16 de las películas con una cinematografía más impresionante

¿Es usted aspirante a director de fotografía? ¿O simplemente le gusta apreciar las películas bonitas?

Tanto si es un experto o un completo principiante en cinematografía como si no le interesa en absoluto, aquí tiene 16 magníficas películas que todo el mundo debe ver.

1 Eterno resplandor de una mente sin recuerdos (2004)

Esta es una historia romántica tradicional con muchos giros: combina la realidad de Joel (nuestro protagonista) con el recuerdo de un antiguo interés romántico, Clementine.

Estos giros de las emociones y el tiempo se transmiten a través de flashbacks, sueños y pesadillas. La cinematógrafa Ellen Kuras utilizó la luz de que disponía, así como algunas transiciones divertidas y únicas para encuadrarlos.

2 Mad Max: Fury Road (2015)

A pesar de estar ambientada en un páramo postapocalíptico, Mad Max: Fury Road es realmente una película bellamente rodada. El director de fotografía John Seale utiliza largas tomas panorámicas y mueve la cámara al ritmo de la escena para crear una experiencia intensa y envolvente.

Lo que más llama la atención (aparte del hecho de estar al borde del asiento) es la nitidez de los personajes y el atrezo frente a la borrosidad y la niebla del desierto. La estricta paleta de colores de naranjas, azules brillantes y rojos vibrantes la convierte en un hito de la cinematografía de acción.

3. Moonlight (2016)

Moonlight es una historia y unas memorias esclarecedoras y desgarradoras sobre las luchas de la niñez como parte de la comunidad LGBTQ+ y negra, mientras encuentra amor y compañía en lugares extraños.

El director de fotografía James Laxton fue nominado al Oscar por sus esfuerzos, pero perdió sólo ante Linus Sandgren, de La La Land(¡una pista descarada para seguir leyendo!).

Basta con ver un fotograma de Moonlight para comprender sus temas de soledad y melancolía en el mundo.

Sus tonos fríos y sus efectos desvaídos dan a la película un tono de desesperanza que te absorbe en la historia. Si se presta atención, se aprecia el calentamiento gradual de los planos a medida que avanza la película, lo que significa tensión y el ardiente calor de Miami.

Si no vas a verla por los efectos visuales, al menos mírala por el hecho de que ganó el Oscar a la mejor película. (Realmente merece la pena verla).

4. Gravity (2013)

Emmanuel Lubeski tenía un reto enorme con Gravity : hacer que algo tan alienígena pareciera una realidad al espectador.

Cuando se piensa en los efectos visuales de Gravity, es posible que se piense inmediatamente en esa escena inicial de 12 minutos de viaje al espacio.

Según Lubeski, debido a las secuencias de luz en constante cambio, "se necesitaron muchos meses para diseñarla y años para rodarla".

La yuxtaposición entre escenas espaciales tranquilas y quietas y planos como el de Sandra Bullock girando fuera de control dan a Gravity la acción y la tensión necesarias para convertirla en una película imprescindible.

5. La doncella (2016)

Ambientada en la Corea ocupada por Japón, The Handmaiden se centra en la riqueza y la manipulación.

El director de fotografía Park Chan-Wook trabaja "combinando temas operísticos de venganza y destino con giros escandalosos y una suntuosa sensibilidad visual [...] Las películas de Park siempre han sido difíciles de encasillar en un género específico". Según el A.V. Club.

El uso de los grandes angulares, la simetría y el famoso plano con enfoque ocular, mezclados a la perfección con escenas poco iluminadas, hacen que The Handmaiden resulte apasionante y extrañamente intrusiva.

6. Zodiac (2007)

El trabajo de Harris Savides en Zodiac lo convirtió en uno de los primeros largometrajes de Hollywood rodados con el sistema de adquisición digital HD-to-drive sin compresión. Es decir, se rodó en película.

Una de las técnicas más utilizadas en Zodiac es el uso del paneo y el zoom para que el espectador pueda seguir el caso sin interrupciones.

El uso explícito del zoom para alejar al espectador y del zoom para acercarlo convierte a Zodiac en el clásico thriller con una vuelta de tuerca.

7. Kill Bill Vol. 1 y 2 (2003 y 2004)

Robert Richardson utiliza diversas técnicas en Kill Bill para convertirla en la película popular y querida que sigue siendo hoy en día.

De entrada, tenemos travelling panorámico y horizontal, así como vista de pájaro, para que el espectador pueda captar todos los ángulos posibles de la acción.

Lo que es realmente único es el uso de la inclinación subjetiva de la cámara, de modo que obtenemos un nuevo plano o nuevos participantes en la película a medida que avanza la escena. Esta técnica atrapa al espectador y le transmite toda la esencia de la escena a medida que transcurre.

Richardson también utiliza el seguimiento de los personajes, dándoles la misma importancia que al lugar. Realmente sentirás que formas parte de este thriller de acción.

8. Blade Runner 2049 (2017)

En Blade Runner 2049, Deakins aportó el famoso tono artístico al género de ciencia ficción, iluminando la pantalla con 50 tonos de naranja y una fabulosa iluminación neo-noir.

Se trata realmente de yuxtaposición en esta película; con las áridas escenas de distopía en el desierto, la naturaleza superpoblada de la ciudad realmente brilla.

El uso que hace Deakin de figuras y siluetas nítidas, junto con las tomas panorámicas, da un énfasis real al paisaje que el espectador difícilmente olvidará.

9. Hijos de los hombres (2007)

Esta trepidante película distópica ambientada en un mundo sin niños sigue a un hombre que es elegido para escoltar a una joven embarazada fuera del país lo más rápidamente posible.

Emmanuel Lubezki (¡otra vez!) introduce inmediatamente al espectador en la acción de la película con un trabajo de cámara tembloroso, que hace que el público se sienta como si estuviera dentro de la película.

Lubezki emplea tonos fríos y una neblina que hace que el mundo futuro parezca tangible pero también fuera de contacto. Es una película para los aficionados a la fotografía y para los que disfrutan con una buena película distópica.

10. La La Land (2016)

La segunda película de Damien Chazelle se aleja completamente de Whiplash (2014), pero a pesar de ello no decepciona.

La solitaria y desgarradora historia de un pianista y una aspirante a actriz sobre un fondo de colores brillantes y tonos melancólicos hace de esta película una experiencia mágica para cualquier espectador.

Linus Sandgren incluso ganó el Oscar a la mejor fotografía por esta obra maestra, así que sólo por eso ya debería verla.

Su uso de largos paneos de cámara que mantienen un ritmo constante y de focos hizo que la película actuara y se sintiera como si el público estuviera participando en el musical, pero también le dio una textura suave y onírica.

Aunque no te gusten mucho los musicales, te garantizo que solo con ver La La Land tararearás "City of Stars" una y otra vez.

11. Árbol de la vida (2011)

El estilo cinematográfico desplegado en El árbol de la vida no es nuevo para Terence Malick, pero en esta magnífica película, la fotografía alcanza nuevas cotas.

Dejó suelto a su director de fotografía, lo que permitió a Emmanuel Lubezki (¡otra vez!) reaccionar a la luz de la producción del momento.

Además de ser visualmente sobrecogedora, El árbol de la vida es una película que plantea preguntas más que responderlas. Es una experiencia sobrecogedora y depende de la disponibilidad emocional de sus espectadores para verter su sabiduría.

La película se rodó en 1.85:1 y a menudo utilizaba luz natural en sus escenas, lo que le daba una sensación tangible para el espectador.

Malick se apoyó mucho en la naturaleza, aumentando la sensación de calidez de la película.

Según Brad Pitt: "Un plató de cine es muy caótico. Hay cientos de personas, generadores y camiones. Y ésta fue una experiencia completamente diferente: no tuvimos nada de eso". "No había luces [de cámara]... no había generadores, y la cámara era manual, así que fue una experiencia muy libre y discreta".

El árbol de la vida es una película imprescindible para todos los aspirantes a cineastas y directores de fotografía.

12. El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford (2007)

Roger Deakins vuelve a la carga. Aunque Deakins desplegó un trabajo fantástico en No es país para viejos, El asesinato de Jesse James destaca como su pieza-de-resistencia.

La película está rodada con el aspecto de una fotografía antigua, áspera en sus bordes pero viva en su tono y textura.

La cámara se mueve lentamente para adaptarse al ritmo de la narración, y utiliza las llamas y el espacio negativo para añadir una sensación onírica a su western clásico.

13. Cisne negro (2011)

Cisne Negro utiliza la cinemática de la dualidad para crear una ilusión entre lo que es real y lo que es falso en la mente de una persona.

La técnica más evidente utilizada por Matthew Libatique fueron los reflejos y los espejos.

De este modo, el espectador puede ver claramente que la cordura de Nina se tambalea; siempre la están siguiendo. Estos reflejos siguen la narración, ya que pronto el reflejo de Nina deja de coincidir con ella y pierde el contacto con el mundo.

La cámara también sigue sutilmente a Nina a través de disparos a la cabeza para centrarse físicamente en su deteriorada mente.

Es realmente impresionante la cantidad de espejos que hay en esta película sin que se vean. Obviamente, a veces se utilizó CGI, pero muchas veces eran simplemente buenos ángulos.

14. Mudbound (2017)

Se trata de una película fantástica sobre los conflictos y los rodamientos emocionales de una familia negra y otra blanca en el Mississippi de los años cuarenta.

La directora de fotografía Rachel Morrisson ha dado en el clavo con unos efectos visuales que realzan los esfuerzos físicos y emocionales por los que pasan las familias.

15. El Gran Hotel Budapest (2014)

Todos sabemos que Wes Anderson es famoso por sus encuadres perfectos y su estética visual.

Si pudiera, recomendaría personalmente todas sus películas de esta lista. Pero el trabajo del director de fotografía Robert D. Yeoman en The Grand Budapest se erige como una de las mejores películas de Anderson.

La paleta de colores, la simetría, las localizaciones y el vestuario son siempre perfectos. Esta película utiliza especialmente muchos tonos rosados y azules, contrastados con rojos intensos.

Nadie hace la fotografía como Anderson.

16. Interstellar (2014)

El trabajo visual de Hoyte Van Hoytema en Interstellar es nada menos que una obra maestra.

Los tonos fríos y apagados utilizados mientras la película transcurre en la Tierra son hermosos y apasionantes. Sin embargo, cuando nos trasladamos al espacio exterior, los planos y las panorámicas nos dejan boquiabiertos.

Si hay una escena que ver de esta película, sería aquella en la que seguimos a la nave espacial durante todo su viaje.

Desde las tomas aisladas de la nave espacial contra una pantalla negra hasta la panorámica de la nave surcando el espacio (que recuerda a Inception, se podría decir), este es el espacio exterior como nunca antes lo habías visto.

Los grises, los negros y los temas monocromos de esta película realmente te hacen sentir pequeño en este enorme universo.

¿Y ahora qué? Haz tus propias películas cinematográficas

Ahora que ya ha visto y estudiado la cinematografía de los maestros, ¿por qué no lo intenta usted mismo?

Pero antes hay que leer un poco. Echa un vistazo a nuestra página sobre cinematografía y sobre realización de películas para familiarizarte con los conceptos básicos.

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