket filmmedium du bør velge her.

Iscenesettelse og valg av kamera

Valget av kamera er et viktig element i iscenesettelsen. Kameraet gjør mer enn bare å registrere handlingen på settet - det former den aktivt.

Ta filmen Black Panther. Filmfotograf Rachel Morrison valgte Alexa SXT og Alexa Mini for å skape en naturalistisk følelse og dypere dybdeskarphet. På den måten kunne publikum se og oppleve Wakandas verden.

Å velge riktig kamera for det bildet du ønsker å skape, er like mye en del av iscenesettelsen som alle andre elementer. Filmfotografering handler om å fange lys for å skape et bilde - hva du bruker til å fange det bildet, er viktig.

Mise en scène og hvor du plasserer kameraet

Hvor du velger å plassere kameraet ditt, er like viktig som hva slags kamera du bruker.

Så prøv alltid å forberede deg på hva slags opptak du skal gjøre, og hvor kameraet skal plasseres for å fange det på best mulig måte.

Ønsker du å bruke et høyvinkelbilde for å skape en følelse av sårbarhet, eller passer det bedre med et lavvinkelbilde for å signalisere dominans og status? Mulighetene for kameraplassering er mange og vil ha stor innvirkning på iscenesettelsen.

Enten det er i en høy vinkel over motivet eller hundre meter unna, bør kameraets plassering være bestemt lenge før du ankommer settet.

Inkluderer hastigheten på sakte film i iscenesettelsen

Vil du bli en filmveiviser i det 21. århundre? Da kan du forme tiden ved å enten øke hastigheten på scenen eller senke den. I denne sammenhengen refererer hastighet til lysfølsomheten til en bestemt type film eller et bestemt videofilformat.

La oss ta et klassisk eksempel på et slowmotion-element i iscenesettelsen: The Matrix. Her er en film som ikke bare brukte sakte film, men som tok det til et helt nytt nivå. Ved hjelp av flere kameraer, wirework og green screen unnviker Anderson kulene mens han flyr i luften - og vi som publikum får se det hele skje.

Mange filmfotografer har brukt hastigheten i scenen til å understreke hvert eneste element i iscenesettelsen.

Forståelse av komposisjon i iscenesettelse

Komposisjonen er et avgjørende element i iscenesettelsen, og et annet med uendelig mange muligheter. For å nevne noen, tracking shot, ekstremt langt shot, dolly shot, eye-level shot, og jeg kunne fortsette. Komposisjon refererer til organiseringen av motivet innenfor rammen. En god komposisjon leder publikums oppmerksomhet mot et bestemt motiv innenfor rammen.

Komposisjon er det bevisste utvalget av bilderammer og kameravinkler som utgjør et bilde. Et av de viktigste konseptene når det gjelder komposisjon, er å opprettholde en symmetrisk balanse - en lik fordeling av lys, farger og motiver. Hvis du ikke gjør det, bør du gjøre det bevisst. En ubalansert komposisjon kan brukes til å fremheve visse elementer som publikum bør være spesielt oppmerksomme på. Så om du velger symmetri eller et ubalansert uttrykk, er opp til deg - du må bare være bevisst på hva du ønsker å gjøre, og så gjøre det.

Iscenesettelseselementet i innrammingen

Innrammingen tar komposisjonen til neste nivå og er et like viktig element i iscenesettelsen som alle andre. Innramming refererer til plasseringen og posisjonen til motivet/motivene i bildet. For Director of Photographers er det viktig å ta hensyn til hvor mange motiver du har med i bildet, og deres fysiske forhold til hverandre og kameraet.

La oss ta et eksempel for å gi deg en idé. La oss snakke om three-shot; dette er et kamerabilde med tre karakterer i bildet. Hvilken film kan jeg ta med for å gi deg et eksempel på et magisk three-shot - De tre musketerer er åpenbart for opplagt...

Så la oss ta en titt på powertrioen Harry Potter, Hermine og Ron. Harry Potter -filmene bruker denne trioen mye. Denne typen bilder er essensielle i eventyrfilmer. Eller, i alle filmer med en gruppe karakterer, ettersom den lar publikum få med seg hvordan karakterene samhandler.

Dybden av rommet i iscenesettelsen

Selv om det er et av de mer subtile elementene i iscenesettelsen, kan det fortelle publikum mye om tonen i scenen og karakterenes status.

Romdybde refererer til dybden i bildet på skjermen - avstanden mellom personer, rekvisitter og kulisser, både til hverandre og til kameraposisjonen.

Når du begynner å jobbe med film, vil noen på et eller annet tidspunkt nevne Citizen Kane. Det er ikke bare en god historie, men et mesterverk når det gjelder kinematografi.

En ting den utmerker seg på?

Å mestre dybden i rommet!

Filmen er mesterlig komponert og benytter seg av dypfokus. Bruken av dypfokus gjør at motiver som befinner seg nær eller langt unna kameraet, forblir i fokus. Dette oppnås ved å bruke et vidvinkelobjektiv og en mindre blenderåpning. En tidlig scene i Citizen Kane er når Kanes foreldre diskuterer utdannelsen og fremtiden hans mens Kane leker i snøen utenfor. Det skildrer en skarp kontrast mellom voksenlivets press og barndommens uskyld.

Lyddesign skaper iscenesettelse

Det er ikke sikkert at det er noe du tenker på som et element i iscenesettelsen. Men du kan være trygg på at effektiv bruk av lyd er en avgjørende måte å informere publikum om hva som skjer i scenen.

Tenk deg en episk kamp mellom Han Solo og Darth Vader i Star Wars uten den karakteristiske summen fra lyssablene, eller Chewbacca uten den karakteristiske knurringen hans. Disse lydeffektene spiller en viktig rolle i å gi publikum en følelse av storslått krigføring i verdensrommet.

Det samme vil det gjøre med filmen din. Så få lyden til å telle.

Det musikalske elementet i iscenesettelsen

Jeg kan ikke overdrive hvor viktig musikk er i film. Siden lyden kom på kino, har den blitt en integrert del av filmopplevelsen - og et avgjørende element i iscenesettelsen. Musikk kan utløse følelser som selv den mest briljante manusforfatter ikke kan få plass til i en dialog.

Tenk deg Titanic uten Celine Dions "My heart will go on" - jeg vedder på at du ikke kan høre den sangen uten å høre Jack rope "I'm the king of the world"! Det samme gjelder en film som Haisommer, med sitt distinkte "duunnn dunnn... duuuunnnn duun... duuunnnnnnnnnn dun dun dun dun dun dun dun dun dun dun dun dunnnnnnnnnnnnnnn dunnnnnnnn", så enkelt, og likevel så effektivt! Har du lyst til å hoppe i vannet?

De velkoordinerte sangene deres gjennomsyrer og gjenspeiler hvert eneste av de andre iscenesettelseselementene, enten det er kjærlighet og forelskelse eller en plutselig frykt for kjempemenneskeetende haier.

Musikken er en måte for filmskaperen å kommunisere med publikum på, informere og berike dem om hva, når og hvorfor i en histories øyeblikk-for-øyeblikk-følelsesmessige resonans.

Skuespillere som kom for å spille i mise en scène

Nå har vi gått gjennom hele spekteret av iscenesettelseselementer. Men vi mangler fortsatt et avgjørende, forandrende og betydningsfullt element - skuespillerne.

Når en skuespiller er på lerretet, er han eller hun vanligvis midtpunktet - tenk bare på Brad Pitt i bar overkropp - noe som betyr at prestasjonen deres har stor betydning for filmens generelle utseende.

Skuespillernes prestasjoner kan være avgjørende for en film - uavhengig av hvor mye innsats filmfotografen har lagt ned i å få til de sceniske elementene. Du vet det selv, har du noen gang gått ut av en kinosal og sagt: "Utmerket skuespill, men herregud, det var dårlig fargegradering". Det er ikke sannsynlig. Det er ofte skuespillerne som setter nivået for suksess (i hvert fall i publikums øyne).

Tenk på Natalie Portmans portrett av den hjemsøkte ballettdanseren i Black Swan, som tar publikum med inn i hodet på en plaget karakter som kjemper mellom den svarte og den hvite svanen. Eller tenk på Joaquin Phoenix' hypnotiserende og spennende prestasjon i Joker.

Både Portman og Phoenix' prestasjoner hadde stor betydning for filmens kvalitet.

De siste elementene av iscenesettelsen - postproduksjon

Før du sender filmen til det store lerretet, må du legge det siste laget med glasur på kaken, og det får du i postproduksjonen. Uforutsette rettelser og justeringer vil sannsynligvis dukke opp i løpet av produksjonsfasen, og det er i postproduksjonen du fikser det.

På dette tidspunktet finner du ingen andre elementer i iscenesettelsen du trenger å inkludere, ingen kostymefiksing eller annet lysoppsett. Postproduksjonen er til for å finpusse iscenesettelseselementene og pakke det hele inn.

Avsluttende tanker

Iscenesettelse er ikke et rent produksjonsbegrep, det er ikke slik at regissørene går rundt og roper "la oss endre iscenesettelsen i dag" - det skjer ikke. Men det er noe filmskapere må ta hensyn til gjennom hele den kreative prosessen.

Iscenesettelse og kinematografi

Nå har du lest en hel del om hva mise en scène er og hvorfor det er et viktig element. Og hvis du har kommet så langt (forutsatt at du ikke klarte å legge fra deg denne artikkelen), har du også sett at jeg har nevnt kinematografi mer enn én eller tre ganger.

Hvorfor det?

De to er i høyeste grad knyttet sammen - et ubrutt bånd.

Disse to har holdt på så lenge det har eksistert film.

Ved hjelp av ulike kinematografiske teknikker oppnår man alle elementene i en mise en scène. Iscenesettelse er plasseringen av ting og personer innenfor rammen, mens kinematografi er kameraet som skaper rammen. Iscenesettelsen er rekvisitter, kostymer og skuespillere, mens kinematografien er komposisjonen av bildet.

Skjønner du hvor jeg skal?

Analyse av iscenesettelsen

Den virkelig geniale delen av iscenesettelsen?

Det er målbart!

Det betyr at i enhver film kan du plukke fra hverandre og pusle sammen alle iscenesettelseselementene. Når du analyserer en films iscenesettelse, bedømmer du den visuelle presentasjonen og historien den bærer.

Hvis du er filmskaper og trenger å holde oversikt over alle de essensielle iscenesettelseselementene du bør inkludere i ditt neste filmprosjekt. Det kan virke overveldende å gå gjennom listen over iscenesettelser ovenfor. Og det er det også - misforstå meg rett, jeg skal ikke prøve å bagatellisere det. Men du kan gjøre det enklere ved å bryte ned hvert element i historien din, i preproduksjonen, der du tar stilling til alt fra lys og kameraer til hår og sminke. Og ja, det tar tid.

Så sett i gang med arbeidet!

Jeg venter spent på at den skal komme på det store lerretet med popcorn i hånden.

Om instruktøren

Mise-en-scnène FAQ